Film indipendenti e cult

Yasujirō Ozu: la geniale semplicità del grande cinema

La vita di Yasujirō Ozu

Ozu è nato nel quartiere Fukagawa di Tokyo, secondo figlio di 5 fratelli e sorelle. Evitava regolarmente le lezioni a scuola per vedere film come Quo Vadis o Gli ultimi giorni di Pompei. Nel 1917 vide il film Civilization e decise di voler diventare un regista. All’età di 17 anni fu sbattuto fuori dalla stanza del dormitorio dopo essere stato accusato di aver scritto una lettera d’amore a un ragazzo di una classe inferiore. 

Ozu fu assunto dalla Shochiku Film Company, come assistente nel dipartimento di cinematografia, il 1 agosto 1923, contro i desideri di suo padre. La sua casa fu distrutta dal terremoto del 1923, tuttavia nessun membro della sua famiglia fu ferito. Il 12 dicembre 1924, Ozu iniziò un anno di servizio militare. Completò il servizio militare il 30 novembre 1925, partendo come caporale. Nel 1927 fu coinvolto in una rissa in cui prese a pugni un altro membro dello staff al bar dello studio. Fu chiamato sul posto di lavoro del regista dello studio e Ozu ne approfittò per fornire una sceneggiatura cinematografica che aveva scritto. Nel settembre 1927, fu promosso regista e diresse il suo primo film, Sword of Penitence, che è andato perduto. Il 25 settembre è stato chiamato in servizio militare fino a novembre, e il film dovette essere completato da un altro regista.

Il film Body Beautiful, lanciato il 1 dicembre 1928, è stato il primo film di Ozu a utilizzare una posizione bassa della cinepresa, che sarebbe diventata il suo segno distintivo. Il suo film Young Miss, con un cast stellare, è stata la prima volta che ha utilizzato lo pseudonimo James Maki, ed è stato anche il suo primo film ad apparire nella pubblicazione cinematografica “Best Ten” di Kinema Jumpo in terza posizione. Nel 1932, il suo I Was Born, But …, un divertente film sulla giovinezza, è stato ritenuto dai critici cinematografici come il primo lavoro degno di vera di critica sociale nel cinema giapponese, donando una grande fama ad Ozu. 

Nel 1935 Ozu realizzò un breve documentario con musica intitolato Kagami Jishi, in cui Kikugoro VI eseguiva una danza Kabuki dallo stesso nome del titolo. Come il resto del mercato cinematografico giapponese, Ozu ha tardato a passare alla produzione di film sonori: il suo primissimo film con una colonna sonora è stato The Only Son nel 1936, 5 anni dopo il primissimo film sonoro giapponese, Il film di Heinosuke Gosho La mia e la moglie del vicino.

Ozu in tempo di guerra

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Il 9 settembre 1937, in un momento in cui Shochiku non raccoglieva successo al botteghino con i film di Ozu, indipendentemente dall’apprezzamento che riceveva dalla critica, il trentaquattrenne Ozu fu arruolato nell’esercito imperiale giapponese. Ha investito 2 anni in Cina nella seconda guerra sino-giapponese. Nel 1939, Ozu fu inviato ad Hankou, dove combatté nella battaglia di Nanchang e nella battaglia del fiume Xiushui.

Nel 1939, ha composto la prima bozza della sceneggiatura per Il sapore del tè verde, ma l’ha accantonata a causa di modifiche su cui insisteva fermamente la censura militare. Il primo film che Ozu realizzò al suo ritorno fu Brothers and Sisters of the Toda Family, il suo primo vero successo, nel 1941.

Nel 1943, Ozu fu nuovamente arruolato nell’esercito per fare un film di propaganda in Birmania. Durante la sua permanenza a Singapore, avendo poca sintonia con quel tipo di lavoro, ha perso tempo un anno intero leggendo, giocando a tennis e guardando film americani forniti dell’esercito. Alla fine della seconda guerra mondiale, nell’agosto del 1945, Ozu danneggiò la sceneggiatura e tutte le riprese del film.

Ozu ha avuto una carriera lunga trentacinque anni, dal 1927 alla sua morte nel 1963, e raramente ha fatto un brutti film. E’ stato sempre conosciuto in Giappone, ma ha avuto un seguito globale dopo la sua scomparsa grazie a fan e critici come Paul Schrader e David Bordwell. Oggi, i suoi film sono spesso estremamente importanti nei sondaggi della critica di tutto il mondo, con Tokyo Story in particolare chiamato in genere tra i migliori film mai realizzati nella storia del cinema.

