Il cinema giapponese è tra le industrie culturali più importanti del mondo; è il quarto più grande mercato per numero di film prodotti. Viaggio a Tokyo (1953) si è classificato al terzo posto nei film più importanti di tutti i tempi. Il più grande studio cinematografico giapponese si chiama Toho. L’annuale Japan Academy Film Prize ospitato dalla Nippon Academy è considerato l’equivalente giapponese degli Academy Awards.
Storia dei film giapponesi
La storia dei film giapponesi inizia con il cinetoscopio, commercializzato da Thomas Edison negli Stati Uniti nel 1894. Esso fu portato per la prima volta in Giappone nel novembre 1896. I cameraman di Lumière furono i primissimi a girare film in Giappone. Il primissimo film giapponese fu girato alla fine del 1897 a Tokyo. Nel 1898 alcuni cortometraggi sui fantasmi furono realizzati. Tsunekichi Shibata ha realizzato una serie di film con 2 famose star che interpretavano una scena di una popolare commedia kabuki.
Alla nascita delle sale cinematografiche in Giappone, ci furono i Benshi, scrittori che si sedevano accanto allo schermo e raccontavano con le parole le immagini mute in movimento. I Benshi potevano essere accompagnati dalla musica come i film muti nei cinema occidentali. Nel 1908, Shōzō Makino, il regista pioniere del cinema giapponese, iniziò la sua importante professione con Honnōji gassen, prodotto per Yokota Shōkai.
Onoe diventò la prima star del cinema giapponese, apparendo in oltre 1.000 film, principalmente cortometraggi, tra il 1909 e il 1926. Il primo studio di produzione cinematografica giapponese fu creato nel 1909 dall’azienda Yoshizawa Shōten a Tokyo. Molti dei primi critici cinematografici avevano giudizi negativi sul lavoro di studi come Nikkatsu e Tenkatsu giudicando i loro film troppo teatrali, per non utilizzare quelli che si pensava fossero metodi più cinematografici per raccontare le storie, affidandosi piuttosto al benshi.
Film giapponesi anni ‘20
I film giapponesi hanno avuto successo in Giappone a metà degli anni ’20 più dei film stranieri, in parte sostenuti dal fascino delle star del cinema. Registi come Daisuke Itō e Masahiro Makino hanno realizzato film di samurai come A Diary of Chuji’s Travels e Roningai che includevano antieroi provocatori in scene di battaglia veloci che erano sia successi industriali che seriamente noti. Alcune star, come Tsumasaburo Bando, Kanjūrō Arashi, Chiezō Kataoka, Takako Irie e Utaemon Ichikawa, sono state scritturate dalla Makino Film Productions e hanno formato una propria produzione indipendente in cui registi come Hiroshi Inagaki, Mansaku Itami e Sadao Yamanaka hanno sviluppato le loro abilità.
Con l’aumento dei movimenti politici di sinistra e dei sindacati alla fine degli anni ’20, sono nati i cosiddetti film di sinistra. In contrasto con i prodotti commerciali. La Marxist Proletarian Film League of Japan (Prokino) ha realizzato opere in dimensioni più piccole (come 9,5 mm e 16 mm), con intenti più estremi. I film di propaganda di sinistra subirono una seria censura verso gli anni ’30, e i membri di Prokino furono incarcerati e il movimento fu schiacciato.
Una variazione successiva di La figlia del capitano è stata tra i primissimi film sonori. Ha utilizzato il Mina Talkie System. Il mercato cinematografico giapponese si divise in 2 gruppi; uno ha mantenuto il Mina Talkie System, mentre l’altro ha utilizzato l’Eastphone Talkie System utilizzato per realizzare i film di Tojo Masaki. Il terremoto del 1923, la battaglia di Tokyo durante la seconda guerra mondiale e i naturali risultati del tempo e dell’umidità del Giappone su film di nitrati instabili e combustibili hanno effettivamente portato a una terribile mancanza di film duraturi di questo periodo.
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Film giapponesi anni ‘30
A differenza dell’Occidente, i film muti venivano ancora prodotti in Giappone fino agli anni ’30; ancora nel 1938, un terzo dei film giapponesi era muto. An Inn in Tokyo di Yasujirō Ozu (1935), precursore del neorealismo, era un film muto, ed è stato uno dei primissimi film giapponesi ad uscire nelle sale negli Stati Uniti; Le sorelle del Gion di Kenji Mizoguchi (Gion no shimai, 1936); Elegia di Osaka (1936); e La storia degli ultimi crisantemi (1939); e Umanità e palloncini di carta di Sadao Yamanaka (1937).
La critica cinematografica ha condiviso questo vigore, con molte riviste cinematografiche come Kinema Junpo e giornali che pubblicarono conversazioni approfondite. Una critica impressionista colta perseguita da critici come Tadashi Iijima, Fuyuhiko Kitagawa e Matsuo Kishi era dominante, tuttavia osteggiata da critici di sinistra come Akira Iwasaki e Genjū Sasa che cercavano una revisione ideologica dei film.
Gli anni ’30 hanno visto una maggiore partecipazione del governo federale al cinema che ha preso una maggiore autorità sul mercato cinematografico, nel 1939. Il governo ha motivato alcuni tipi di cinema, producendo film di propaganda e promuovendo documentari, film culturali, realizzati da registi come Fumio Kamei. Teorici del cinema come Taihei Imamura e Heiichi Sugiyama promossero il documentario e il dramma realista, mentre registi come Hiroshi Shimizu e Tomotaka Tasaka producevano film di finzione.
Film giapponesi anni ‘40
A partire dalla seconda guerra mondiale e dalla crisi economia, la disoccupazione ha finito per essere prevalente in Giappone e il mercato del cinema ha sofferto. Durante tutto questo periodo, quando il Giappone stava ampliando il suo impero, il governo federale giapponese ha visto il cinema come uno strumento di propaganda per rivelare lo splendore e l’invincibilità dell’Impero del Giappone. Pertanto, molti film di questo periodo ritraggono stili militaristici e patriottici.
Nel 1942 il film di Kajiro Yamamoto La guerra in mare dalle Hawaii alla Malesia rappresentò l’attacco a Pearl Harbor; il film ha utilizzato risultati unici diretti da Eiji Tsuburaya, consistenti in un design in miniatura della stessa Pearl Harbor. Akira Kurosawa ha realizzato il suo primo film d’azione con Sugata Sanshiro nel 1943.
Il primo film lanciato dopo la guerra fu Soyokaze, del 1945, di Yasushi Sasaki. Nella lista delle restrizioni alla produzione promossa nel 1945 da David Conde del CIE, nazionalismo, massacro, patriottismo e suicidio, film violenti e spietati, e così via, finirono per essere prodotti proibiti, rendendo sostanzialmente difficile la produzione di drammi storici. Di conseguenza, le star che hanno effettivamente utilizzato il dramma storico si sono spostate nel dramma moderno: “Bannai Tarao” di Chiezō Kataoka (1946), “Torn Drum di Tsumasaburō Bandō (1949), “The Child Holding Hands di Hiroshi Inagaki e “King) di Daisuke Itō.
La durata dopo l’occupazione americana ha causato un aumento della varietà nella circolazione cinematografica grazie all’aumento della produzione e dell’appeal degli studi cinematografici di Toho, Daiei, Shochiku, Nikkatsu e Toei. In questo periodo nascono i 4 artisti eccellenti del cinema giapponese: Masaki Kobayashi, Akira Kurosawa, Kenji Mizoguchi e Yasujirō Ozu. Le primissime collaborazioni tra Akira Kurosawa e la star Toshiro Mifune furono Drunken Angel nel 1948 e Stray Dog nel 1949. Yasujirō Ozu diresse il film di successo Late Spring nel 1949.
Film giapponesi anni ‘50
Gli anni ’50 iniziano con il film cult Rashomon (1950) di Akira Kurosawa, Leone d’Oro alla Mostra del Cinema di Venezia nel 1951 e Oscar per il miglior film straniero nel 1952, e segnano l’ ingresso del cinema giapponese sulla scena mondiale. Compare anche la famosa star Toshiro Mifune. Nel 1953 Entotsu no mieru basho di Heinosuke Gosho andò in concorso al 3° Festival Internazionale del Cinema di Berlino.
Gli anni ’50 sono comunemente pensati come l’età dell’oro del cinema giapponese. 3 film giapponesi di questi anni (Rashomon, Seven Samurai e Tokyo Story) sono apparsi nei primi 10 sondaggi di critici e registi di Sight & Sound per i migliori film di sempre nel 2002. Sono apparsi anche nei sondaggi del 2012, con Viaggio a Tokyo (1953) che supera Citizen Kane in cima alla classifica.
Iniziarono poi ad essere prodotti film di guerra. “Listen to the Voices of the Sea” di Hideo Sekigawa (1950), “Himeyuri no Tô – Tower of the Lilies” di Tadashi Imai (1953), “Twenty-Four Eyes” di Keisuke Kinoshita ( 1954 ),” “The Burmese Harp” di Kon Ichikawa (1956), e altri lavori destinati alla terribile esperienza della guerra, uno dopo l’altro, finirono per avere un grande impatto sociale. Altri film nostalgici come Battleship Yamato ( 1953) e Eagle of the Pacific (1953) furono prodotti in serie allo stesso modo.
Rentaro Mikuni, una star del cinema giapponese è apparso in oltre 150 film, dal momento che è stato lanciato sul grande schermo nel 1951, e ha vinto 3 premi Oscar come miglior attore e più di 7 candidature. Il primo film giapponese a colori è stato Carmen Comes Home diretto da Keisuke Kinoshita e lanciato nel 1951. La porta dell’inferno (Gate of Hell), un film di culto del 1953 di Teinosuke Kinugasa, è stato il primissimo film che ha utilizzato la pellicola Eastmancolor.
Nel 1953, durante il dopoguerra, quando il dolore della guerra era ancora forte, Kaneto Shindō realizza un film di culto del cinema giapponese, ricco di atmosfere cupe e realistiche. Si tratta di I bambini di Hiroshima. Takako Ishikawa è un insegnante al largo della costa di Hiroshima e non è tornato nella sua città colpita dalla bomba atomica da 4 anni. Il suo viaggio a Hiroshima diventa un viaggio nella sua patria distrutta, alla ricerca di vecchi amici sopravvissuti.
Teinosuke Kinugasa ha realizzato anni prima capolavori di avanguardia del cinema muto giapponese come Una pagina di follia. Gate of Hell è stato il primo film a colori e il primo film giapponese ad essere distribuito al di fuori del Giappone, ottenendo un Academy Award nel 1954 per i migliori costumi di Sanzo Wada e un Honorary Award per il miglior film in lingua straniera. E ha vinto anche la Palma d’Oro al Festival di Cannes, il primo film Giapponese a vincere il premio.
Nel 1954, un altro film di Kurosawa, Ikiru, era in concorso al 4° Festival Internazionale del Cinema di Berlino. Il protagonista, Watanabe (Takashi Shimura), lavora come contabile in un ufficio di Tokyo. Scopre di avere un cancro allo stomaco che ha metastatizzato al fegato. Dopo la diagnosi, Watanabe decide di abbandonare la sua vita di mediocre contentezza e concentrarsi sul vivere i suoi ultimi giorni con dignità e significato.
Nel 1955, Hiroshi Inagaki ha vinto un Academy Award per il miglior film in lingua straniera per la parte I della sua trilogia di Samurai e nel 1958 ha vinto il Leone d’oro al Festival di Venezia per Rickshaw Man. Kon Ichikawa ha diretto 2 drammi contro la guerra: The Burmese Harp (1956), che è stato scelto per il miglior film in lingua straniera agli Academy Awards, e Fires On The Plain (1959), insieme a Enjo (1958).
