I registi più famosi della storia: i migliori registi di tutti i tempi

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Impresa difficile definire i migliori registi cinematografici di tutti i tempi: ognuno ha i suoi preferiti e il valore di un’opera artistica cambia con il passare del tempo e con le trasformazioni della società. Quello che sembrava straordinario ieri, forse a causa della moda e dello stile di vita di un’epoca ormai passata, oggi potrebbe non avere più lo stesso valore.

Questa non è assolutamente una lista che cercare di imporre un valore oggettivo e definitivo per i migliori registi, ma uno strumento per intraprendere un viaggio nella storia del cinema. Un’arte parzialmente svalutata e ridotto a semplice intrattenimento ormai da diversi decenni, in cui il pubblico non riesce più a fare distinzioni tra prodotti audiovisivi commerciali e cinema d’arte.

Le donne che hanno potuto esprimersi attraverso l’arte cinematografica sono state purtroppo poche: la possibilità di dirigere è stata raramente data loro. Ma le registe donne hanno fatto fantastici passi in avanti nel corso degli anni e abbiamo visto negli ultimi decenni alcuni lavori stimolanti e assolutamente magistrali.

Georges Méliès

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Georges Méliès è forse il personaggio più straordinario e leggendario delle origini del cinema. Fu lui che sviluppò le prime tecniche del cinematografo come le dissolvenze e la colorazione del film. Méliès è molto affascinato dalla presentazione dei fratelli Lumière il 28 dicembre 1895 al “Cafè des Capucins”. Intende utilizzare il cinema a qualunque costo. Dopo la prima proiezione di immagini in movimento della storia si avvicina ai due fratelli per chiedere di acquistare uno dei loro apparecchi, ma essi rifiutano.

Il film che ha consacrato il successo di Méliès è stato Viaggio sulla luna. Il pubblico dell’epoca in realtà non aveva mai visto niente del genere: all’ingresso degli spettacoli molti individui presumevano di essere presi in giro. Il successo è stato enorme. Il film è stato proiettato in tutto il mondo e diversi registi hanno realizzato remake. Il cinema aveva scoperto il suo compito di rivelare i mondi interiori dell’immaginazione.

Guarda in streaming i film di Méliès

Alice Guy-Blaché

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Operante in Francia agli albori del cinema, Alice Guy-Blaché è stata una delle prime cineaste di lungometraggi. Nel corso degli anni si è trasferita in America con suo marito ed ha avviato uno studio di animazione, continuando a girare numerosi film nei due decenni successivi.

Gran parte del suo lavoro è andato perso con il tempo, ma ciò che rimane non è solo l’unicità. Guy-Blaché è stata una filmmaker fondamentale nel gettare le basi per il linguaggio cinematografico.

Guarda i film di Alice Guy-Blaché

Buster Keaton

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Joseph Frank Keaton, vero nome di Buster Keaton, nasce negli Stati Uniti, in Kansas, il 4 ottobre 1895. Come Charlie Chaplin è figlio di una coppia di artisti, ma meno sfortunati. Il padre ha una compagnia di vaudeville dove si esibisce la famosa sassofonista Mira Keaton e il mago Houdini. Il piccolo Keaton partecipa agli spettacoli fin da bambino e ne diventa spesso il protagonista. Le sue esibizioni spericolate e le sue cadute gli frutteranno il soprannome di “Buster”. La sua mimica appare subito prodigiosa.

Buster Keaton scopre il cinema nel 1917. Secondo Buster è lo strumento perfetto per dare vita ai suoi personaggi. Abbandona la famiglia e si trasferisce a New York all’età di 22 anni, dove conosce l’attore Roscoe Arbuckle, specializzato nel lancio delle torte in faccia.  L’esordio di Buster Keaton come regista è The High Sign: è la storia di un vagabondo in cerca di fortuna in un luna park che incontra un miliardario e sua figlia.

Charlie Chaplin

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Il suo personaggio di vagabondo diventa molto più straziante quando ti rendi conto che Charlie Chaplin stesso era un orfano che viveva sulla strada. Tutti noi amiamo gli emarginati e il vagabondo deve essere incoronato Re degli emarginati. Senza dialogo, Chaplin ha avuto la capacità di esplorare l’intera serie dei sentimenti umani.

Non puoi vedere Il monello senza ballare, non puoi goderti Luci della città senza riaccendere la tua sensazione di romanticismo e non puoi guardare Il grande dittatore senza assicurarti di riflettere e ridere sulla assurdità della guerra e della brama di potere.

Guarda i film di Charlie Chaplin

Fernand Leger

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Nato nel 1881, Fernand Leger iniziò come disegnatore per uno studio di architettura a Parigi nel 1903. Era un musicista davvero eclettico, creatore di animazioni di arazzi e vetri appannati, decoratore, ceramista, scultore, disegnatore, illustratore, ideatore di costumi, affermato sviluppatore.

