Film indipendenti e cult

Cinema giapponese: guida essenziale ai film da vedere

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Il cinema giapponese è tra le industrie culturali più importanti del mondo; è il quarto più grande mercato per numero di film prodotti. Viaggio a Tokyo (1953) si è classificato al terzo posto nei film più importanti di tutti i tempi. Il più grande studio cinematografico giapponese si chiama Toho. L’annuale Japan Academy Film Prize ospitato dalla Nippon Academy è considerato l’equivalente giapponese degli Academy Awards.

Storia del cinema giapponese

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La storia del cinema giapponese inizia con il cinetoscopio, commercializzato da Thomas Edison negli Stati Uniti nel 1894. Esso fu portato per la prima volta in Giappone nel novembre 1896. I cameraman di Lumière furono i primissimi a girare film in Giappone. Il primissimo film giapponese fu girato alla fine del 1897 a Tokyo. Nel 1898 alcuni cortometraggi sui fantasmi furono realizzati. Tsunekichi Shibata ha realizzato una serie di film con 2 famose star che interpretavano una scena di una popolare commedia kabuki.

Alla nascita delle sale cinematografiche in Giappone, ci furono i Benshi, scrittori che si sedevano accanto allo schermo e raccontavano con le parole le immagini mute in movimento. I Benshi potevano essere accompagnati dalla musica come i film miti nei cinema occidentali. Nel 1908, Shōzō Makino, il regista pioniere del cinema giapponese, iniziò la sua importante professione con Honnōji gassen, prodotto per Yokota Shōkai.

Onoe diventò la prima star del cinema giapponese, apparendo in oltre 1.000 film, principalmente cortometraggi, tra il 1909 e il 1926. Il primo studio di produzione cinematografica giapponese fu creato nel 1909 dall’azienda Yoshizawa Shōten a Tokyo. Molti dei primi critici cinematografici avevano giudizi negativi sul lavoro di studi come Nikkatsu e Tenkatsu giudicando i loro film troppo teatrali, per non utilizzare quelli che si pensava fossero metodi più cinematografici per raccontare le storie, affidandosi piuttosto al benshi. 

Film giapponesi anni ‘20

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I film giapponesi hanno avuto successo in Giappone a metà degli anni ’20 più dei film stranieri, in parte sostenuti dal fascino delle star del cinema. Registi come Daisuke Itō e Masahiro Makino hanno realizzato film di samurai come A Diary of Chuji’s Travels e Roningai che includevano antieroi provocatori in scene di battaglia veloci che erano sia successi industriali che seriamente noti. Alcune star, come Tsumasaburo Bando, Kanjūrō ​​Arashi, Chiezō Kataoka, Takako Irie e Utaemon Ichikawa, sono state motivate dalla Makino Film Productions e hanno formato una propria produzione indipendente in attività di cui registi come Hiroshi Inagaki, Mansaku Itami e Sadao Yamanaka hanno sviluppato le loro abilità.

Con l’aumento dei movimenti politici di sinistra e dei sindacati alla fine degli anni ’20, sono nati i cosiddetti film di sinistra. In contrasto con i prodotti commerciali. La Marxist Proletarian Film League of Japan (Prokino) ha realizzato opere in dimensioni più piccole (come 9,5 mm e 16 mm), con intenti più estremi. I film di propaganda di sinistra subirono una seria censura verso gli anni ’30, e i membri di Prokino furono incarcerati e il movimento fu schiacciato.

Una variazione successiva di La figlia del capitano è stata tra i primissimi film sonori. Ha utilizzato il Mina Talkie System. Il mercato cinematografico giapponese si divise in 2 gruppi; uno ha mantenuto il Mina Talkie System, mentre l’altro ha utilizzato l’Eastphone Talkie System utilizzato per realizzare i film di Tojo Masaki. Il terremoto del 1923, la battaglia di Tokyo durante la seconda guerra mondiale e i naturali risultati del tempo e dell’umidità del Giappone su film di nitrati instabili e combustibili hanno effettivamente portato a una terribile mancanza di film duraturi di questo periodo.

Film giapponesi anni ‘30

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A differenza dell’Occidente, i film muti venivano ancora prodotti in Giappone fino agli anni ’30; ancora nel 1938, un terzo dei film giapponesi era muto. An Inn in Tokyo di Yasujirō Ozu (1935), precursore del neorealismo, era un film muto, ed è stato uno dei primissimi film giapponesi ad uscire nelle sale negli Stati Uniti; Le sorelle del Gion di Kenji Mizoguchi (Gion no shimai, 1936); Elegia di Osaka (1936); e La storia degli ultimi crisantemi (1939); e Umanità e palloncini di carta di Sadao Yamanaka (1937).