Ozu ha realizzato, come molti altri autori puri, lo stesso identico film più e più volte: drammi pacifici e minimizzati che in genere sembravano variazioni sullo stesso stile, utilizzando il suo caratteristico sguardo austero e distaccato. I suoi fan potrebbero forse essere d’accordo con la valutazione, ma indicherebbero allo stesso modo l’illimitata sottigliezza e l’umanità nel lavoro di Ozu che rende i suoi film commoventi e piacevoli.

Yasujirô Ozu non ha mai evitato di raccontare lo stesso identico tipo di storia due volte, specialmente quando quella storia includeva l’amarezza del passaggio da una generazione all’altra. Le sottili variazioni da film a film assumono toni nuovi mentre lo spettatore si addentra nella filmografia di Ozu.

Ecco 5 dei film da vedere assolutamente, importanti punti di ingresso nell’immaginario del regista.

Sono nato ma… (1932)

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I primi film di Ozu, per lo più commedie, sono andati persi a causa delle devastazioni della guerra. Student Romance: Days Of Youth del 1929 è il primo a sopravvivere, mentre alcuni realizzati fino a tardi devono ancora essere trovati. Uno dei suoi ultimi film muti, è interpretato da Hideo Sugawara e Tomio Aoki (l’ultimo dei quali aveva recitato nel cortometraggio di Ozu A Straightforward Boy qualche anno prima nei panni di Ryoichi e Keiji Yoshi, la cui famiglia si è trasferita nei sobborghi di Tokyo per il nuovo lavoro del padre salariato (Tatsuo Saitō). Il regista ha vagamente rifatto il film alla fine della sua carriera con il titolo Good Morning, ma c’è una purezza vincente nella versione originale che ha un tono comico sciolto ed episodico per gran parte del suo tempo di esecuzione, quasi come una serie di cortometraggi Our Gang messi insieme (sebbene l’inquadratura di Ozu sia controllata e rigorosa come non lo sarebbe mai stata), e con Aoki e Sugawara che fanno da protagonisti autentici e assolutamente affascinanti.

C’era un padre (1942)

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Il vedovo Shuhei Horikawa, un istruttore, ha difficoltà a crescere suo figlio, Ryohei, in particolare dopo aver interrotto il suo compito: uno dei suoi allievi muore in un incidente durante un viaggio di classe e Shuhei viene incolpato. Ozu osserva abilmente il tempo per rivelare il grande Ryohei, anch’egli un istruttore, trasferitosi lontano da Tokyo e ancora desideroso di vedere suo padre. In sfumature agghiaccianti come il silenzioso dolore di Shuhei, la sua rigida deferenza verso l’autorità, la sua felice anticipazione del servizio militare di Ryohei, Ozu espone una società che si dirige ciecamente verso il vuoto e rovina il suo futuro in nome del passato. C’era un padre è tra i 2 film realizzati da Yasujirô Ozu durante gli sforzi del Giappone nella seconda guerra mondiale e, in quanto tale, è un film che è stato influenzato dal maggiore controllo del governo federale giapponese su tutti gli elementi del mercato cinematografico nazionale. Sotto la sorveglianza dei poteri di giudizio, i film sono stati motivati a promuovere una sorta di messaggio propagandistico per compiacere l’autorità, quella del padre che comprende meglio e insegna come si dovrebbe svolgere il proprio lavoro al massimo, con un discorso sulla ricerca della responsabilità.

Tarda primavera (1948)

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Questi due film sono ancora in qualche modo trascurati, piuttosto ingiustamente. In particolare, ma è forse comprensibile visto che sono stati rapidamente seguiti da Tarda primavera, il film che ha segnato l’ultimo atto della carriera del regista e che è annoverato quasi indiscutibilmente tra i suoi capolavori più belli (il più recente sondaggio Sight & Sound lo definì il quindicesimo film più grande mai realizzato). Potrebbe, dalla sola premessa, sembrare una commedia di buone maniere, e forse un film che Ozu potrebbe aver realizzato all’inizio della sua carriera. Il film ha visto Ozu abbracciare il genere shomin-geki (una parola inventata per descrivere questa sorta di dramma del realismo sociale sulle vite della gente comune) in modo più completo e poi non lo ha mai lasciato andare: dà il tono a tutti i film successivi.

Il tempo del raccolto del grano (1951)

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Noriko Mamiya (Setsuko Hara) vive con sua madre e suo padre, fratello, cognata e nipoti problematici nella casa di Tokyo della sua famiglia. Sebbene inizialmente indifferente all’idea, Noriko si scopre rapidamente a considerare un fidanzamento organizzato, una proposta a cui la sua famiglia la spinge a pensare. Un ritratto commovente e intimo di una famiglia intergenerazionale nel Giappone del dopoguerra, Il tempo del raccolto del grano è un altro eccellente film del maestro Yasujiro Ozu. Malinconico racconto sull’inevitabilità della modifica nella propria vita, il racconto si tinge di una piacevole spensieratezza. La straordinaria capacità del regista di utilizzare sensazioni universali rende il film un classico immortale che può essere apprezzato da tutti.