Figlio di un allevatore di cani normanno si trasferisce a Parigi dove viene ammesso all’Ecole des Beaux-Arts, oltre a partecipare all’Accademia Julian e anche al Louvre. Nel 1911 espose il dipinto Nudi nel bosco al Salon des Indépendants insieme ad altri lavori dei suoi colleghi Robert Delaunay, Albert Gleizes, Henri Le Fauconnier, Jean Metzinger. Nasce la discussione e anche il dibattito che diffondono il termine cubismo. Lo sviluppo del design di Fernand Leger è alimentato dal dinamico clima creativo parigino: a lui si ispira l’Impressionismo, i Fauves e anche i dipinti di Paul Cézanne.

DW Griffith

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DW Griffith ha un grande merito per aver formato un linguaggio cinematografico che riconosciamo e comprendiamo anche oggi. Non era stato il primo regista a utilizzare un primo piano, tuttavia ha rafforzato il modo in cui utilizzarli per ottenere il massimo risultato.

Griffith ha diretto dozzine di film, ma Nascita di una nazione è il suo lavoro più noto. Nonostante tutti i suoi successi, il film ha anche alcuni stereotipi razziali. È un peccato che un film storico così straordinario dal punto di vista tecnologico abbia anche una tale visione discriminatoria. Film successivi come Intolerance e anche Broken Blossoms tenteranno certamente di chiedere perdono e di affrontare queste trasgressioni, ma con scarso successo.

Guarda Intolerance

FW Murnau

Murnau

FW Murnau era un altro immigrato tedesco a Hollywood, che ha attraversato il drammatico bagliore dei capolavori dell’espressionismo tedesco con film commerciali un po’ più sicuri girati nel periodo americano.

C’è Nosferatu, il capostipite dei film sui vampiri. Faust è una storia di principi che è semplicemente terrificante come qualsiasi altra cosa in Nosferatu. E, forse il suo maggior successo, Sunrise: A Song of Two Humans ha vinto il premio come miglior film agli Oscar. E un capolavoro immenso come L’ultima risata. Un film che ha portato ad un livello successivo la storia del cinema.

Guarda L’ultima risata

Carl Theodor Dreyer

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Carl Theodor Dreyer è tra i più importanti registi del cinema mondiale. Maestro di uno stile molto rigoroso, spartano e morale, tratta nei suoi film temi fondamentali dello spirito umano come la fiducia, l’amore e la morte. Dreyer ha sempre negato la facile scorciatoia del cinema industriale.

I suoi film non hanno avuto un grande successo di pubblico e sono stati anche a lungo contrastati dalla censura come nel caso de La passione di Giovanna d’Arco, che è stato messo fuori legge dalla Chiesa cattolica. Un altro straordinario film di Dreyer è uno degli horror più belli mai realizzati: Vampyr. Diversi registi moderni hanno chiaramente affermato di essere stati influenzati e ispirati dal suo design.

Ida Lupino

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Ida Lupino ha svolto un lavoro interessante. Ha iniziato come attrice da ragazzina negli anni ’30 prima di co-fondare una società di produzione indipendente in cui creava, dirigeva e produceva anche i suoi film. Ovviamente, questo era generalmente insolito nella Hollywood degli anni ’50.

I suoi film trattavano argomenti tabù così come The Hitch-Hiker è considerato tra i migliori Film Noir di tutti i tempi. Ha terminato il suo lavoro decennale dirigendo praticamente 70 episodi TV per spettacoli tra cui The Twilight Zone, The Fugitive e Gilligan’s Island.

Fritz Lang

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Fritz Lang aveva due lavori: uno in Germania e anche un secondo a Hollywood. Il suo miglior cinema è quello degli anni ’20 e ’30 mentre lavorava in Germania, composto da Metropolis, M – il mostro di Dusseldorf e Il testamento del Dr. Mabuse. Quando Hitler salì al potere, lasciò la Germania.

Lavorando a Hollywood per i successivi 40 anni, come molti altri registi europei, non raggiunse più gli stessi livelli dei capolavori realizzati in Europa. Si dovette adattare alla macchina industriale ed impersonale del cinema americano. Ma ha realizzato comunque film strepitosi come Fury, La strada scarlatta e anche The Big Heat.

Guarda M – il mostro di Dusseldorf

Jean Epstein

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Nato a Varsavia nel 1897, Jean Epstein perse il padre e si trasferì in Svizzera con la madre e il fratello, futuro regista e sceneggiatore. Successivamente si sono trasferiti in Francia, a Lione, dove Jean Epstein ha incontrato anche August Lumière.

Jean Epstein era un personaggio molto eclettico. Si interessa sia di cinema che di letteratura progressista, ricerca scientifica, filosofia, psicologia. Fondamentale è l’incontro con Blaise Cendrars che nel 1921 promuove la rivista La poesie aujourd’ hui, un libro della conoscenza. Il suo film più importante è forse Cuore Fedele, oltre a La caduta della casa degli Usher.

Guarda Cuore Fedele

Ernst Lubitsch

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Ernst Lubitsch nasce a Berlino il 28 gennaio 1892. Fu tra i primi registi a finire per essere una vero celebrità a Hollywood e anche per avere un ampio mercato di riferimento senza sempre contare sulla partecipazione delle star nei tuoi film. Il suo stile leggero, comune ai suoi film di commedia, è stato battezzato il tocco di Lubitsch da Billy Wilder.