Mizoguchi vinse l’Orso d’argento alla Mostra del Cinema di Venezia per I racconti della luna pallida di agosto. I film di Mizoguchi trattano principalmente dei disastri causati alle donne dalla società giapponese. I racconti della luna pallida d’agosto racconta la storia di un samurai che lascia la sua famiglia per cercare la ricchezza e viene sedotto da una donna di un’antica famiglia nobiliare, trascura sua moglie e cade preda dell’avidità e del potere. Il titolo originale Ugetsu è una parola giapponese che significa “illusione” o “immagine ingannevole”
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Godzilla
Modificato per la sua uscita occidentale, Godzilla ha finito per essere un’icona mondiale del Giappone e ha generato un intero sottogenere di film kaiju, nonché il più longevo franchise cinematografico della storia. Godzilla è un mostro giapponese, noto per il suo potere distruttivo. Il nome di Godzilla deriva dalle parole giapponesi “gojira” che si traduce in “balena” e “gorilla”. Godzilla è un mostro gigante apparso per la prima volta nel film del 1954 che emette potenti emissioni radioattive e ha la capacità di emettere respiro atomico dalla sua bocca. Il primo film di Godzilla è stato creato come tattica intimidatoria per le persone che vivono vicino al sito di test nucleari comunisti francesi nell’Oceano Pacifico. Questo mostro gigante è diventato popolare tra il pubblico giapponese ed è stato presto presentato in 28 film giapponesi prodotti tra il 1954 e il 1975.
Film giapponesi anni ‘60
Toshiro Mifune è stato al centro di molti dei film di Kurosawa. Il numero di film prodotti raggiunsero un picco negli anni ’60. Yasujirō Ozu ha realizzato il suo ultimo film, An Autumn Afternoon, nel 1962. Mikio Naruse ha diretto Quando una donna sale le scale nel 1960; il suo ultimo film è stato Nubi sparse del 1967.
Kon Ichikawa ha raccontato lo spartiacque delle Olimpiadi del 1964 nel suo documentario di tre ore Tokyo Olympiad (1965). Il regista Seijun Suzuki è stato licenziato dalla casa di produzione Nikkatsu per “fare film che non hanno alcun senso e non fanno soldi” dopo il suo film surrealista sulla malavita yakuza Branded to Kill (1967).
Gli anni ’60 furono gli anni di punta del movimento della New Wave giapponese , che iniziò negli anni ’50 e continuò fino ai primi anni ’70. Cruel Story of Youth, Night and Fog in Japan e Death By Hanging di Oshima, insieme a Onibaba di Kaneto Shindo, Kanojo to kare di Hani e The Insect Woman di Imamura, sono finiti per essere alcuni degli esempi più noti del cinema della New Wave giapponese.
Il documentario ha svolto una funzione essenziale nella New Wave, poiché registi come Hani, Kazuo Kuroki, Toshio Matsumoto e Hiroshi Teshigahara sono passati dal documentario alla finzione, mentre anche registi come Oshima e Imamura hanno realizzato documentari.
Teshigahara ha vinto con il film Woman in the Dunes (1964) il Premio Speciale della Giuria al Festival di Cannes ed è stato scelto per l’Oscar come miglior regista e miglior film straniero. Anche Masaki Kobayashi con Kwaidan (1965) fu selezionato per il premio speciale della giuria al Festival di Cannes.
Film giapponesi anni ‘70
L’industria cinematografica ha girato film in molti modi, come i film a budget più ampio della Kadokawa Pictures, o costituiti da materiale e linguaggio violenti o esplicitamente sessuali che non potevano essere programmati in tv. Il risultato è stato che il mercato del cinema rosa è finito per essere il trampolino di lancio per numerosi giovani registi indipendenti.
Toshiya Fujita ha realizzato il film di vendetta Lady Snowblood nel 1973. In quello stesso anno, Yoshishige Yoshida ha fatto il film Colpo di Stato, una ritratto di Kita Ikki, il leader del colpo di stato giapponese del 1936. Il film ha avuto un ottimo riscontro di critica in Giappone.
Kinji Fukasaku ha terminato l’impressionante serie sulla yakuza Battles Without Honor e Humanity film. Yoji Yamada ha presentato la serie commerciale Tora-San, dirigendo anche altri film, tra cui il popolare The Yellow Handkerchief, che ha vinto il primissimo Japan Academy Prize per il miglior film nel 1978.
Film giapponesi anni ‘80
L’industria cinematografica giapponese ha avuto successo negli anni ’80. Il decennio ha visto molti film d’azione ad alto budget che sono diventati popolari tra il pubblico di tutto il mondo. Diversi registi giapponesi sono diventati famosi per il loro lavoro. Uno di questi era Kinji Fukasaku, direttore di Battle Royale e Battle Royale II: Requiem, due film in stile manga esilaranti e assolutamente coinvolgenti sulla battaglia per la sopravvivenza. Un altro è stato Nagisa Oshima, che ha diretto Merry Christmas Mr. Lawrence e Nel regno dei sensi. Oshima era noto per aver usato i suoi film per criticare la società, la politica e la cultura. Trascorse sei anni come assistente alla regia presso gli studi Shochiku, lavorando con registi tra cui Yasujiro Ozu e Mikio Naruse.
Film giapponesi anni ‘90
I film giapponesi degli anni ’90 hanno introdotto nuovi concetti nel mondo come anime e manga. L’anime è diventato popolare in Occidente e ha un fascino per un’ampia fascia demografica. I film giapponesi degli anni ’90 hanno visto un aumento della spesa pubblica e settori emergenti come i giochi per computer e l’animazione. Questi due movimenti hanno portato a film incentrati più sul genere fantascientifico e fantasy di prima.
Nello stesso periodo, il cinema giapponese ha sperimentato anche una rinascita di nuovi generi e stili. Il pubblico ha avuto una boccata d’aria fresca quando sono stati rilasciati nuovi film che non erano solo una rivisitazione dei film di Hollywood. Il pubblico ora doveva essere pronto a vedere film che combinassero l’horror con la commedia, il dramma familiare con la fantascienza.
Guidati da registi come Takashi Miike, Hideo Nakata e Kiyoshi Kurosawa, gli anni ’90 hanno visto un aumento della quantità di film horror asiatici. Gli anni ’90 hanno visto anche un aumento del numero di registi giapponesi indipendenti che si sono presi dei rischi con i loro film. Kiyoshi Kurosawa: Kurosawa è noto per il suo umorismo oscuro e il suo stile sia nella regia che nella scrittura. Masayuki Suo: Suo è noto per la sua narrazione stilistica che spesso si riflette sui ricordi delle persone della loro infanzia. Tetsuya Nakashima: Nakashima è noto per la sua narrazione ricca di suspense, che spesso coinvolge i bambini.
Film giapponesi anni 2000
Negli ultimi anni, c’è stato un revival del cinema giapponese guidato da Hayao Miyazaki, considerato uno dei registi di maggior successo della storia. Il numero di film realizzati in Giappone è aumentato dal 2000 e questa tendenza sembra continuare anche oggi con registi famosi come Naomi Kawase e Hirokazu Koreeda che hanno vinto premi rispettivamente in festival come Cannes o Festival di Venezia.
Un esempio recente del coinvolgimento di Hollywood in Giappone è “The Wolverine”, che è stato girato a Tokyo e interpretato da Hugh Jackman. Dall’uscita di “The Wolverine” nel 2013, Hollywood ha costantemente aumentato i suoi investimenti in Giappone. Ciò include film girati a Tokyo, che supportano attori o attrici giapponesi e collaborano con studi giapponesi.
Registi giapponesi
oltre a grandi maestri del cinema giapponese già citati come Yasujiro Ozu, Akira Kurosawa, Kenji Mizoguchi sono molti i registi giapponesi che hanno contribuito a rendere grandiosa la storia del cinema nel loro paese. Alcuni nomi: Hayao Miyazaki, Takashi Miike, Nagisa Oshima, Kaneto Shindo, Kinji Fukasaku, Masaki Kobayashi, Shiro Honda, Shinya Sukamoto. Alcuni tra i più famosi registi contemporanei giapponesi ancora in attività sono Takeshi Kitano, Hayao Miyazaki, Hirokazu Kore-eda, Takashi shimizu, Kiyoshi Kurosawa, Hideo Nakata.
Film giapponesi da vedere assolutamente
Una lista di film giapponesi che hanno segnato la storia del cinema. Capolavori immortali e senza tempo. Dai classici di Ozu e Mizoguchi a perle nascoste e rare di cui non hai, probabilmente, mai sentito parlare.
Souls on the Road (1921)
Souls on the Road (in giapponese: 路上の霊魂, Rojō no Reikon) è un film muto del 1921 diretto da Minoru Murata. È considerato uno dei film più importanti della storia del cinema giapponese, e ha avuto un’influenza significativa sul cinema mondiale.
Il film è basato sulla pièce teatrale The Lower Depths di Maxim Gorky, e racconta la storia di un gruppo di persone che si ritrovano a vivere in un tugurio a Tokyo. I personaggi sono tutti dei reietti, e il film esplora le tematiche della povertà, della disperazione e della lotta per la sopravvivenza.
Souls on the Road è un film realistico e crudo, che non risparmia al pubblico le dure realtà della vita. Tuttavia, è anche un film poetico e commovente, che offre uno spaccato affascinante della vita a Tokyo all’inizio del XX secolo.
Il film è stato diretto da Minoru Murata, uno dei pionieri del cinema giapponese. Murata è stato un regista molto influente, e il suo stile ha influenzato molti altri registi, tra cui Akira Kurosawa.
Souls on the Road è un film importante e influente, che ha avuto un ruolo significativo nella storia del cinema giapponese. Il film è ancora oggi un’opera d’arte affascinante e commovente, che vale la pena vedere.
Orochi (1925)
Orochi (雄呂血) è un film muto giapponese del 1925 diretto da Buntarō Futagawa e interpretato da Tsumasaburō Bandō. È considerato uno dei più grandi film muti mai realizzati, ed è ancora oggi molto apprezzato dagli appassionati di cinema.
La trama del film è ambientata nel periodo Edo e racconta la storia di un giovane samurai di nome Gennosuke (Tsumasaburō Bandō). Gennosuke è un abile spadaccino, ma è anche impulsivo e facilmente irritabile. Viene accusato di un crimine che non ha commesso, e viene costretto a fuggire dalla sua casa.
Gennosuke si rifugia in un villaggio remoto, dove incontra una donna di nome Otane (Misao Seki). Otane è una donna gentile e premurosa, e si innamora di Gennosuke. Tuttavia, il passato di Gennosuke lo raggiunge, e viene costretto a duellare con un potente samurai.
Orochi è un film complesso e sfaccettato. È un dramma samurai, una storia d’amore e un thriller politico. Il film è anche un gioiello visivo, con una fotografia mozzafiato e una scenografia di grande impatto.
Orochi è un classico del cinema giapponese, ed è ancora oggi considerato uno dei più grandi film muti mai realizzati. Il film è un must-see per chiunque sia interessato al cinema giapponese, o all’arte del cinema muto.
Una pagina di follia (1926)
È un film muto giapponese del 1926 diretto da Teinosuke Kinugasa. Film indipendente perduto per 45 anni fino a quando non fu trovato da Kinugasa nel suo magazzino nel 1971, il film è il prodotto di un gruppo sperimentale di musicisti in Giappone chiamato Scuola delle Nuove Percezioni che tentò di conquistare la rappresentazione naturalistica. Yasunari Kawabata, che avrebbe vinto il premio Nobel per la letteratura nel 1968, è stato accreditato per il racconto iniziale. Si tratta di un lavoro angosciante e vivace di fantastico potere psicologico, uno dei film giapponesi più duri ed estremi mai visti prima. Le sue scene inquietanti, l’illuminazione il montaggio lo rendono un sorprendente viaggio nella follia, una riflessione sul nostro subconscio inquietante e meraviglioso.
A Diary of Chuji’s Travels (1927)
È un film muto jidaigeki giapponese del 1927 interpretato da Denjirō Ōkōchi e diretto da Daisuke Itō. Inizialmente è stato rilasciato in 3 film, ognuno dei quali si è creduto a lungo perso fino a quando non sono state scoperti e recuperati nel 1991. Il film, secondo un sondaggio del 1959, era stato definito il miglior film giapponese di sempre. Al momento del suo lancio, Itō era il leader di un nuovo stile di film sui samurai che includeva eroi criminali e anche scene di combattimento con la spada molto veloci.