Il sapore del riso al tè verde (1952)

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Il sapore è quello dell’ochazuke, il tè verde adagiato sul riso: è un gusto intramontabile per gli sposi nel dramma di Yasujiro Ozu. Questo è il gusto del rapporto coniugale stesso, un gusto di superba umiltà e semplicità. La risolutezza dei protagonisti non può essere compresa senza guardare l’enigmatica scena finale, in cui la giovane coppia, avendo evidentemente scoperto l’amore, appare però legata ancora ai conflitti. Taeko (Michiyo Kogure) è una donna di mezza età, delusa dal suo noioso marito, Mokichi. Non hanno figli e ora Taeko ha una stretta relazione con sua nipote, Setsuko. Suggerisce persino a Setsuko falsi problemi di salute in modo che, con il pretesto di andare a trovarla, possano tutti passare un fine settimana tra donne senza la presenza dei mariti. Come sempre in Ozu, c’è la stilizzazione dell’inquadratura cinematografica, come se gli attori si mettessero in posa per una foto. Un film sublime e penetrante su una relazione coniugale che si distrugge silenziosamente. Inganni e trucchi mettono a dura prova la relazione tra una coppia di mezza età senza figli in una città di provincia mentre avviene un cambio generazionale totale. Complessità della vita famigliare raccontata con un umorismo ironico e tenero e da un’espansività resiliente che sposta l’azione dalla casa alle arene di baseball, ai saloni di pachinko e ai negozi di ramen della Tokyo del dopoguerra.

Viaggio a Tokyo (1953)

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È per molti versi il punto di ingresso perfetto per conoscere Ozu, per capire cosa c’è di così speciale nel suo lavoro, soprattutto nel quasi intoccabile terzo atto della sua carriera. I temi sono gli stessi dei primi film della trilogia (e in gran parte del lavoro di Ozu); la vecchiaia, la responsabilità dei figli nei confronti dei genitori, il divario che può esistere tra le generazioni, la perdita che deriva dal cambiamento. Viaggio a Tokyo vede Ozu allo stesso tempo arrabbiato e tranquillo – l’egoismo di Yamamura e Sugimura genera una furia nello spettatore che è rara per il regista. Yasujiro Ozu ha realizzato uno dei più grandi film di tutti i tempi, senza nostalgia e sentimenti artificiosi, un film che può aiutarci a fare piccole azioni contro i nostri difetti. Un film che parla delle nostre famiglie, della nostra natura, dei nostri difetti e della nostra goffa ricerca di amore e significato. Non è che le nostre vite ci rendano troppo impegnati per le nostre famiglie. È che le abbiamo organizzate per salvaguardarci dal dover affrontare enormi preoccupazioni di amore, morte e lavoro.

Guarda il film


Inizio di primavera (1956)

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Non è spesso classificato in alto tra i film di Ozu, il film è meno coinvolto nelle dinamiche familiari degli anziani e più sull’infedeltà in un matrimonio tra due giovani. Abbandonando i suoi soliti temi della differenza tra generazioni e della politica familiare per volere del suo studio, che sentiva che erano passati di moda e voleva che scegliesse attori più giovani, Ozu racconta comunque una storia atipica nella sua carriera con il suo solito stile sobrio e delicato, saltando quelle che i registi minori considererebbero scene chiave e lasciando che il pubblico riempia gli spazi vuoti (o continui a indovinare se si sono verificati o meno). Come spesso si percepiscono i suoi film, sia tradizionali che in anticipo sui tempi, è uno dei migliori film mai realizzati sul tema dell’infedeltà e del matrimonio.

Storia di erbe fluttuanti (1959)

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L’originale, un film muto del 1934, era stato uno dei film di maggior successo di Ozu, e il regista aveva parlato spesso di un remake. Alla fine ebbe la possibilità di girarlo quando gli rimase una piccola finestra temporale tra i suoi film per lo studio Shochiku per farne uno con una società concorrente, Daiei, che utilizzò una storia preesistente per risparmiare tempo. Probabilmente più intrigante della maggior parte dei lavori successivi di Ozu (grazie all’utilizzo di una trama di 25 anni prima), tuttavia sembra piuttosto diverso dall’originale, nonostante a volte condivida le composizioni figurative: è un film realizzato da un uomo che si avvicina ai suoi sessant’anni piuttosto che uno appena trentenne, uno che conosce il minimo assoluto di cui ha bisogno per raccontare la storia, e per farlo sfrutta ogni sillaba e ogni fotogramma. È un film che sostiene bene l’idea che ogni grande regista dovrebbe rivisitare uno dei suoi capolavori anni dopo.

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