Nato in una povera famiglia di ebrei tedeschi, Lubitsch da giovane cerca di sbarcare il lunario vendendo tessuti. Diventa amico di Max Reinhardt, il supervisore del teatro tedesco a Berlino, che lo fa lavorare come aiuto regista. Poi è stato assunto come attore e ha anche collaborato con Reinhard in diverse produzioni cinematografiche, dove ha appreso la tecnica.

A quel tempo il cinema era ancora in una fase pioneristica e di esplorazione. Non è difficile per Lubitsch dirigere i primi film muti a basso budget, dove interpreta anche il ruolo principale. Inizia con il genere comico slapstick.

Sergei Eisenstein

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Sergei Eisenstein ha trasformato il cinema in uno arma. Insieme agli altri registi sovietici, i loro esperimenti hanno rivelato cosa possono fare le immagini in movimento. Lasciano perdere il potere di cui il cinema ha bisogno per ricollocare gli individui politicamente tanto quanto emotivamente.

Sciopero è un ritratto incrollabile della disputa sul corso di lavoro. Ottobre (Dieci giorni che scossero il mondo) ha mostrato un’intera rivoluzione in corso. E, ovviamente, come forse hai visto in ogni corso di storia del cinema, la sequenza della scalinata di Odessa in La corazzata Potemkin sarà sicuramente considerata il più grande esempio di montaggio e grandiosa messa in scena cinematografica.

Guarda La corazzata Potemkin

Dziga Vertov

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Nato in Polonia nel 1896, Dziga Vertov è uno dei registi più importanti dell’avanguardia russa. Si trasferì in Russia dove studiò inizialmente medicina e poi poesia e narrativa. A Mosca inizia a interessarsi al cinema grazie al surrealismo. Prende il soprannome con cui diventa noto, Dziga Vertov. Dopo la rivoluzione russa, trova lavoro nella redazione della settimana del cinema, una rotocalco con contenuti di propaganda gestito dal Partito Socialista.

In qualità di membro dello staff ha realizzato il suo primo breve film, L’anniversario della rivoluzione , tuttavia la sua vera individualità cinematografica inizia a emergere con la raccolta di docudrama Kino Pravda, un film di 20 minuti in cui inizia ad elaborare la sua teoria sul cinema e la realtà, che sfocia in un manifesto chiamato Kinoglaz . Il manifesto specificava che la cinepresa doveva filmare la realtà nel modo più autentico possibile. Il suo capolavoro universalmente riconosciuto è il film sperimentale L‘uomo con la macchina da presa.

Guarda L’uomo con la macchina da presa

Jean Vigo

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Registi come Jean Renoir hanno lavorato nello stile del realismo poetico, con film come La grande illusione e La regola del gioco. Julien Duvivier con Il bandito della Casbah e anche Marcel Carné con Il porto delle nebbie e Gli amanti perduti. A metà strada tra queste 2 correnti, dall’aspetto progressista oltre che realistico, si trova il lavoro di Jean Vigo.

Jean Vigo ha girato i suoi unici due film, Zero in condotta e L’Atalante, in uno stato febbrile all’inizio della malattia che avrebbe portato alla sua morte. In alcuni casi sul set è stato costretto a rimanere su un letto di ospedale da campo. Gli amici e anche i colleghi sono rimasti sorpresi dal fatto che volesse continuare il lavoro nonostante le sue condizioni gravi.

Tuttavia Jean Vigo non voleva fermarsi, per lui finire le riprese del film era una vera missione esistenziale. Capì di essere malato così come capì che il suo tempo stava finendo. È forse questa pressione, questa necessità che gli ha permesso di creare 2 capolavori?

Guarda L’Atalante

René Clair

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René Clair è popolare nelle nazioni anglosassoni e in Italia. Nella sua ricerca di una commedia umana globale tra background e progresso tecnologico, è il musicista che lega Charlie Chaplin a De Sica, molto prima dei giovani pazzi della Nouvelle Vague.

Il cinema è la passione essenziale dell’intera vita di René Clair. frequenta sia la critica che la produzione di film con interesse. Un suo articolo sul cinema si intitola Il figlio del secolo in attesa di un film. Allo stesso tempo si relaziona con i futuri avanzamenti della 7a arte.

Non è molto diverso intellettualmente dai suoi compagni d’avanguardia. Nato e cresciuto nell’ambiente della borghesia commerciale parigina, riconosce la bellezza in declino della Belle Epoque. La sua prima creazione pubblicata nel 1916 è un addio a Emile Verhaeren.

Kenji Mizoguchi

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Kenji Mizoguchi è nato nel 1898 a Tokyo. Kenji porterà sempre con sé i ricordi di questo periodo della sua vita. La morte della madre quando Kenji ha 17 anni costringe il giovane a trovare un lavoro.