Heroism of the Faithful Dead: True Testament of the Chūshingura (1928)
È un film muto giapponese in bianco e nero del 1928 diretto da Shozo Makino. È stato prodotto per onorare la celebrazione del 50° compleanno di Makino e si basa sul tema senza tempo del Chūshingura. Durante la produzione di questo film, è scoppiato un incendio, danneggiando parti del film iniziale, ma per fortuna è stato recuperato.
Crossroads (1928)
È un film muto drammatico giapponese del 1928 diretto da Teinosuke Kinugasa. Si pensa che sia il primo o tra i primi film giapponesi ad essere visto in Europa. Sebbene sia stato accolto positivamente dai critici cinematografici di Berlino e Parigi, il critico cinematografico del New York Times disse che il film “ha il pregio della genuinità, ma anche un ritmo pesante”. Negli anni successivi, i critici cinematografici hanno costantemente parlato dell’impatto del film espressionista tedesco su Crossroads, in particolare del lavoro di Fritz Lang.
The Frightful Era of Kurama Tengu (1928)
È un film giapponese muto in bianco e nero del 1928 diretto da Teppei Yamaguchi. Entra a far parte della serie Kurama Tengu e include la lotta tra i personaggi del titolo, Kurama Tengu, e il suo avversario. L’ultima scena, compresi i combattimenti con la spada di un ritmo emozionante, è una delle cose che hanno reso famoso questo film, in particolare per l’ottima performance dei ragazzini.
Passeggiate allegramente! (1930)
“Passeggiate allegramente!” è un film giapponese del 1930 diretto da Yasujirō Ozu. È un film muto del periodo pre-guerra e appartiene al genere del gangster movie giapponese. La trama segue la storia di un giovane gangster, interpretato da Minoru Takada, che si innamora di una giovane donna e cerca di cambiare la sua vita criminale per costruire un futuro migliore.
Il film è noto per il suo stile registico e per l’approccio intimo alla rappresentazione dei personaggi. Come molti lavori di Ozu, “Passeggiate allegramente!” riflette sulla società giapponese del suo tempo e le dinamiche dei rapporti umani.
Che cosa l’ha fatta fare? (1930)
Che cosa l’ha fatta fare? (何が彼女をそうさせたか, Nani ga kanojo o sō saseta ka) è un film muto giapponese del 1930 diretto da Shigeyoshi Suzuki. È stato il film giapponese con il maggior incasso dell’era del cinema muto. Notevole come esempio del genere di film di tendenza, avrebbe provocato una rivolta durante la sua proiezione nel quartiere di Asakusa di Tokyo.
Il film racconta la storia di Sumiko (Keiko Takatsu), una giovane donna che viene mandata a vivere con dei parenti che non la gradiscono. Viene trattata male e alla fine viene costretta a lavorare come prostituta. Sumiko alla fine si ribella alla sua situazione e incendia l’orfanotrofio dove è tenuta.
Che cosa l’ha fatta fare? è un film potente e controverso che esplora i temi dell’ingiustizia sociale, della povertà e dello sfruttamento. Il film è stato accolto con reazioni contrastanti al momento della sua uscita, con alcuni critici che hanno elogiato il suo commento sociale e altri che hanno criticato la sua violenza.
Nonostante la sua controversia, Che cosa l’ha fatta fare? è un film significativo nella cinematografia giapponese. È uno dei primi esempi del genere di film di tendenza ed ha contribuito a preparare la strada per film più socialmente consapevoli negli anni a venire.
Il coro di Tokyo (1931)
“Tokyo Chorus” è un film giapponese del 1931 diretto da Yasujirō Ozu. È considerato uno dei capolavori del regista e un’opera importante del cinema muto giapponese.
Il film racconta la storia di un giovane impiegato di nome Okajima, interpretato da Takeshi Sakamoto, che lutta per sostenere la sua famiglia durante la Grande Depressione. Dopo essere stato licenziato dall’azienda in cui lavorava a causa di un malinteso, Okajima deve affrontare varie difficoltà mentre cerca di mantenere la sua dignità e prendersi cura della sua famiglia.
“Tokyo Chorus” è noto per il suo stile realistico e per il modo in cui affronta temi sociali e familiari. Ozu ha uno stile distintivo nel ritrarre la vita quotidiana e i conflitti interiori dei suoi personaggi. Il film offre uno sguardo autentico sulla società giapponese dell’epoca e sulle sfide che le famiglie affrontavano durante la recessione economica.
La pellicola ha avuto un impatto significativo sulla cinematografia giapponese e ha contribuito a consolidare la reputazione di Ozu come uno dei più grandi registi della storia del cinema. Se ti piace il cinema d’autore e il realismo sociale, “Tokyo Chorus” potrebbe essere un’opera interessante da scoprire.
Dove sono i sogni della giovinezza? (1932)
Dove sono i sogni della giovinezza? (1932) è un film giapponese muto diretto da Yasujirō Ozu. Il film racconta la storia di quattro amici del college che sono costretti a chiedere un lavoro a un quarto, il figlio del presidente di una società. Il film esplora i temi dell’amicizia, del tradimento e della perdita dell’innocenza.
Il film è ambientato all’inizio degli anni ’30, durante un periodo di difficoltà economiche in Giappone. I quattro amici provengono tutti da diversi background sociali, ma sono uniti dai loro sogni condivisi di un futuro migliore. Tuttavia, quando entrano nel mondo del lavoro, si trovano di fronte alle dure realtà della vita. Il film li segue mentre lottano per trovare lavoro, sbarcare il lunario e mantenere le loro amicizie.
Dove sono i sogni della giovinezza? è un film girato con grande bellezza che cattura l’essenza della cultura giapponese all’inizio degli anni ’30. Il film è anche una toccante rappresentazione della perdita dell’innocenza e delle sfide dell’età adulta.
Sono nato, ma… (1932)
Il film “Sono nato, ma…” è un classico del cinema giapponese diretto da Yasujirō Ozu e uscito nel 1932. È una commedia drammatica che racconta la storia di due giovani fratelli che si scontrano con la realtà della gerarchia sociale quando la loro famiglia si trasferisce in una nuova città.
Il film esplora temi di crescita, incomprensioni tra generazioni e la lotta per l’identità in un mondo in rapido cambiamento. È considerato uno dei capolavori di Ozu e un importante esempio del cinema muto giapponese.
Capriccio passeggero (1933)
“Capriccio passeggero” è un altro film diretto da Yasujirō Ozu, uscito nel 1933, e fa parte della trilogia “Gioventù e famiglia” insieme a “I Was Born, But…” e “Otona no miru ehon – Umarete wa mita keredo” (titolo internazionale: “A Story of Floating Weeds”).
Il film racconta la storia di un padre single di nome Kihachi e del suo rapporto con suo figlio Tomio. La trama si concentra sulla lotta di Kihachi per mantenere il lavoro e le difficoltà che incontra nel bilanciare il suo ruolo di padre e le sue speranze per un futuro migliore.
Come molti film di Ozu, “Capriccio passeggero” esplora temi familiari, l’importanza dei rapporti interpersonali e la ricerca della felicità nelle piccole gioie della vita quotidiana. Ozu è noto per il suo stile realista e intimo, che cattura i dettagli e le dinamiche delle relazioni umane in modo profondo e significativo. Il film è considerato un altro esempio significativo del cinema giapponese degli anni ’30.
Apart from You (1933)
Apart from You (1933) è un film drammatico muto giapponese scritto e diretto da Mikio Naruse. Il film segue Kikue, un’anziana geisha, il cui figlio adolescente, Yoshio, è dispiaciuto della sua professione. Yoshio si sente vicino a Terugiku, una giovane collega di Kikue, e lei lo invita a casa dei suoi genitori in un villaggio di pescatori.
Il film è un ritratto delicato e devastante delle vite di tre donne che lottano per trovare il loro posto nel mondo. Kikue è una donna che ha visto il meglio e il peggio della vita, e ora sta lottando per mantenere la sua dignità in un mondo che la disprezza. Terugiku è una giovane donna che sta cercando di trovare la sua strada nella vita, ma è ostacolata dalle aspettative della sua famiglia e dalla sua stessa insicurezza. Yoshio è un ragazzo che è cresciuto in un ambiente difficile, e ora è alla ricerca di un senso di appartenenza.
Apart from You è un film che esplora le complessità delle relazioni familiari, i limiti della società e la forza delle donne. È un film che è ancora rilevante oggi, e che offre una visione profonda e commovente della condizione umana.
The Water Magician (1933)
“The Water Magician” (Suizokukan no majo) è un film giapponese del 1933 diretto da Kenji Mizoguchi. È un film muto in bianco e nero basato sul romanzo “Kasane” di Naoya Shiga. La trama si svolge nella prima metà del XX secolo e racconta la storia di una giovane donna di nome Sumiko, che lavora come illusionista in un parco acquatico di Tokyo. Sumiko è una figura affascinante e misteriosa, in grado di catturare l’attenzione del pubblico con i suoi spettacoli magici. Tuttavia, la sua vita prende una svolta quando si innamora di un giovane studente universitario, e la trama si sviluppa attraverso il dramma e le sfide che devono affrontare.
Il film è noto per la sua narrazione lirica e per la maestria di Mizoguchi nell’uso della regia e delle immagini per esprimere sentimenti e emozioni dei personaggi. “The Water Magician” è stato un successo al suo tempo e ha contribuito a consolidare la reputazione di Mizoguchi come uno dei grandi registi del cinema giapponese. Sebbene il film sia muto, la sua forza narrativa e il fascino visivo hanno reso un’opera d’arte duratura nel panorama cinematografico.
Japanese Girls at the Harbor (1933)
“Japanese Girls at the Harbor” (conosciuto anche come “Harbor Tale” o “Minato no Nihon Musume”) è un classico film muto giapponese diretto da Hiroshi Shimizu. È stato rilasciato nel 1933 ed è considerato uno dei lavori importanti del primo cinema giapponese.
Il film racconta la storia di due giovani ragazze, Sunako e Dora, che vivono in una piccola città costiera. Entrambe lavorano in una fabbrica locale e condividono una stretta amicizia. Tuttavia, le loro vite prendono una svolta drammatica quando un giovane di nome Henry arriva in città. Entrambe le ragazze si infatuano di lui, portando a un triangolo amoroso che esplora temi di giovinezza, amore e le complessità delle emozioni umane.
“Japanese Girls at the Harbor” è elogiato per la sua rappresentazione realistica della vita quotidiana in Giappone nei primi anni ’30 e per la sua suggestiva descrizione delle emozioni dei personaggi. La regia e lo stile narrativo di Hiroshi Shimizu hanno contribuito al suo acclamo.
Essendo un film muto, si basa sulla narrazione visiva e sulla recitazione espressiva per trasmettere la trama, rendendolo un’esperienza cinematografica unica. Se sei un appassionato di cinema classico o sei interessato a esplorare i primi film giapponesi, “Japanese Girls at the Harbor” merita sicuramente di essere visto.
Sogni ogni notte (1933)
Sogni ogni notte è un film drammatico muto giapponese diretto da Mikio Naruse nel 1933. Racconta la storia di una madre single, Omitsu, che lavora come hostess in un bar per mantenere il suo giovane figlio, Fumio. Quando il marito di Omitsu, Mizuhara, torna dopo anni di assenza, promette di cambiare vita e diventare un marito e un padre migliore. Tuttavia, Mizuhara non riesce a trovare un lavoro stabile e presto ricade nelle sue vecchie abitudini. Di conseguenza, Omitsu è costretta a lavorare ancora più duramente per sostenere la sua famiglia.
Il film è una potente e commovente rappresentazione delle difficoltà delle madri single nel Giappone dell’era della Grande Depressione. È anche un’esplorazione sensibile delle complesse relazioni tra madri e figli. Sogni ogni notte è un film ben fatto e girato magnificamente, ed è considerato uno dei migliori lavori di Naruse.
Storia di erbe fluttuanti (1934)
Storia di erbe fluttuanti (浮草物語 Ukikusa monogatari) è un film del 1934 diretto da Yasujirō Ozu. Lo stesso regista ne ha girato un remake nel 1959 intitolato Erbe fluttuanti.
Il film racconta la storia di Kihachi (Takeshi Sakamoto), un capocomico di una compagnia teatrale che si reca in un villaggio di pescatori con la sua compagnia. Nel villaggio, Kihachi incontra Oyoshi (Choko Iida), una donna che ha avuto un figlio da lui in passato e che lo crede suo zio. Kihachi e Oyoshi si innamorano di nuovo e decidono di sposarsi. Tuttavia, il matrimonio non viene accettato dalla famiglia di Oyoshi, che è umiliata dal fatto che sua figlia si sposi con un attore. Oyoshi viene quindi costretta a lasciare il villaggio con Kihachi e la sua compagnia teatrale.
Il film è un classico del cinema giapponese e viene considerato uno dei migliori film di Ozu. La storia è semplice ma commovente, e il film è girato con uno stile minimalista che riflette la filosofia di vita di Ozu. Storia di erbe fluttuanti è un film che parla dell’amore, della perdita e del significato della famiglia. È un film che ha qualcosa da dire a tutti, e che continua ad essere apprezzato da pubblico e critica ancora oggi.
Una locanda di Tokyo (1935)
Una locanda di Tokyo (東京の宿, Tōkyō no yado) è un film muto del 1935 diretto da Yasujirō Ozu. Il film è l’ultimo film muto di Ozu ed è stato elogiato per la sua rappresentazione realistica della vita di un uomo disoccupato e dei suoi figli.
La storia segue la vita di Kihachi, un uomo disoccupato che vive a Tokyo con i suoi due figli, Akira e Hiroshi. Kihachi cerca disperatamente di trovare un lavoro, ma senza successo. La famiglia è costretta a vivere in una piccola stanza in affitto e a lottare per sopravvivere.
Un giorno, Kihachi incontra Otsune, una giovane donna che lavora come cameriera in una locanda. Otsune si prende cura di Kihachi e dei suoi figli, e i due si innamorano. Kihachi trova finalmente un lavoro, e la famiglia è in grado di migliorare la propria situazione economica.
Una locanda di Tokyo è un film commovente e realistico che offre uno spaccato della vita di una famiglia giapponese durante la Grande Depressione.
Il film è stato elogiato per la sua rappresentazione realistica della vita di un uomo disoccupato e dei suoi figli. Ozu ha usato una serie di tecniche per creare un senso di realismo, tra cui l’uso di attori non professionisti, la scelta di girare in luoghi reali e l’utilizzo di un montaggio semplice e lineare.
Il film è stato anche apprezzato per la sua sensibilità e la sua compassione. Ozu non giudica i suoi personaggi, ma cerca semplicemente di mostrarne la vita quotidiana. Il film è un ritratto toccante della forza dell’amore e della famiglia, e offre un messaggio di speranza in un momento di crisi.
Wife! Be Like a Rose! (1935)
È un film commedia giapponese del 1935 diretto da Mikio Naruse. È basato sull’opera shinpa Futari tsuma di Minoru Nakano ed è anche tra i primi film sonori di Naruse. È stato uno dei primi film giapponesi a vedere un lancio negli Stati Uniti. Il film ottenne nel 1936 il Kinema Junpo Award come miglior film dell’anno e debuttò anche a New York nel 1937 con il titolo Kimiko. I critici cinematografici hanno sottolineato il “sentimento vivace e moderno” del film e anche “lo stile estetico all’avanguardia” e le “prospettive sociali moderne”.
Sazen Tange e la pentola da un milione di Ryo (1935)
“Sazen Tange and the Pot Worth a Million Ryo” (in giapponese: “Tange Sazen Yowa: Hyakuman Ryo no Tsubo”) è un film giapponese del 1935 diretto da Sadao Yamanaka. Il film è un adattamento cinematografico di una novella giapponese del XVIII secolo scritta da Kyokutei Bakin.
La trama del film segue le avventure di Sazen Tange, un abile spadaccino con una mano sola, alla ricerca di un antico vaso giapponese dal valore di un milione di ryo. Nel corso della sua ricerca, Sazen incontra diversi personaggi eccentrici e si scontra con numerosi nemici, impegnandosi in duelli spettacolari.
Il film è considerato un classico del cinema giapponese e ha influenzato numerosi registi successivi. In particolare, il personaggio di Sazen Tange è diventato un’icona della cultura popolare giapponese e ha ispirato molte opere cinematografiche e televisive.
Purtroppo, il regista Sadao Yamanaka morì pochi anni dopo l’uscita del film, durante la Seconda guerra mondiale, rendendo “Sazen Tange and the Pot Worth a Million Ryo” una delle sue ultime opere. Tuttavia, la sua influenza nel cinema giapponese è ancora molto forte e il film rimane un’opera molto amata dalla critica e dal pubblico.
Le sorelle di Gion (1936)
È un film drammatico giapponese bianco e nero del 1936 diretto da Kenji Mizoguchi su 2 geishe che vivono nell’area Gion di Kyoto. Crea un dittico con Osaka Elegy di Mizoguchi che condivide molti degli stessi attori e gruppo di produzione. 2 geishe, Umekichi e Omocha, vivono nella loro casa di accoglienza nella zona di Gion a Kyoto. Entrambe le donne hanno aspettative estremamente diverse sugli uomini. Umekichi, la sorella maggiore, ha seguito il classico addestramento da geisha e usa l’accappatoio, oltre a provare un solido senso di impegno nei confronti del suo cliente. La sorella minore di Umekichi, Omocha, è stata educata nelle scuole pubbliche e indossa anche abiti occidentali, tranne quando lavora come geisha. A differenza di Umekichi, Omocha non fa affidamento sugli uomini e pensa che useranno solo le geishe e poi le abbandoneranno senza cure. Pertanto, utilizza i clienti a proprio vantaggio.
Elegia di Osaka (1936)
È un film giapponese drammatico del 1936 diretto da Kenji Mizoguchi. Sonosuke Asai, capo della Asai Drug Company, ha una miserabile relazione coniugale con sua moglie Sumiko. Mentre tratta con disprezzo i dipendenti, Sumiko gli dice che deve il suo posto ai membri della sua famiglia con cui si è sposato. Fa delle avance a una delle ragazze del suo staff, Ayako, che però lo respinge.
Umanità e palloni di carta (1937)
È un film giapponese del 1937 diretto da Sadao Yamanaka. È stato l’ultimo film di Yamanaka prima della sua morte. Il film è ambientato nel Giappone feudale per tutto il XVIII secolo, un periodo noto come Edo. Ritrae le battaglie e anche i piani di Matajuro Unno, un rōnin, o samurai senza padrone, è del suo vicino di casa Shinza, un estetista. La storia inizia in una baraccopoli dove le famiglie svolgono compiti di routine. Shinza, sebbene sia un parrucchiere di professione, si guadagna davvero da vivere gestendo aree di gioco illegali e impegnando anche i suoi oggetti di valore. Unno, che flirta con la moglie della porta accanto, è il figlio di Matabei Unno, un samurai. Data la morte di suo padre, Unno ha avuto difficoltà a trovare lavoro e spera davvero che Mouri, l’ex maestro di suo padre, lo assuma dopo aver letto una lettera di suo padre. Mouri sta alla larga da Unno e scopre anche motivi per non leggere la lettera di suo padre. Unno cerca Mouri ogni giorno e lo segue ovunque vada. Mouri tenta di farla finita con Unno inviando una banda di uomini per scoraggiarlo e informando le sue guardie all’ingresso di tenerlo fuori.
Yamanaka è tra i migliori registi dei film jidaigeki, e questo è il suo lavoro più bello. Il film racconta il periodo feudale e offre una severa revisione dei problemi politici e sociali del momento in cui è stato realizzato. È considerato tra i film da vedere assolutamente.
The Story of the Last Chrysanthemums (1939)
È un film giapponese drammatico del 1939 diretto da Kenji Mizoguchi. Basato su un racconto di Shōfu Muramatsu, racconta di un onnagata, un attore uomo esperto nell’interpretare i ruoli delle donne, che ha difficoltà nel Giappone della fine del XIX secolo. Kikunosuke Onoe, comunemente chiamato Kiku, è il figlio al seguito di una nota attrice del kabuki di Tokyo, che sta studiando per far prosperare suo padre. Mentre elogiano ipocritamente la recitazione di Onoe, il resto degli artisti di suo padre lo ridicolizzano alle sue spalle. Otoku è l’unica abbastanza onesta da riconoscere le sue imperfezioni e migliorarsi. Quando Otoku viene ignorata dai membri della famiglia di Kiku per la sua eccessiva vicinanza al giovane maestro, Kiku la rintraccia e le dice che desidera sposarla. La sua famiglia è infastidita e Kiku deve lasciare Tokyo, prendere il treno per Nagoya, affinare la sua arte lontano da suo padre, con grande rabbia di quest’ultimo.
The War at Sea from Hawaii to Malaya (1942)
È un film di guerra giapponese in bianco e nero del 1942 diretto da Kajiro Yamamoto. Il film è stato guardato da 100 milioni di persone in Giappone. È un film che racconta gli eventi di Pearl Harbor. I critici cinematografici dell’epoca lo consideravano il miglior film del 1942. Il film è stata sequestrata dal Comando Supremo delle Potenze Alleate dopo la battaglia, che l’ha interpretata erroneamente come un vero e proprio documento filmato dell’assalto.
Sanshiro Sugata (1943)
È un film giapponese di arti marziali del 1943, lancio alla regia del regista cinematografico giapponese Akira Kurosawa. Il film è basato sull’omonima storia scritta da Tsuneo Tomita, il figlio del popolare judoka Tsunejiro Tomita. Racconta la storia di Sanshiro, un giovane che fa un viaggio in città per scoprire il Jujutsu. Al suo arrivo scopre un nuovo tipo di autodifesa: il judo. Il personaggio principale è basato su Saigō Shirō. Il film è un primo esempio dello stile di Kurosawa nella regia dei film, e possiede molti dei suoi tratti distintivi da regista. Il film era piuttosto popolare all’epoca. Ha generato un seguito, Sanshiro Sugata Part II, lanciato nel 1945 e diretto anche da Kurosawa.
Non rimpiango la mia giovinezza (1946)
È un film giapponese del 1946 scritto e diretto da Akira Kurosawa. È basato sull’evento Takigawa del 1933. Il film è interpretato da Setsuko Hara, Susumu Fujita, Takashi Shimura e Denjirō Ōkōchi. Il personaggio di Fujita è stato influenzato dalla vita reale di Hotsumi Ozaki, che ha aiutato la popolare spia sovietica Richard Sorge, quindi finì per essere l’unico residente giapponese a subire la condanna a morte per tradimento durante la seconda guerra mondiale. Il film è in bianco e nero e dura 110 minuti. La storia inizia nel 1933. Gli studenti dell’Università Imperiale di Kyoto si oppongono all’invasione giapponese della Manciuria. La figlia dell’insegnante Yukie (Setsuko Hara) esce con 2 studenti di suo padre: Ryukichi Noge (Susumu Fujita) e Itokawa (Akitake Kôno). Itokawa è modesto ed equilibrato mentre Noge è passionale e di estrema sinistra. Yukie alla fine è attratta da Noge.
The Ball at the Anjo House (1947)
È un film giapponese del 1947 diretto da Kōzaburō Yoshimura. Il film vinse nel 1947 il Kinema Junpo Award per il miglior film. Dopo la sconfitta del Giappone nella guerra del Pacifico, la ricca famiglia Anjō deve cedere la proprietà e cambiare il proprio modo di vivere in seguito alla riforma agricola del dopoguerra. Mentre il papà vedovo Tadahiko è addolorato per la sua condizione sociale, mentre il figlio Masahiko e il fratello maggiore mettono in ridicolo i loro ex amanti di classe inferiore che sono decaduti, la giovane Atsuko accetta la situazione e cerca la sua posizione personale nel nuovo Giappone.