A 22 anni entra nel cinema come attore e nel breve spazio di due anni dirige il suo primo film. Nel 1925 ha già diretto più di 30 film molto diversi tra loro: dai film contemporanei (gendaigheki) ai film storici (jidaigheki), ai film accademici o tratti dalla letteratura occidentale. Negli anni successivi, il bombardamento di Tokyo durante la seconda guerra mondiale e l’umidità naturale del clima arrecheranno altri danni irreparabili al patrimonio cinematografico giapponese.

Guarda i film di Mizoguchi

Yasujiro Ozu

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Yasujiro Ozu è nato nel quartiere Fukagawa di Tokyo, il secondo figlio di 5 fratelli e sorelle. È sempre stato alla larga dalle classi scolastiche per vedere film come Quo Vadis o Gli ultimi giorni di Pompei. Nel 1917 vide il film Civilization e decise che intendeva diventare un regista. All’età di 17 anni, è stato buttato fuori dalla stanza del dormitorio dopo essere stato accusato di aver scritto una lettera d’amore a un ragazzo di classe inferiore.

Ozu è stato assunto dalla Shochiku Film Company, come assistente nel dipartimento cinematografico, il 1 agosto 1923, contro i desideri di suo padre. La sua casa fu distrutta nel terremoto del 1923, tuttavia nessun membro della sua famiglia rimase ferito. Il 12 dicembre 1924 Ozu iniziò un anno di servizio nelle forze armate. Nel 1927 fu coinvolto in una rissa in cui prese a pugni un altro personale al bar dello studio. Nel settembre 1927 diresse il suo primo film, Sword of Penitence.

Guarda i film di Ozu

Kaneto Shindo

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Nato a Hiroshima nel 1912, Kaneto Shindo è cresciuto in una famiglia di proprietari terrieri, poi andata in rovina. Nel 1927 entra nelle officine cinematografiche Shinko, dove inizia ad operare nel cinema giapponese, dapprima come assistente alla scenografia.

Lavora come regista nel famoso film La vendetta dei 47 ronin, del regista e anche suo insegnante Kenji Mizoguchi. Per tutti gli anni Quaranta e Trenta, tuttavia, il suo impegno principale finì per essere quello di sceneggiatore. Negli anni ’40 scrisse le sue prime sceneggiature di film per il cinema per registi della qualità di Kon Ichikawa, Keisuke Kinoshita, Fumio Kamei, Tadashi Imai e anche Kōzaburō Yoshimura.

La sua collaborazione più vitale è quella con Kozaburo Yoshimura, con il quale ha fondato nel 1951 l’azienda indipendente Società del Cinema Moderno. Il regista che più colpisce il suo cinema, soprattutto per quanto riguarda il tema della condizione femminile e della stabilità delle sue personalità femminili, è tuttavia Kenji Mizoguchi, con il quale lo stesso Shindo realizza un lungo docudramma.

Guarda i film di Kaneto Shindo

John Ford

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John Ford è stato uno dei pochi registi a vincere 4 Oscar. Inizia a fare film nell’era del cinema muto. John Ford è uno dei più grandi registi della storia del cinema, riconosciuto maestro da colleghi come Akira Kurosawa, Martin Scorsese, Sam Peckinpah, Sergio Leone, Clint Eastwood, Wim Wenders , così come François Truffaut. I loro film sono stati influenzati dallo stile cinematografico di John Ford. Secondo Orson Welles, John Ford è stato il più grande regista di sempre. Eccellenti critici cinematografici hanno effettivamente elogiato la sua complessa e lunga filmografia, da Truffaut a Jean-Luc Godard.

La popolarità di John Ford, maestro dei western, è legata alla collaborazione con famose star. Il volto che i film di John Ford evocano all’istante è quello di John Wayne, con il quale ha realizzato 21 film, ma anche Victor McLaglen, Henry Fonda, John Carradine e Lee Marvin.

Michael Powell

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Michael Powell, nato il 30 settembre 1905, è stato un regista inglese, famoso per la sua collaborazione con Emeric Pressburger. Con la loro azienda di produzione The Archers, insieme hanno sviluppato una raccolta di classici film britannici, in particolare The Life e anche Death of Colonel Blimp (1943), A Canterbury Tale (1944), I Know Where I’m Going! Il suo film del 1960 Peeping Tom fu aspramente criticato, mentre oggi è considerato un film di culto. Fu così diffamato al primo lancio che la sua carriera fu seriamente danneggiata.

Numerosi registi come Martin Scorsese, Francis Ford Coppola e anche George A. Romero hanno davvero indicato Powell come maestro. Nel 1981 ha ottenuto il BAFTA Academy Fellowship Award insieme al suo partner Pressburger, il più grande onore che la British Film Academy possa offrire a un regista.

Jean Cocteau

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Nato a Maisons-Laffitte, una zona suburbana alla periferia di Parigi, nel 1889, l’infanzia di Jean Cocteau ha prontamente rivelato il suo interesse per le arti visive e anche per la poesia. In realtà, il piccolo Jean, rimanendo in condizioni di salute precarie, investe ore nella costruzione di minuscoli teatrini di marionette nel cortile e nell’illustrazione.

Quando vede i suoi genitori uscire spesso di sera per andare a teatro, lasciandolo solo in casa, l’esigenza di frequentare gli spettacoli teatrali diventa per lui un’ossessione. Un interesse per l’arte che saprà realizzare qualche anno dopo. Tra i suoi capolavori Il testamento di Orfeo e Il sangue di un poeta.

Guarda Il testamento di Orfeo

Alfred Hitchcock

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Figlio di una modesta famiglia di mercanti, suo padre era un commerciante di frutta e verdura, Alfred Hitchcock studiò in un severo collegio di padri gesuiti. Il suo interesse per il lavoro cinematografico è arrivato quando Famous Players-Lasky ha aperto una filiale a Londra. Prima lavora in ufficio occupandosi di sottotitoli, poi passa alla regia e alla sceneggiatura.

Nel frattempo cambia produzione, inizia a collaborare con la British International Pictures con la quale gira il suo primo film sonoro, Blackmail, nel 1929. È stato scritto e concepito come un film muto, ma con l’arrivo della nuova tecnologia Hitchcock cambia poco la sceneggiatura prima di girare. Da quel momento in poi si è divertito ad apparire come comparsa in tutti i suoi film, fino a diventare un noto personaggio televisivo pochi decenni dopo. E’ considerato da tutti come il più grande regista del genere thriller.

Luis Bunuel

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Luis Bunuel. maestro del cinema surrealista, nacque a Calendar, una piccola città dell’Aragona, in Spagna, il 22 febbraio 1900. Fu mandato a studiare in un’università dei Gesuiti. Probabilmente, questa esperienza fatta di regole rigide e noiosa vita quotidiana contribuisce a sviluppare la sua profonda ostilità verso le istituzioni cattoliche.

Trasferitosi a Madrid per svolgere ricerche all’università, ha l’opportunità di essere totalmente libero di conoscere cosa lo interessa di più: le opere letterarie e la filosofia. Tra i suoi intimi amici del periodo universitario ci sono il poeta Federico Garcia Lorca e Salvador Dalì, il pittore surrealista con il quale svilupperà un lungo sodalizio. Scopre i film di Buster Keaton e Fritz Lang e lavora a Parigi come assistente del regista Jean Epstein. Un cinema fuori da logiche narrative, dentro il territorio dell’assurdo e dell’immaginazione. Tanti i suoi capolavori imperdibili: Il fascino discreto della borghesia, L’angelo sterminatore, Bella di giorno, Il fantasma della libertà. E molti altri.

Guarda L’angelo sterminatore

Chantal Akerman

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Nata a Bruxelles nel 1950, Chantal Akerman è nata da genitori ebrei emigrati dalla Polonia. I nonni di sua madre e anche sua madre furono deportati ad Auschwitz. Decide di dedicarsi al cinema dopo essere stata colpita dal film Il bandito a 11 anni di Jean-Luc Godard nel 1965 e anche dopo un corso di studi alla Brussels Film School nel 1971 si trasferisce negli Stati Uniti, a New York..

Negli Stati Uniti ha girato il suo primo cortometraggio Saute ma ville, un film catastrofico in stile burlesque fatto all’età di 18 anni su una ragazza che fa saltare in aria il suo forno e finisce anche per distruggere l’intera città. Il film ottiene un’attenzione cruciale e anche la gratitudine del regista belga André Delvaux. Attualmente da questo lavoro si comprende la passione per un cinema all’avanguardia, fuori dalle regole e da ogni tipo di classificazione commerciale.

Orson Welles

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Orson Welles è stato un regista, sceneggiatore, protagonista e produttore americano ricordato per il suo lavoro innovativo in radio, film e anche teatro. È considerato uno dei registi più grandi e più influenti di tutti i tempi.

Quando Orson Welles ha creato Citizen Kane, è stata una maledizione oltre che una vera benedizione. Al momento dell’uscita, il film non è stato immediatamente accolto come il più grande film mai realizzato prima. Il percorso dei film in seguito è diventato una battaglia in salita per Welles. Le interferenze sul lavoro gli hanno richiesto di diventare un cineasta indipendente e ha anche trascorso i successivi 3 anni a finire i film che ha lasciato incompleti.

Guarda Lo straniero

Akira Kurosawa

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Non è necessario comprendere la cultura giapponese o essere uno studioso del periodo Sengoku del paese per apprezzare ciò che indica il lavoro di Akira Kurosawa. Il fatto è che Kurosawa ha preso storie che sono incredibilmente particolari e le ha anche rese pertinenti a livello globale. I suoi racconti hanno preso motivi tipici della sua stessa cultura ma anche di Shakespeare e hanno scoperto un messaggio che ha risuonato in tutto il mondo.

Di tutti i registi di questa lista, forse nessuna persona ha avuto così tanta influenza globale sul cinema come Mr. Kurosawa. Dai suoi impressionanti samurai come Yojimbo e Seven Samurai alla sua drammatizzazione contemporanea come Ikiru e The Bad Sleep Well, c’è qualcosa che tutti possiamo percepire dal suo lavoro.