L’angelo ubriaco (1948)
È un film giapponese del 1948 diretto da Akira Kurosawa. È degno di nota per essere stato il primo di sedici collaborazioni cinematografiche tra Kurosawa e la star Toshiro Mifune. Sanada (Takashi Shimura) è un medico alcolizzato nel Giappone del dopoguerra che si occupa di un piccolo yakuza chiamato Matsunaga (Toshiro Mifune) dopo uno scontro a fuoco con un’organizzazione concorrente. Il medico, vedendo che Matsunaga tossisce, gli diagnostica la tisi. Dopo aver spesso tormentato Matsunaga, che rifiuta di curare la sua malattia, riguardo all’obbligo di iniziare a prendersi cura di se stesso, il mafioso alla fine acconsente a smettere di andare a donne e di ubriacarsi e consente anche a Sanada di prendersi cura di lui, fino a quando il fratello di Matsunaga, Okada, che è anche il violento ex fidanzato dell’assistente femminile del medico Miyo, viene rilasciato dalla prigione.
Blue Mountain Range (1949)
È un film giapponese in bianco e nero del 1949 diretto da Tadashi Imai. È basato sull’omonimo libro di Yōjirō Ishizaka, pubblicato per la prima volta a puntate nel 1947. L’istruttrice Yukiko, che è stata trasferita da Tokyo, si scopre contro i professori conformista e i cittadini.
Cane randagio (1949)
È un film noir giapponese del 1949 diretto da Akira Kurosawa e interpretato da Toshiro Mifune e Takashi Shimura. È considerato tra i primi film giapponesi del genere poliziesco, una storia che racconta lo stato d’animo del Giappone durante la sua straziante ripresa postbellica. Il film è anche considerato un precursore del moderno dramma poliziesco con 2 poliziotti amici, basato sulla sua facilità di combinare due poliziotti con vari personaggi e ispirazioni reciproche in una situazione difficile. Colonna sonora (Fumio Hayasaka), Nel 2009 il film è stato eletto al numero 10 nella lista dei più grandi film giapponesi di tutti i tempi dalla pubblicazione cinematografica giapponese Kinema Junpo.
Tarda primavera (1949)
È un film giapponese del 1949 diretto da Yasujirō Ozu e scritto da Ozu e Kogo Noda, basato sul breve romanzo originale Father and Daughter dello scrittore e critico cinematografico del XX secolo Kazuo Hirotsu. Il film è stato distribuito durante l’occupazione del Giappone da parte delle potenze alleate e ha superato le principali richieste di censura dell’occupazione. Interpretato da Chishū Ryū, che è stato incluso nella maggior parte dei film del regista, così come Setsuko Hara, è il film iniziale della “trilogia di Noriko” di Ozu, che segue con Early Summer (1951) e Tokyo Story (Tokyo 1953). In ognuno di questi film Hara interpreta una ragazza di nome Noriko, donne single nel Giappone del dopoguerra.
Il film deriva dal tipo di cinema giapponese chiamato shomin-geki, una categoria che racconta la vita quotidiana e gli individui della classe media dei tempi moderni. Il film è considerato come il primo lavoro nell’ultima periodo innovativo del regista, negli anni ’60 e ’50”. Questi film sono caratterizzati da una particolare attenzione ai racconti riguardanti le famiglie nell’immediato dopoguerra giapponese, da una propensione alla direzione di storie molto semplici e dall’utilizzo di un’ inquadratura fissa senza movimenti.
Rashomon (1950)
È un film thriller Jidaigeki del 1950 diretto e scritto da Akira Kurosawa, che opera in stretta collaborazione con il direttore della fotografia Kazuo Miyagawa. Con Toshiro Mifune, Machiko Kyō, Masayuki Mori e Takashi Shimura nei panni di diversi personaggi che raccontano come un samurai è stato ucciso in un bosco, la storia e i personaggi sono basati sul racconto di Ryunosuke Akutagawa “In a Grove” , con il titolo e la storia basati su “Rashōmon”, un altro racconto di Akutagawa. Ogni elemento è lo stesso, dal samurai ucciso che parla tramite un sensitivo shintoista al fuorilegge nel bosco, il monaco, e l’ingannevole rivisitazione degli eventi in cui ogni persona rivela il proprio io.
Il film è riconosciuto per un meccanismo narrativo che coinvolge numerosi personaggi che forniscono versioni soggettive, incoerenti e alternative dello stesso identico evento. Rashomon è stato il primo film giapponese ad avere un ruolo importante in tutto il mondo; vinse il Leone d’Oro alla Mostra del Cinema di Venezia nel 1951, ricevette un Academy Honorary Award ai 24th Academy Awards nel 1952, ed è anche considerato tra i migliori film mai realizzati.
Listen To the Voices of the Sea, 1950)
È un film giapponese contro la guerra del 1950 diretto da Hideo Sekigawa. Si basa sulla pubblicazione di grande successo del 1949 Ascolta le voci dal mare, una raccolta di lettere di soldati giapponesi uccisi durante la seconda guerra mondiale. Il primo film giapponese del dopoguerra a includere scene di combattimento, è stato anche un grande successo al botteghino dei cinema giapponesi.
Akatsuki no Dassō (1950)
È un film giapponese del 1950 incentrato su un terribile evento tra un soldato associato al progetto Manchurian e una prostituta. Mikami, un soldato giapponese che combatte in Cina, è in difficoltà. Riesce a scappare ma viene bullizzato dai suoi coetanei. Dopo aver amato una prostituta di nome Harumi, lei lo convince a vivere insieme e ad abbandonare l’esercito.
Until We Meet Again (1950)
È un film giapponese contro la guerra del 1950 diretto da Tadashi Imai. Si basa sul romanzo Pierre et Luce di Romain Rolland. Il film è interpretato da Eiji Okada nei panni di Tajima Saburo e Yoshiko Kuga nei panni di Ono Keiko. Tajima Saburo è un pacifista e poeta dilettante nel Giappone della seconda guerra mondiale, una qualità che innesca conflitti tra lui e la sua famiglia. Il suo fratello maggiore, Ichiro, è stato ucciso nella guerra lasciando sua moglie, Masako, che attualmente si occupa dei membri della famiglia Tajima. Il suo altro fratello maggiore, Jiro, ha già fatto lo stesso per arruolarsi alla guerra con grande scoraggiamento di Saburo. Questo lascia Saburo emarginato della famiglia mentre Jiro e suo padre rivelano la loro insoddisfazione per la sua mancanza di nazionalismo. Durante una movimentata esercitazione con una bomba, Saburo trova una donna nel santuario, Ono Keiko, e la protegge dai rumori dei bombardamenti dall’esterno. Le loro mani si toccano e anche Keiko è per sempre impressa nella mente di Saburo. Quando il santuario viene rimosso, Saburo smarrisce Keiko e sceglie di tornare a casa.
Carmen Ritorna a Casa (1951)
È un film divertente giapponese del 1951 diretto da Keisuke Kinoshita. A causa della ristrutturazione della sede di Tokyo in cui lavora, l’artista Carmen e la sua amica innamorata Maya fanno una visita alla sua piccola città natale di Nagano. Il papà di Carmen non l’ha mai autorizzata a lasciare la famiglia e vuole trattenerla. Molti cittadini si meravigliano e sono entusiasti per la grande celebrità cittadina. Alla fine, l’arte di Carmen è uno spettacolo di strip dance che eseguirà in uno show dal magnate locale Maruju.
Il tempo del raccolto del grano (1951)
Noriko, una segretaria di Tokyo, risiede a Kamakura con la sua famiglia insieme ai suoi genitori Shūkichi e Shige, suo fratello maggiore Kōichi, un medico, sua moglie Fumiko e i loro 2 ragazzi Minoru e Isamu. Gli amici di Noriko sono divisi in 2 gruppi, gli sposati ed i single, che si prendono in giro costantemente, con Aya Tamura che è la sua stretta alleata nel gruppo single. Splendido dramma sull’unità della famiglia che fa parte della trilogia tematica di Ozu che viene definita La trilogia di Noriko: Tarda primavera, Il tempo del raccolto del grano e Viaggio a Tokyo.
Il pasto (1951)
È un film giapponese del 1951 diretto da Mikio Naruse e interpretato da Setsuko Hara. Si basa sul romanzo incompleto e anche l’ultimo di Fumiko Hayashi, ed è stato anche l’inizio di una serie di adattamenti del suo lavoro da parte del regista.
Michiyo si è trasferita da Tokyo per stabilirsi a Osaka con il marito impiegato, che ha sposato contro i desideri dei suoi genitori. Un paio d’anni dopo, durante la relazione coniugale, suo marito la tratta sconsideratamente e lei viene gradualmente logorata dalla routine domestica. La situazione peggiora quando la sua bellissima nipote, scappando dai preparativi di sua madre e suo padre per un matrimonio obbligato, seduce il marito. Delusa dalle sue iniziative per migliorare la loro vita familiare, dice a sua nipote Tokyo di rimanere temporaneamente con i suoi familiari.
I bambini di Hiroshima (1952)
Takako Ishikawa è un insegnante al largo della costa di Hiroshima e non è tornato nella sua città colpita dalla bomba atomica da 4 anni. Il suo viaggio a Hiroshima diventa un viaggio nella sua patria distrutta, alla ricerca di vecchi amici sopravvissuti. La città è stata quasi ricostruita, ma la tragedia è ancora molto presente: i volti sfigurati, le membra rattrappite, le donne sterili e i bambini minorati senza allegria.
Film girato con sobrietà, mostra la tragedia della bomba solo in un breve flashback dalla protagonista in pochi secondi di immagini allucinanti. La breve scena però rimane sempre presente nella mente di lei come nella mente dello spettatore. Il tono di Kaneto Shindo non è quello di un resoconto storico ma quello di un’emozione lirica intensa e trattenuta, che cerca la sua essenza nei dettagli. Nel cielo, finalmente, un aereo passa: gli occhi della maestra sono colmi d’angoscia, quelli del bambino sono soltanto puri e curiosi.
I racconti della luna pallida d’agosto (1953)
Giappone, fine del XVI secolo: il vasaio Genjurō e suo fratello Tobei, vivono con le loro mogli Miyagi e Ohama in un villaggio della regione di Omi; Genjurō, convinto di poter guadagnare molti soldi vendendo la propria merce nella città vicina, si reca nella contea di Omizo insieme a Tobei, che si unisce a lui col solo scopo di poter diventare un samurai. Leggenda e innovazione del linguaggio cinematografico, un mondo meraviglioso accanto ad un mondo brutale e crudele. Film misterico che apre un discorso con i piani invisibili dell’esistenza, fantasmi e incursioni nel fantastico, realizzato da Kenji Mizoguchi in un Giappone ancora raggelato dalle due bombe atomiche sganciate su Hiroshima e Nagasaki.
Viaggio a Tokyo (1953)
È un film giapponese del 1953 diretto da Yasujirō Ozu e interpretato da Chishū Ryū e Chieko Higashiyama su una coppia anziana che fa un viaggio a Tokyo per vedere i loro figli adulti. Al momento del lancio, non ha ottenuto il riconoscimento mondiale ed è stato considerato poco prezioso per i distributori di film giapponesi. Fu mostrato nel 1957 a Londra, dove vinse l’inaugurale Sutherland Trophy l’anno successivo, e ottenne l’apprezzamento dei critici cinematografici statunitensi dopo una proiezione del 1972 a New York City.
Tokyo Story è comunemente considerata l’opera d’arte di Ozu, nonché tra i migliori film mai realizzati. È stato eletto il miglior film di tutti i tempi nella versione del 2012 di un sondaggio ampiamente considerato dai registi cinematografici della pubblicazione Sight & Sound.
La porta dell’Inferno (1953)
È un film giapponese del 1953 diretto da Teinosuke Kinugasa. Racconta la storia di un samurai (Kazuo Hasegawa) che si innamora follemente di una donna (Machiko Kyō) che salva, solo per scoprire che è attualmente sposata. Girato utilizzando Eastmancolor, è stato il primissimo film a colori di Daiei Film e anche il primo film a colori giapponese ad essere lanciato fuori dal Giappone. La chiave, probabilmente, del suo successo è il modo con cui mescola una passione sotterranea di sentimenti con le spettacolari scene della realtà fisica. La tensione e le miserie umane implodono dietro una magnifica fotografia e rigore estetico. L’estrema importanza della vecchia società giapponese è descritta in modo concreto in questo film.
Where Chimneys Are Seen (1953)
È una commedia drammatica giapponese del 1953 diretta da Heinosuke Gosho. Ha partecipato al 3° Festival Internazionale del Cinema di Berlino. Basato su un romanzo di Rinzō Shiina, Where Chimneys Are Seen è considerato uno dei film cruciali di Gosho, nonché un esempio calzante dello stile shomin-geki.
Hiroko Ogata e anche il suo secondo marito Ryukichi (si pensa che il suo primo marito Tsukahara sia morto in una battaglia durante la seconda guerra mondiale) rimangono nei confini della classe inferiore di Tokyo. L’ultimo piano del livello degli Ogata è affittato a Kenzo e a Senko, un ragazzo e una donna che scoprono una passione l’uno per l’altra, ma non sono ancora una coppia. Un giorno, gli Ogata scoprono un bambino nell’ingresso di casa con una lettera firmata da Tsukahara, specificando che era il figlio di Hiroko. La relazione coniugale è inghiottita da un dilemma, con Hiroko votata all’autodistruzione. Kenzo gira per la città alla ricerca di Tsukahara e alla fine scopre lui e la sua nuova moglie, la vera mamma del bambino abbandonato, che originariamente aveva voluto ucciderlo.
Eagle of the Pacific (1953)
È un film epico di guerra giapponese del 1953 diretto da Ishirō Honda. Il film racconta l’inizio dell’azione militare del Giappone nella seconda guerra mondiale, con un focus sul ruolo di Isoroku Yamamoto. Il film ha guadagnato 163 milioni di yen, il terzo importo totale più alto per un film giapponese nel 1953.
Godzilla (1954)
È un film giapponese del 1954 diretto e co-scritto da Ishirō Honda, con effetti speciali di Eiji Tsuburaya. Prodotto e distribuito da Toho Co., Ltd., è il primo film nel franchise di Godzilla. Il film è interpretato da Akira Takarada, Momoko Kōchi, Akihiko Hirata e Takashi Shimura, con Haruo Nakajima e Katsumi Tezuka nei panni di Godzilla.
Nel film, le autorità giapponesi devono combattere un’enorme mostro, i cui assalti causano preoccupazioni per l’olocausto nucleare in tutto il Giappone del dopoguerra. Godzilla è entrato in produzione dopo che una coproduzione giapponese-indonesiana è fallita. Inizialmente Tsuburaya aveva suggerito un polpo gigante prima che i realizzatori scegliessero un animale ispirato ai dinosauri. Le riprese del film sono durate 51 giorni, e la creazione degli effetti speciali è durata 71 giorni.
Ventiquattro occhi (1954)
È un film giapponese del 1954 diretto da Keisuke Kinoshita, basato sull’omonimo libro del 1952 di Sakae Tsuboi. Il film è interpretato da Hideko Takamine nei panni di un insegnante chiamato Hisako Ōishi, che vive durante il nazionalismo giapponese nella prima epoca di Shōwa.
La storia inizia nel 1928 con l’eccellenza degli alunni dell’insegnante e la segue fino al 1946.Twenty-Four Eyes fu lanciato in Giappone da Shochiku il 15 settembre 1954, dove ottenne recensioni generalmente favorevoli e anche successo commerciale. Il film ha ottenuto una serie di riconoscimenti, tra cui il Kinema Junpo “Best One” Award per il 1954, insieme all’Henrietta Award al 5th Annual World Film Favorite Festival. Il film è stato ricordato per la sua visione contro la guerra.
I 7 samurai (1954)
È un film di samurai giapponese del 1954 co-scritto, montato e anche diretto da Akira Kurosawa. Il racconto si verifica nel 1586 per tutta la durata del periodo giapponese Sengoku. Racconta la storia di una città di contadini senza speranza che impiegano 7 rōnin, samurai senza padrone, per affrontare i fuorilegge che arrivano per rubare il loro raccolto.
A quel tempo, il film era uno dei film più costosi realizzati in Giappone. Ci è voluto un anno per girare sul set e il film ha anche affrontato diversi problemi. È stato il secondo film con il maggior incasso in Giappone nel 1954. Numerose recensioni hanno messo a confronto il film con i western. Dal suo lancio, Seven Samurai si è sempre posizionato negli elenchi dei critici dei migliori film della storia del cinema. Il suo impatto sul settore cinematografico è stato davvero impareggiabile, ed è comunemente considerato oggi come uno dei film più “ripresi, rifatti e citati”.
L’intendente Sansho (1954)
È un film storico giapponese del 1954 diretto da Kenji Mizoguchi. Basato su un racconto del 1915 con lo stesso nome di Mori Ōgai, che a sua volta era basato su un racconto popolare, presenta due bambini che vengono ridotti in schiavitù. Sansho l’ufficiale giudiziario dà vita a una serie di caratteristiche di Mizoguchi, come rappresentazioni di difficoltà e riprese lunghe coreografate in modo elaborato dal direttore della fotografia Kazuo Miyagawa, collaboratore abituale di Mizoguchi. Oggi, il film è comunemente considerato insieme a Ugetsu (1953) come uno dei migliori lavori di Mizoguchi.
La stagione del sole (1956)
E’ un film giapponese Sun Tribe del 1956 diretto da Kō Nakahira. Si tratta di un adattamento del libro con lo stesso nome di Shintaro Ishihara, il fratello maggiore degli attori partecipanti Yujiro Ishihara, e ha a che fare con 2 fratelli che si innamorano della stessa donna e anche del conflitto che ne deriva. A causa della sua rappresentazione dei giovani giapponesi, il film fece discutere al momento del lancio. In seguito fu definito un lavoro fondamentale della categoria Sun Tribe.
La dolce vita dei ricchi giovani giapponesi della sottocultura Sun Tribe che si ispirava allo stile di vita occidentale alla fine degli anni ’50, tra lussuria e violenza, sci d’acqua e motoscafi. Una storia di amore, passione e tradimento. Capolavoro quasi sconosciuto in Occidente, fece scandalo all’epoca della sua uscita. E’ il film che apre la strada e ispira la Nouvelle Vague giapponese.
L’arpa Birmania (1956)
È un film giapponese del 1956 diretto da Kon Ichikawa. Basato sull’omonimo libro per ragazzi scritto da Michio Takeyama, racconta la storia dei soldati giapponesi che hanno affrontato la campagna della Birmania durante la seconda guerra mondiale. Un membro della squadra si perde dopo la battaglia, ed i soldati intendono scoprire se il loro compagno è sopravvissuto e se si è diventato un monaco buddista che vedono suonare un’arpa. Il film è stato tra i primi a rivelare le perdite della guerra dal punto di vista di un soldato giapponese. Il film è stato selezionato per l’Academy Award per il miglior film in lingua straniera del 1956. Nel 1985, Ichikawa ha rifatto The Burmese Harp con un nuovo attore, e anche il remake è stato un grande successo di biglietteria, diventando il primo film giapponese nel 1985 e anche il secondo incasso giapponese fino a quel momento.
Rickshaw Man (1958)
È un film giapponese del 1958 diretto da Hiroshi Inagaki. È un remake del suo film del 1943. Nella versione del 1943 Tsumasaburo Bando ha svolto il ruolo di Muhōmatsu. Ambientato negli anni ’40 e ’30, racconta la storia di Muhōmatsu, un ragazzo di risciò interpretato da Toshiro Mifune, che diventa un patrigno del figlio di una donna vedova di recente interpretata da Hideko Takamine.
Enjo (1958)
È un film giapponese del 1958 diretto da Kon Ichikawa e adattato dal romanzo di Yukio Mishima The Temple of the Golden Pavilion. Enjō racconta il crollo emotivo di Goichi (Raizo Ichikawa), un giovane buddista che si reca in un luogo sacro di Kyoto – il Padiglione d’oro – per un corso di aggiornamento.
Goichi è ossessionato da 2 cose: l’esplorazione dell’adulterio di sua madre mentalmente violenta, e suo padre, che all’improvviso si ammala. Idealista e timido, oltre che afflitto da un problema di balbuzie, Goichi arriva nel luogo sacro ossessionato dall’opinione del padre scomparso secondo cui “il padiglione d’oro del tempio Shukaku è uno dei punti più belli del mondo”.
Fuochi nella pianura (1959)
È un film di guerra giapponese del 1959 diretto da Kon Ichikawa, con protagonista Eiji Funakoshi. La sceneggiatura del film, creata da Natto Wada, è basata sul romanzo Nobi (Tokyo 1951) di Shōhei Ōoka, tradotto in Fires on the Plain. All’inizio ottenne recensioni contrastanti da parte di critici sia internazionali che giapponesi per la sua violenza e il suo stile cupo. Nel corso degli anni, tuttavia, è diventato molto apprezzato. Il film racconta di un tubercoloso giapponese e del suo sforzo per sopravvivere durante l’ultima parte della seconda guerra mondiale. Kon Ichikawa ha accostato le tematiche del film di sopravvivenza e del genere di guerra.
Buongiorno (1959)
È un film commedia giapponese del 1959 scritto e diretto da Yasujirō Ozu. È un remake del suo film muto del 1932 I Was Born, But…, ed è anche il secondo film di Ozu a colori. Il film si svolge nella provincia di Tokyo e inizia con un gruppo di giovani studenti che tornano a casa.
Il film ha una sottotrama che racconta le abitudini delle donne in un club del quartiere. Chiacchierano tra loro di un furto di soldi, e immaginano anche che la signora Haraguchi potrebbe aver utilizzato il denaro per acquistare per sé un’attrezzatura per la pulizia nuova. La signora Haraguchi sfida la signora Hayashi per aver rovinato la sua reputazione, ma la signora Hayashi specifica che ha consegnato i soldi alla madre di Haraguchi. Più tardi la signora Haraguchi capisce che è stato un suo errore e molto probabilmente chiederà scusa.
Erbe fluttuante (1959)
È un film giapponese del 1959 diretto da Yasujirō Ozu, con Nakamura Ganjirō II e Machiko Kyō. È un remake del film muto in bianco e nero di Ozu A Story of Floating Weeds (1934) ed è considerato uno dei migliori film mai realizzati.
Durante l’estate del 1958 in una località balneare giapponese, un gruppo di artisti teatrali in viaggio arriva in nave, guidati dal protagonista e direttore degli artisti, Komajuro. Mentre il resto degli artisti gira per la cittadina per pubblicizzare il proprio show, Komajuro vede la sua ex ragazza, Oyoshi, che gestisce un piccolo ristorante nella comunità. Hanno un figlio adulto, Kiyoshi, che lavora presso l’ufficio postale e sta studiando presso l’università. Lei non sa che si tratta di Komajuro e crede che sia suo zio. Komajuro invita Kiyoshi a pescare.
La condizione umana (1959 – 1961)
È una serie di 3 film giapponesi di guerra diretti da Masaki Kobayashi, basati sull’omonimo libro creato da Junpei Gomikawa. I film sono No Greater Love (1959), Road to Eternity (1959), e A Soldier’s Prayer (1961). La trilogia racconta la vita di Kaji, un pacifista giapponese socialista, mentre tenta di sopravvivere nel mondo totalitario e prepotente del Giappone dell’era della seconda guerra mondiale. The Human Condition racconta il viaggio del comprensivo ma ingenuo Kaji che passa dall’essere un manager a soldato dell’esercito imperiale e ad un certo punto prigioniero di guerra sovietico. Tentando regolarmente di elevarsi al di sopra di un sistema corrotto, Kaji individua ripetutamente i suoi ideali come un ostacolo anziché un vantaggio.
L’isola nuda (1960)
Marito e moglie vivono con i propri figli su un’isola selvaggia dove le condizioni di sopravvivenza sono molto difficili. Il duro lavoro dei campi, la monotonia delle giornate e il lutto per la morte di uno dei figli rendono difficile la loro vita. Ogni tanto devono spostarsi dalla loro piccola isola per approvvigionarsi di cibo e acqua nelle isole maggiori. L’uomo e la donna cercano di continuare a coltivare il loro terreno e combattere la rassegnazione di fronte alle avversità della vita.
Un film coraggioso di Kanedo Shindo che si affida esclusivamente la narrazione alla musica ed ai rumori. Il film vince il Gran Premio al Moscow International Film Festival e riscuote un grande successo di pubblico sia in Giappone che all’estero.