Billy Wilder

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Billy Wilder è riuscito a lavorare all’interno del sistema dello studio, oltre a dare ancora ai suoi film un punto di vista e una personalità distinti. Ha aiutato il fatto che fosse anche uno scrittore, tuttavia, indipendentemente dall’argomento, Billy Wilder ha raccontato sempre le sue storie in modo coerente.

Non possiamo pensare ai Film Noir senza il suo La fiamma del peccato (Double Indemnity), il suo inquietante meta-dramma Sunset Blvd. ha mostrato un cuore oscuro al centro della popolarità, e anche la sua divertente commedia A qualcuno piace caldo (Some Like It Hot) è vicino al capolavoro. Non dimenticare i suoi drammi crudi e sinceri come Giorni perduti (The Lost Weekend) e anche L’appartamento.

Federico Fellini

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Al di fuori del movimento del Neorealismo del dopoguerra, non c’è cinema italiano senza Federico Fellini. Spiegare è accessorio, l’aggettivo che ti viene in mente è “meraviglioso”. Non come la magia del coniglio senza cappello, è più una sensazione che si prova dopo aver visto un film come Giulietta degli spiriti o La strada e non si può fare a meno di sentire davvero che c’è più vita di quello che possiamo vedere.

La Dolce Vita è un viaggio figurativo dentro un’epoca che il film stesso trasforma in mito e realtà, così come guardando Roma sembra di entrare nel più importante museo di pittura. I Vitelloni è una racconto di formazione giovanile, così come 8 1/2 è un poema sul processo creativo, sul labirinto misterioso che è la psiche umana. Probabilmente nessuno ha realizzato così tanti capolavori come Federico Fellini, raggiungendo una vetta altissima, dove si incontrano i grandi artisti della storia umana.

Ingmar Bergman

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Nato il 14 luglio 1918 a Uppsala in Svezia, Ingmar Bergman è stato solo uno dei più importanti filmmaker della storia cinematografica. La sua filmografia ha una severa coerenza nell’esplorare i tormenti dell’essere umano. Tra i suoi drammi ci sono alcuni dei lavori cinematografici più significativi di tutti i tempi.

Ingmar Bergman è un uomo che ha vissuto molto più nella dimensione dei sogni che nella realtà. Ha esplorato in più i fatti che hanno avuto luogo nel suo mondo interiore piuttosto che quelli della vita all’aria aperta. L’esplorazione del mondo onirico lo ha avvicinato molto a Federico Fellini, con il quale era un buon amico e con il quale si è confrontato diverse volte.

Mentre Fellini rappresenta il lato pazzo, divertente e grottesco del sogno, Bergman è l’esploratore del lato più oscuro e tormentato dell’essere umano che sprofonda nel nulla e nella mancanza di senso e identità.

Robert Bresson

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Discutere di Robert Bresson, nell’era delle serie TV e dei film originali in streaming, può essere complicato. Per fortuna, Robert Bresson è stato in grado di girare i suoi film in un altro contesto. Non sarebbe stato facile in un periodo di omologazione di massa del linguaggio cinematografico, in cui il pubblico sta lentamente perdendo la capacità di riconoscere un opera d’arte.

Robert Bresson è proprio il regista che forse meglio rappresenta il rovescio di questa presente omologazione. Creatore di un cinema rigoroso che fa perno su solide strutture riflessive e spirituali, Bresson esplora il significato profondo di tutte le parti della produzione di un film. Robert Bresson si sarebbe semplicemente sentito davvero disgustato tra questi film presentati oggi dalla stampa oltre che dal grande pubblico come “opere d’arte”. Bresson ha effettivamente girato diverse vere opere d’arte.

Satyajit Ray

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Il padre del cinema indiano, Satyajit Ray ha creato un cinema umano oltre che potente. Come i suoi contemporanei del neorealismo italiano, Ray ha lavorato con budget minimi, troupe inesperte e non attori.

È la sua trilogia di Apu per cui Ray è più conosciuto: Pather Panchali, Aparajito e Apur Sansar, tre film che sono diventati opere fondamentali nella storia del cinema. Il lavoro registico di Ray era appena iniziato e ha anche continuato a realizzare film altrettanto magistrali nei successivi 40 anni.

Scopri i film di Satyajit Ray su Indiecinema

John Cassavetes

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La sua arte cinematografica è principalmente concentrata sulla recitazione, tuttavia John Cassavetes ha finito per essere un eccezionale regista cinematografico anche dal punto di vista delle immagini, del montaggio, di tutto. A Cassavetes viene generalmente attribuita l’apertura di una nuova era del cinema indipendente.

Troverai lavori grintosi con immagini girate con la cinepresa a mano come Shadows e Faces insieme a devastanti storie come Husbands, Minnie e Moskowitz. E anche se desideri vedere tra le performance più strazianti di un’attrice, dai un’occhiata a Gena Rowlands in A Woman Under the Influence, che non sembra molto instradato come è stato registrato.

Jean-Luc Godard

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Mentre Hollywood ha investito anni cercando di perfezionare il “cinema impercettibile”, Jean-Luc Godard si è posto l’obiettivo personale di far esplodere tutto. Come i russi degli anni ’20 che usavano il montaggio, Godard ha usato il suo cinema per portare innovazioni. Per lui, il “film come intrattenimento domestico” non è semplicemente monotono, è offensivo.