Quando una donna sale le scale (1960)
È un film giapponese del 1960 diretto da Mikio Naruse. Keiko, una giovane vedova vicina ai 30 anni, è una persona che lavora in un bar di Ginza. Comprendendo che sta invecchiando, decide dopo aver parlato con il suo titolare del bar, Komatsu, che desidera aprire il suo bar invece di risposarsi e disonorare il suo defunto maritino alla cui memoria è ancora legata. Per raggiungere questo obiettivo, dovrebbe avere dei prestiti da alcuni clienti di alto livello che frequentano il suo bar, ma la questione non sembra facile.
Racconto crudele della giovinezza (1960)
È un film giapponese del 1960 diretto da Nagisa Ōshima, con Yusuke Kawazu e anche Miyuki Kuwano nei panni di adolescenti trasgressivi e appassionati. È il secondo lungometraggio di Ōshima ed è noto per i suoi aspetti del giapponese nuberu bagu. Il film ha vinto nel 1960 i Blue Ribbon Awards come miglior esordiente per Ōshima.
Dopo che Makoto Shinjo ha chiesto un passaggio in auto ad uno sconosciuto, l’autista del veicolo tenta di molestarla, ma viene raggiunta da Kiyoshi Fuji. La porta in giro con lui, inizialmente per godersi le proteste di Anpo contro il Trattato di sicurezza USA-Giappone, e successivamente a guidare un motoscafo su un fiume, dove la violenta. Un giorno, dopo aver tentato di aspettarlo in un bar che visita spesso, viene presa di mira dai mafiosi che gestiscono la prostituzione, ma Kiyoshi li contrasta e le liberano in cambio di una somma di denaro. I due si innamorano e Makoto trascorre più tempo con lui. Per guadagnare soldi Makoto attira un automobilista e Kiyoshi che lo cattura.
Notte e nebbia in Giappone (1960)
È un film giapponese del 1960 diretto da Nagisa Ōshima. È un film estremamente politico e sociale. Nel 1960, a seguito delle proteste di Anpo contro il Trattato di sicurezza USA-Giappone, visitatori indesiderati disturbano il matrimonio tra Nozawa, giornalista e radicale degli anni ’50, e Reiko, una lobbista. Accusano la coppia e per aver trascurato le loro azioni politiche, evocando una serie di controversie irrisolte di anni prima, in ambito studentesco. Nelle accuse si riaprono vecchie ferite sulle esperienze di Nozawa sia nel 1950 che nel 1960.
2 personaggi, uno morto per suicidio, l’altro leader politico stalinista, sono oggetto di maggiore attenzione. Il ricordo di Takao, un giovane allievo che si è suicidato dopo aver lasciato totalmente libera una “spia”, viene ricostruito come acc7sa alla gestione tirannica dello Zengakuren del 1950.
La sfida del samurai (1961)
È un film giapponese del 1961 co-scritto, scritto, montato e diretto da Akira Kurosawa. Il film è interpretato da Toshiro Mifune, Tatsuya Nakadai, Yoko Tsukasa, Isuzu Yamada, Daisuke Katō, Takashi Shimura, Kamatari Fujiwara e Atsushi Watanabe.
Nel film, un rōnin arriva in un villaggio dove ci sono boss della criminalità contendenti. Entrambi i boss tentano ciascuno di assumere il principiante come guardia del corpo. Basato sul successo di Yojimbo, il film successivo di Kurosawa, Sanjuro (1962), è diventato il protagonista principale di questo film.
Il film è stato lanciato e prodotto da Toho il 25 aprile 1961. Yojimbo ha ricevuto recensioni molto favorevoli e, nel corso degli anni, è stato comunemente considerato uno dei migliori film di Kurosawa e anche uno dei migliori film mai realizzati. Il film ha guadagnato circa $ 2,5 milioni in tutto il mondo con un piano di spesa di ¥ 90,87 milioni. Fu ripreso ufficiosamente da Sergio Leone come il film Spaghetti Western Per un pugno di dollari (1964), e questo provocò un’azione legale da parte della Toho per plagio. .
Il gusto del sakè (1962)
È un film giapponese del 1962 diretto da Yasujirō Ozu per Shochiku Films. Ha come protagonista Chishū Ryū nei panni del patriarca della famiglia Hirayama che a un certo punto si rende conto di avere il compito di preparare una relazione coniugale per la sua bambina Michiko (Shima Iwashita). È stato l’ultimo film di Ozu; è deceduto l’anno seguente il giorno in cui ha compiuto 60 anni. Oggi, An Autumn Afternoon è considerato da molti uno dei migliori lavori di Ozu.
Tokyo, 1962. Shūhei Hirayama (Chishū Ryū) è un anziano vedovo con un figlio sposato di 32 anni, Kōichi (Keiji Sada), e anche 2 giovani figli single, la bambina di 24 anni Michiko (Shima Iwashita) e il ragazzo di 21 anni Kazuo (Shin’ichirō Mikami). L’età dei giovani e anche ciò che ricordano della loro madre suggerisce che sia morta prima della fine della guerra, probabilmente nella battaglia di Tokyo nel 1944-45.
She and He (1963)
È un film giapponese del 1963 diretto da Susumu Hani. È diventato parte del 14 ° Festival Internazionale del Cinema di Berlino, dove Sachiko Hidari ha vinto l’Orso d’argento come migliore attrice. Una donna della classe media di Tokyo, Naoko Ishikawa (Sachiko Hidari) vive con il marito in un appartamento su una collina vicino un quartiere fatiscente. Mentre suo marito Eiichi (Eiji Okada) diventa ancora più impegnato nella sua vita di imprenditore, Naoko cerca metodi per ampliare la propria vita e i propri affetti. Quando comprende le difficoltà nel quartiere, perde la sua sensazione di sicurezza e protezione. Si trova stranamente attratta da una raccoglitrice di stracci, Ikona (Kikuji Yamashita) che vive in una baracca di latta con un bambino cieco e un cane, e le comodità protettive della sua vita borghese svaniscono.
The Insect Woman (1963)
È un film giapponese del 1963 diretto da Shōhei Imamura. Ha partecipato al 14° Festival Internazionale del Cinema di Berlino, dove Sachiko Hidari ha vinto l’Orso d’argento come migliore attrice. Sono stati inoltre concessi vari premi cinematografici a livello nazionale. Il film racconta di Tome, una ragazza nata nel 1918 in una famiglia di classe inferiore nella campagna di Tōhoku, che, dopo una lunga serie di problemi, diventa prostituta nel dopoguerra. Quando viene punita con la prigione, sua figlia Nobuko diventa l’amante del suo protettore, ma in seguito gli sottrae i suoi soldi per utilizzarli per costruire un quartiere agricolo.
Bushido, Samurai Saga (1963)
È un film giapponese del 1963 e film jidaigeki diretto da Tadashi Imai. È entrato a far parte del 13° Festival Internazionale del Cinema di Berlino dove ha vinto l’Orso d’oro. Il racconto copre 7 generazioni di una famiglia, dall’inizio dello shogunato Tokugawa ai primissimi anni ’60, e anche gli estremi che i suoi partecipanti ottengono dall’impegno inflessibile per l’azienda, la nazione e chi è al potere, a spesa della loro vita e anche quella dei propri cari. Susumu, l’ultimo dei successori maschi, alla fine sceglie di schierarsi contro questa mentalità dopo il tentativo di suicidio della sua futura moglie.
La donna di sabbia (1964)
È un film della New Wave giapponese del 1964 diretto da Hiroshi Teshigahara, con Eiji Okada nei panni di un entomologo alla ricerca di insetti e Kyōko Kishida nei panni della donna del titolo. Ha ottenuto critiche favorevoli ed è stato selezionato per due Academy Awards. La sceneggiatura del film è stata adattata da Kōbō Abe dal suo libro del 1962. Il film è un’allegoria ossessiva della vita umana e la necessità di allontanarsi dalla vita collettiva. Nathaniel Thompson ha creato “le canzoni che qui sono quasi un personaggio a sé stante, che si insinua nel materiale del film impercettibilmente, come la sabbia.
Kwaidan (1964)
È un film giapponese horror a episodi del 1964 diretto da Masaki Kobayashi. È basato sui racconti delle raccolte di racconti popolari giapponesi di Lafcadio Hearn, chiamate Kwaidan: Stories and Studies of Strange Things (1904), da cui prende il nome. Il film include 4 racconti non collegati e molto diversi. Kwaidan è una traslitterazione antiquata del termine kaidan, che suggerisce una storia di fantasmi. Il film vinse il Premio speciale della giuria al Festival di Cannes del 1965, e ottenne una candidatura all’Oscar per il miglior film in lingua straniera. In Giappone il film ha fruttato a Yoko Mizuki il Kinema Junpo per la migliore sceneggiatura. Il colore nel film è usato in modo molto espressivo e le storie rimangono impresse molto tempo dopo che lo si è visto. “Kwaidan” è un’armonia di colori e suoni con un ritmo di montaggio rigoroso e sensazioni estreme, un tour de force esteticamente notevole.
Onibaba (1964)
La componente estetica del cinema di Kaneto Shindo è evidente in Onibaba, film horror che racconta la storia di due donne abbandonate a sé stesse che vivono derubando e uccidendo Samurai sbandati.
Ispirata ad un’antica fiaba buddista il film racconta la storia di due donne che vivono in estrema povertà, in una capanna sulla riva di un fiume. Sopravvivono uccidendo e derubando i samurai stremati dai combattimenti, con delle tecniche che hanno affinato nel tempo.
Un giorno un vicino di casa, Hachi, comunica alle due donne che il il figlio di una di loro, andato in guerra, è morto. L’uomo si propone anche di aiutarle nei loro furti e nei loro omicidi. Ma le donne non si fidano e rifiutano. Ma con il tempo una delle due si innamorerà lentamente di Hachi. Una notte la donna uccide con una delle trappole collaudate un possente cavaliere con un inquietante maschera. Ma quando gli toglie la maschera scopre che dietro ci sono i tratti non umani di uno spaventoso demone.
Le olimpiadi di Tokyo (1965)
È un documentario giapponese del 1965 diretto da Kon Ichikawa che registra le Olimpiadi estive del 1964 a Tokyo. Come Olympia di Leni Riefenstahl, che ha registrato le Olimpiadi estive del 1936 a Berlino, il film di Ichikawa è stato considerato un punto di svolta cinematografico nella produzione di docudrama. Il film mantiene l’enfasi molto di più sull’atmosfera dei giochi e sul lato umano degli atleti professionisti invece di concentrarsi sulla vittoria e sui risultati. È tra i docudrammi sportivi inclusi nella guida 1001 film da vedere prima di morire. Il film è tenuto in grande considerazione ed è anche visto, insieme a Olympia di Leni Riefenstahl, come uno dei migliori film sulle Olimpiadi e, certamente, come uno dei migliori docudrammi di attività sportive di sempre. Il suo focus sull’umanità di spettatori e atleti professionisti, rivelando lo sforzo, il divertimento, la felicità del trionfo e anche la frustrazione della perdita, al contrario della semplice registrazione dei risultati, è stato visto come estremamente interessante, e utilizzando obiettivi zoom e primi piani ha creato un requisito nuovo per i film delle attività sportive.
La farfalla sul mirino (1967)
È un film giapponese del 1967 diretto da Seijun Suzuki e interpretato da Joe Shishido, Koji Nanbara, Annu Mari e anche Mariko Ogawa. La storia racconta dell’assassino professionista Goro Hanada mentre viene assunto da una strana donna di nome Misako per un obiettivo difficile. Quando l’obiettivo fallisce, viene inseguito dal fantasma killer numero uno, i cui attacchi mettono in pericolo la sua vita e la sua tranquillità.
Il film è stato contrassegnato dalla sua azienda di produzione, Nikkatsu, come un film di serie B a basso budget. Deluso dalla sceneggiatura iniziale, la produzione ha contattato Suzuki per rivedere e dirigere il film poco prima dell’inizio della produzione. Suzuki ha pensato alla maggior parte delle sue idee per il film la sera prima o durante la registrazione, e ha anche chiesto suggerimenti ai suoi colleghi; La sceneggiatura del film è attribuita a Hachiro Guryu, un gruppo di autori che includeva Suzuki e altri 7 autori, inclusi i suoi partner abituali Takeo Kimura e Atsushi Yamatoya. Suzuki ha dato al film un tono grottesco, esteticamente variegato e anarchico, al contrario di quello che voleva la casa di produzione. La post-produzione è stata terminata solo un giorno prima del suo lancio previsto per il 15 giugno 1967.