Al centro del movimento della New Wave francese, Godard iniziò a riformulare il thesaurus del linguaggio cinematografico. I suoi lavori eccezionali consistono in Breathless, Contempt, Alphaville, Pierrot le Fou e anche Weekend.

Roman Polansky

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Il primo lungometraggio di Roman Polansky, Il coltello nell’acqua, è un film spettacolare e un thriller serrato. Il regista ha continuato in questa modalità di nuovo con destrezza inquietante in Repulsion, Cul-de-sac e The Tenant.

I più grandi lavori di Polanski sono Rosemary’s Baby e Chinatown, due film che lo hanno consacrato tra i filmmaker più famosi di tutti i tempi. Con Rosemary’s Baby riesce a cavalcare quella linea sottile tra pace della mente e follia. Chinatown è un ritorno al passato di Film Noir che colpisce tutti i temi e gli stili del genere. Indipendentemente dalla sua vita personale invece scomoda, Polanski ha portato con sé una grande innovazione a Hollywood.

Francis Ford Coppola

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Prima realizzare il capolavoro Il Padrino, Francis Ford Coppola stava girando film di serie B a basso budget alla factory di Roger Corman come Terrore alla 13a ora. E poi si limitò a fare opere d’arte, tra cui Il Padrino: Parte II e Il Padrino: Parte III. E molto altro per una delle filmografie più importanti della storia del cinema.

Eppure ci sono anche standard dormienti come One from the Heart, The Outsiders e l’innegabilmente adorabile ma divisivo Dracula di Bram Stoker. Così come c’è questo piccolo film chiamato Apocalypse Now. Un altro capolavoro meno conosciuto di Coppola è Un’altra giovinezza. Bellissimo.

Guarda Terrore alla 13a ora

Andrei Tarkovsky

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In 100 migliori film di tutti i tempi di Sight & Sound, Andrei Tarkovsky si è classificato con tre dei suoi film: Andrei Rublev, The Mirror e Stalker. Tarkovsky è uno dei principali registi cinematografici della Russia e nonostante il fatto che la sua filmografia sia un po’ più breve di molti altri in questa lista, ciò che ha realizzato in quei pochi film è sufficiente per consacrarlo come uno dei migliori registi di tutti i tempi.

Solaris, Nostalgia e anche Sacrificio sono altrettanto eccellenti. I filmmaker più geniali non si limitano ad approvare i “regolamenti” del mezzo cinematografico, ma spingono, tirano, allungano e infrangono quelle regole. Guardare un film di Tarkovsky è come vedere le leggi della fisica cambiare proprio davanti ai tuoi occhi.

Francois Truffaut

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È stato uno dei registi più influenti del cinema francese. Oltre all’attività di regista, ha affiancato quella di critico cinematografico, nella redazione del Cahier du Cinema.

Il lavoro di Francois Truffaut nel cinema copre trent’anni, dagli anni ’50 agli anni ’80, e si iscrive anche a quello di vari altri amici-registi del cinema francese come Jean-Luc Godard, Claude Chabrol, Éric Rohmer, Jacques Rivette.

Questa squadra di giovani, sotto la guida del critico André Bazin, ha sviluppato uno dei movimenti cinematografici più cruciali della storia del cinema, La Nouvelle Vague, la nuova ondata francese che ha sviluppato nuove onde in vari altri parti del mondo.

Tra queste nazioni ci sono anche gli Stati Uniti d’America e anche il movimento della Nuova Hollywood. Scorsese, Coppola, De Palma e altri registi americani che sarebbero finiti per diventare famosissimi iniziano i loro primi passi spinti dalla Nouvelle Vague francese, un cinema conosciuto in tutto il mondo. Il primo film di lungometraggio di Truffaut fu I 400 colpi. Ebbe un grande successo al Festival di Cannes nel 1959.

Stanley Kubrick

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Stanley Kubrick è nato a New York, Manhattan, il 26 luglio 1928, da Jacob Leonard Kubrick, un medico americano nato in una famiglia ebrea di origine austriaca, polacca e rumena, nonché da Sadie Gertrude Perveler, una casalinga americana, ugualmente di discendenza ebraica. Da bambino si appassiona all’antica Grecia e anche alle fiabe nordiche, agli scacchi e alle canzoni jazz. Temporaneamente si guadagnava da vivere con le partite di scacchi e suonava anche la batteria.

Nel 1945, i genitori regalano a Stanley una macchina fotografica e il giovane inizia a fare foto di un edicolante rattristato dall’informazione della morte del presidente Roosevelt, offrendo a Look la pubblicazione. Negli stessi anni segue gli studi di ricerca creativa sulla fotografia (che avranno un impatto negativo sulle sue performance scolastiche) e inizia ad essere entusiasta della poesia e anche della filosofia, che lo porteranno a studiare l’ideologia di Nietzsche.

Nel 1949 dirige il cortometraggio Day of the Fight, un docudramma autoprodotto sul pugile Walter Cartier realizzato con soli 3.900 dollari da amici e familiari, e che rivende alla RKO per 4.000 dollari. Il seguente docudramma, realizzato per RKO $ 1.500, è Flying Padre, su un sacerdote del New Mexico che viaggia attraverso la vasta area della sua chiesa utilizzando un piccolo aereo da viaggio.

Guarda Paura e desiderio

Martin Scorsese

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Martin Scorsese è nato il 17 novembre 1942 nella zona di Flushing del distretto del Queens a New York City. La sua famiglia si trasferì a Little Italy a Manhattan prima dell’inizio della scuola. Sia la madre che il padre di Scorsese, Charles Scorsese e Catherine Scorsese, lavoravano nel Garment District di New York. Entrambi erano di origine italiana.

Da adolescente nel Bronx, Scorsese affittava regolarmente pellicole di Pressburger e Powell come The Tales of Hoffmann (1951) da un negozio che aveva una replica della bobina. Era tra i soli 2 individui che lo affittarono ininterrottamente; l’altro era il futuro regista cinematografico George A. Romero.

Franco Piavoli

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Franco Piavoli nasce a Pozzolengo nel bresciano nel 1933. Frequenta il liceo e nel 1956 si laurea in giurisprudenza a Pavia. Completa la sua formazione dedicandosi allo studio dell’orticoltura oltre che all’ecologia. Appassionato di pittura e fotografia, diventa amico del giovane fotografo locale Ugo Mulas.

Divenne anche avvocato, poi insegnante di diritto ed economia aziendale nelle scuole secondarie. Segue con tenacia le sue passioni, realizzando un cinema indipendente poetico di rara bellezza: una vita e anche una poetica maturate a stretto contatto con il territorio di origine, la bella frazione di Brescia, l’anfiteatro delle colline moreniche, una costante risorsa di idee.

Brian De Palma

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I film di Brian De Palma sono sono controversi, non solo nell’argomento, ma anche nello stile. In altre parole, è difficile accettare passivamente un film di Brian De Palma. È un lavoro interessante che esplora spesso la parte tabù e oscura dell’esperienza umana, in alcuni casi.

Il suo impatto hitchcockiano è evidente in Sisters, Dressed to Kill e Body Double, ma la filmografia di De Palma è molto più sfumata di così. Vari altri momenti salienti includono The Untouchables, Blow Out, e uno dei più efficaci adattamenti di Stephen King, Carrie. Brian De Palma ha innovato il linguaggio cinematografico con sequenza dove l’organizzazione del tempo e dello spazio è stupefacente. Forse il film più straordinario della sua filmografia è quello che ha spianato la sua carriera: Il fantasma del Paradiso.

Joel e Ethan Coen

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Joel ed Ethan Coen fanno un film diverso ogni volta che escono e tuttavia c’è sicuramente un coerenza di stile nel loro lavoro. Saltando tra la violenza divertente e anche fisica senza battere ciglio, i fratelli Coen hanno accumulato una filmografia sbalorditiva.

Hanno fatto la loro carriera grazie a film oscuri come Barton Fink, Burn After Reading e A Serious Man. Non capiremo mai esattamente come un film come No Country for Old Men possa nascere dalle stesse identiche menti che hanno evocato Raising Arizona.

David Lynch

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Se hai letto la sua pubblicazione sulla meditazione trascendentale, sai che David Lynch ha la tendenza a “catturare” le sue idee da qualche parte nelle profondità del suo subconscio. Guardando i suoi film, finisce per essere subito chiaro che questo è completamente esatto.

Quello che Lynch ci mostra sono sogni, inspiegabili e oscuri. Eraserhead è una sfida, Blue Velvet è un mal di testa suburbano, così come Lost Highway è un enigma doppelgänger per porre fine a tutti i film di questo genere. La terza stagione di Twin Peaks sono quasi 18 ore di televisione eccitante e audace. Il suo coronamento molto probabilmente finirà per essere Mulholland Dr., considerato come uno dei più grandi capolavori di tutti i tempi. E puoi dimenticare lo straordinario The Elephant Man? Una filmografia incredibile, piena di pietre miliari del cinema.

Darren Aronofsky

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Darren Aronofsky nasce a New York in una famiglia ebraica. Nei suoi studi formativi, Aronofsky è sempre stato creativo e interessato all’arte: ama i film classici e ha praticato da giovane l’arte dei graffiti. Dopo la scuola superiore, frequenta l’Università di Harvard per studiare antropologia e cinema.

Il suo primo film era un lavoro straordinario in bianco e nero chiamato Pigreco. Requiem for a Dream, uno dei film sulla droga più crudi ed emotivamente logoranti che tu abbia mai visto.

I migliori film di Aronofsky sono ancorati a antieroi testardi e strazianti, spinti all’autodistruzione dal loro fascino. Un altro punto notevole da considerare sulla sua filmografia è la sua capacità di oscillare tra lo-fi 16mm (Black Swan, The Wrestler) e lo splendido e anche lussureggiante (The Fountain, Noah).

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