Ritratto di Chieko (1967)
È un film giapponese del 1967 diretto da Noboru Nakamura. Si basa sia sulla raccolta di versi Chieko-shō del poeta e artista giapponese Kōtarō Takamura, che ricorda la moglie Chieko, sia sul romanzo Shōsetsu Chieko-shō di Haruo Satō. Il film è stato scelto per l’Academy Award per il miglior lungometraggio internazionale. È un film giapponese stupendo in cui Shima Iwashita fornisce un’interpretazione attentamente controllata, catturando ogni sottigliezza del personaggio con abili capacità di recitazione.
L’impiccagione (1968)
È un film giapponese del 1968 diretto da Nagisa Ōshima, con protagonista Do-yun Yu. È noto per le sue ingegnose strategie brechtiane e per le tematiche del senso di colpa, nonché la consapevolezza, la giustizia e l’oppressione dell’etnia coreana in Giappone.
Il film ha un’apertura simile a un documentario che presenta una stanza della morte in cui avverrà un’esecuzione. Inspiegabilmente, l’uomo da uccidere, un coreano di etnia noto come R, viene impiccato ma sopravvive e perde la memoria. Le autorità che assistono all’impiccagione discutono su come continuare, poiché la legislazione potrebbe essere usata limitando l’esecuzione di una persona che non ricorda i propri crimini e la sua pena. Prendono la decisione di incoraggiare R a redimersi dei suoi reati, poi il film si trasferisce in una cornice molto teatrale.
Il film è divertente, intrigante e si concentra sulla condanna a morte, ed ad un certo punto diventa esplicitamente godardiano e brechtiano. La regia è estremamente attenta e dedita al tipo di cinema che svolge un ruolo attivo nella cultura.
Kuroneko (1968)
Altro film horror di Shindo particolarmente interessante è Kuroneko. Nell’epoca giapponese Jidai-geki, che parte dal XVII secolo, una terribile guerra civile dilania i villaggi del paese. Due donne che vivono in una casa di bambù vengono violentate e uccise da un gruppo di samurai senza scrupoli. Tempo dopo, nella stessa zona, alcuni samurai vengono ritrovati morti dissanguati. Il governatore invia un valoroso samurai allo scopo di indagare.
Kaneto Shindo è stato un cineasta indipendente poco incline al compromesso. Shindo sconta forse eccessivamente l’incapacità di scegliere fra i modelli della tradizione e quelli invece offerti dal ondata del Nuovo Cinema degli anni 60.
Dodes’ka-den (1970)
È un film giapponese del 1970 diretto da Akira Kurosawa. Il film è interpretato da Yoshitaka Zushi, Kin Sugai, Toshiyuki Tonomura e Shinsuke Minami. È basato sul libro di Shūgorō Yamamoto del 1962 A City Without Seasons e ha a che fare con un gruppo di senzatetto che vivono in difficoltà ai confini di Tokyo. Dodes’ka-den è stato il primo film di Kurosawa in cinque anni, il suo primo senza protagonista Toshiro Mifune da Ikiru nel 1952, e anche il suo primo film senza autore Masaru Sato da Seven Samurai nel 1954.
La registrazione è iniziata il 23 aprile 1970 ,ed è terminato 28 giorni dopo. Questo è stato il primo film a colori di Kurosawa e aveva un piano di spesa di soli ¥ 100 milioni. Per finanziare il film, Kurosawa ha ipotecato la sua casa, ma il film ha perso soldi, guadagnando meno del suo piano di spesa, lasciandolo con enormi debiti finanziari e, a sessantuno anni di età, praticamente disoccupato. L’insoddisfazione di Kurosawa diventò insostenibile un anno dopo, il 22 dicembre 1971, quando tentò il suicidio tagliandosi i polsi e il collo con un rasoio.
Lady Snowblood (1973)
È un film giapponese del 1973 diretto da Toshiya Fujita e interpretato da Meiko Kaji. Basato sull’omonima serie di manga di Kazuo Koike e Kazuo Kamimura, il film racconta la storia di Yuki (Kaji), una donna che cerca vendetta su 3 persone che hanno violentato e ucciso sua madre,suo padre e anche il fratello. Insieme a Kaji, gli attori del film sono Toshio Kurosawa, Masaaki Daimonm, Miyoko Akaza e Kō Nishimura. Lady Snowblood è stato lanciato nelle sale in Giappone il 1 ° dicembre 1973 ed è stato anche distribuito da Toho. Ha generato un sequel, Love Song of Vengeance (1974). Lady Snowblood è stato un’ispirazione significativa per il film di Quentin Tarantino del 2003 Kill Bill.
Coup d’etat (1973)
È un film giapponese del 1973 diretto da Yoshishige Yoshida. È basato sulla vita di Ikki Kita. Era rappresentativo del Giappone alla 46a edizione degli Academy Awards per l’Oscar per il miglior film in lingua straniera, ma è stato rifiutato come candidato. Il film è un resoconto del tentato rovesciamento del governo federale giapponese da parte dei militari il 26 febbraio 1936. È basato sulla vita dell’intellettuale ultranazionalista Ikki Kita.
Le cronache della Yakuza (1973)
È una serie di film giapponesi sulla yakuza creata dalla Toei Company. Influenzati da una raccolta di articoli del giornalista Kōichi Iiboshi basati su memorie dallo yakuza Kōzō Minō nella vita reale, il film racconta le lotte della yakuza nella prefettura di Hiroshima. Sono cinque film diretti da Kinji Fukasaku e interpretati da Bunta Sugawara nei panni di Shozo Hirono, basati su Minō, realizzati tra il 1973 e il 1974, nel sottogenere yakuza chiamato Jitsuroku eiga, che di solito si basa su storie vere. Fukasaku ha diretto altri tre film indipendenti con il titolo New Battles Without Honor e Humanity tra il 1974 e il 1976. Altri tre film di vari registi sono stati prodotti nel 1979, 2000 e 2003.
Sandakan No. 8 (1974)
È un film giapponese del 1974 diretto da Kei Kumai, con Yoko Takahashi, Komaki Kurihara e Kinuyo Tanaka. È stato scelto per l’Oscar 1975 per il miglior film in lingua straniera. Inoltre è diventato uno dei film giapponesi con il maggior incasso presso la biglietteria cinese, dove ha generato milioni di ingressi alle biglietterie. Una giovane giornalista donna Keiko Mitani (Komaki Kurihara) sta cercando di scrivere un articolo sulle donne giapponesi che erano serve del sesso nei bordelli asiatici all’inizio del XX secolo. Individua Osaki (Kinuyo Tanaka), una donna anziana che si occupa di gatti in una baracca in una città remota. Osaki accetta di raccontare la sua storia di vita, e la narrazione torna indietro nel tempo e racconta la sua vicenda nei primi anni ’20.
Ecco l’impero dei sensi (1976)
È un film d’arte giapponese del 1976 scritto e diretto da Nagisa Ōshima. È una storia romanzata di un omicidio del 1936 commesso da Sada Abe. Una coproduzione di Francia e Giappone, il film ha creato un dibattito formidabile al momento del suo lancio. Anche se pianificato per un vasto lancio mainstream, il film ha scene di sesso non simulato tra gli attori, Eiko Matsuda, Tatsuya Fuji, ed altri. Tutti i tabù sessuali sono superati in questo famoso film, una storia psicologica e di sesso estrema e intrigante.
Il fazzoletto giallo (1977)
È un film giapponese del 1977 diretto da Yoji Yamada. È stato il vincitore del premio per il miglior film al Japan Academy Prize. Il film è stato influenzato dal brano americano “Tie a Yellow Ribbon Round the Ole Oak Tree”, a sua volta basato su una raccolta di articoli del giornalista Pete Hamill per il New York Post nel 1971. Kinya Hanada, si innamora di Nobuko, e all’improvviso abbandona l’impianto di produzione in cui lavora. Con la sua pensione, ha acquistato una Mazda Familia rosso vivo e ha preso un traghetto da solo per Hokkaido per recuperare il suo cuore spezzato.
La vendetta è mia (1979)
È un film giapponese del 1979 diretto da Shōhei Imamura, basato sull’omonimo libro di Ryūzō Saki. Mostra la vera storia del serial killer Akira Nishiguchi, trasformando il nome del personaggio principale in Iwao Enokizu. Con la sua storia insolita e l’umorismo scioccante, Imamura scopre uno squallido scenario della cultura giapponese”. Il film è un grido di angoscia e sconforto a sostegno del suo oltraggioso eroe, commovente e terribile abbastanza da meritare il paragone con Delitto e castigo.
Kagemusha (1980)
È un film giapponese jidaigeki del 1980 diretto da Akira Kurosawa. È ambientato nell’epoca Sengoku giapponese e racconta la storia di un delinquente di classe inferiore che viene incaricato di sostituire il daimyō Takeda Shingen morente per scoraggiare i clan avversari a colpire il proprio clan. Kagemusha è il termine giapponese per un’esca politica, che ha il significato di un guerriero che agisce dell’oscurità. Il film termina con la terribile battaglia di Nagashino del 1575. Il film vinse la Palma d’oro al Festival di Cannes del 1980. È stato inoltre selezionato per l’Oscar per il miglior film in lingua straniera e ha ricevuto vari altri riconoscimenti. E’ considerato tra i grandi film giapponesi di tutti i tempi dalla pubblicazione cinematografica giapponese Kinema Junpo.
Zigeunerweisen (1980)
È un film indipendente giapponese del 1980 diretto da Seijun Suzuki e basato anche sul romanzo di Hyakken Uchida, Disco di Sarasate. Prende il titolo da una registrazione su grammofono della composizione per violino di Pablo de Sarasate, Zigeunerweisen, che si inserisce chiaramente nel racconto. Il film costituisce la parte iniziale della trilogia romana di Taishō di Suzuki, seguita da Kagero-za (1981) e anche Yumeji (1991), dramma psicologico modernista e storie di fantasmi legate al design e al periodo di Taishō (1912- 1926).
Siccome le sale cinematografiche non volevano proiettare il film, il produttore Arato lo ha mostrato lui stesso in una tenda da campeggio mobile gonfiabile con un grande successo. Il film ha vinto la Menzione d’Onore al 31° Festival Internazionale del Cinema di Berlino, è stato selezionato per 9 Japanese Academy Awards e ne ha vinti anche 4, tra cui miglior regista e miglior film, ed è stato anche eletto il miglior film giapponese degli anni ’80 dai critici cinematografici giapponesi.
Ran (1985)
È un film epico storica del 1985 diretto, montato e co-scritto da Akira Kurosawa. La storia ha origine dal Re Lear di William Shakespeare e comprende anche parti basate sui racconti del daimyō Mōri Motonari. Il film è interpretato da Tatsuya Nakadai nei panni di Hidetora Ichimonji, un anziano signore della guerra del periodo Sengoku che decide di abbandonare il ruolo di leader per i suoi 3 figli. Come la maggior parte delle opere di Kurosawa negli anni ’70 e ’80, Ran è una produzione internazionale, in questo caso un’impresa franco-giapponese creata da Herald Ace, Nippon Herald Films e Greenwich Film Productions.
La preparazione della produzione è stata molto lunga. Kurosawa ha sviluppato il soggetto di Ran a metà degli anni ’70, quando ha conosciuto la storia di Motonari, che era famoso per avere 3 figli molto devoti. Kurosawa ha progettato una storia in cui i ragazzi entrano in conflitto con il loro padre. Il film finì per essere fortemente ispirato dall’opera teatrale di Shakespeare King Lear, Kurosawa iniziò a usarla subito dopo aver iniziato il lavoro di preparazione per Ran. Seguendo questo lavoro di preparazione, Kurosawa girò intanto altri film, Dersu Uzala nel 1975, seguito da Kagemusha all’inizio degli anni ’80, prima di arrivare alla realizzazione del film Ran.