La critica cinematografica ha condiviso questo vigore, con molte riviste cinematografiche come Kinema Junpo e giornali che pubblicarono conversazioni approfondite. Una critica impressionista colta perseguita da critici come Tadashi Iijima, Fuyuhiko Kitagawa e Matsuo Kishi era dominante, tuttavia osteggiata da critici di sinistra come Akira Iwasaki e Genjū Sasa che cercavano una revisione ideologica dei film.

Gli anni ’30 hanno visto una maggiore partecipazione del governo federale al cinema che ha preso una maggiore autorità sul mercato cinematografico, nel 1939. Il governo ha motivato alcuni tipi di cinema, producendo film di propaganda e promuovendo documentari, film culturali, realizzati da registi come Fumio Kamei. Teorici del cinema come Taihei Imamura e Heiichi Sugiyama promossero il documentario e il dramma realista, mentre registi come Hiroshi Shimizu e Tomotaka Tasaka producevano film di finzione.

Film giapponesi anni ‘40

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A partire dalla seconda guerra mondiale e dalla crisi economia, la disoccupazione ha finito per essere prevalente in Giappone e il mercato del cinema ha sofferto. Durante tutto questo periodo, quando il Giappone stava ampliando il suo impero, il governo federale giapponese ha visto il cinema come uno strumento di propaganda per rivelare lo splendore e l’invincibilità dell’Impero del Giappone. Pertanto, molti film di questo periodo ritraggono stili militaristici e patriottici. 

Nel 1942 il film di Kajiro Yamamoto La guerra in mare dalle Hawaii alla Malesia rappresentò l’attacco a Pearl Harbor; il film ha utilizzato risultati unici diretti da Eiji Tsuburaya, consistenti in un design in miniatura della stessa Pearl Harbor. Akira Kurosawa ha realizzato il suo primo film d’azione con Sugata Sanshiro nel 1943.

Il primo film lanciato dopo la guerra fu Soyokaze, del 1945, di Yasushi Sasaki. Nella lista delle restrizioni alla produzione promossa nel 1945 da David Conde del CIE, nazionalismo, massacro, patriottismo e suicidio, film violenti e spietati, e così via, finirono per essere prodotti proibiti, rendendo sostanzialmente difficile la produzione di drammi storici. Di conseguenza, le star che hanno effettivamente utilizzato il dramma storico si sono spostate nel dramma moderno: “Bannai Tarao” di Chiezō Kataoka (1946), “Torn Drum di Tsumasaburō Bandō (1949), “The Child Holding Hands di Hiroshi Inagaki e “King) di Daisuke Itō. 

La durata dopo l’occupazione americana ha causato un aumento della varietà nella circolazione cinematografica grazie all’aumento della produzione e dell’appeal degli studi cinematografici di Toho, Daiei, Shochiku, Nikkatsu e Toei. In questo periodo nascono i 4 artisti eccellenti del cinema giapponese: Masaki Kobayashi, Akira Kurosawa, Kenji Mizoguchi e Yasujirō Ozu. Le primissime collaborazioni tra Akira Kurosawa e la star Toshiro Mifune furono Drunken Angel nel 1948 e Stray Dog nel 1949. Yasujirō Ozu diresse il film di successo Late Spring nel 1949.

Film giapponesi anni ‘50

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Gli anni ’50 iniziano con il film cult Rashomon (1950) di Akira Kurosawa, Leone d’Oro alla Mostra del Cinema di Venezia nel 1951 e Oscar per il miglior film straniero nel 1952, e segnano l’ ingresso del cinema giapponese sulla scena mondiale. Compare anche la famosa star Toshiro Mifune. Nel 1953 Entotsu no mieru basho di Heinosuke Gosho andò in concorso al 3° Festival Internazionale del Cinema di Berlino.

Gli anni ’50 sono comunemente pensati come l’età dell’oro del cinema giapponese. 3 film giapponesi di questi anni (Rashomon, Seven Samurai e Tokyo Story) sono apparsi nei primi 10 sondaggi di critici e registi di Sight & Sound per i migliori film di sempre nel 2002. Sono apparsi anche nei sondaggi del 2012, con Viaggio a Tokyo (1953) che supera Citizen Kane in cima alla classifica.

Iniziarono poi ad essere prodotti film di guerra. “Listen to the Voices of the Sea” di Hideo Sekigawa (1950), “Himeyuri no Tô – Tower of the Lilies” di Tadashi Imai (1953), “Twenty-Four Eyes” di Keisuke Kinoshita ( 1954 ),” “The Burmese Harp” di Kon Ichikawa (1956), e altri lavori destinati alla terribile esperienza della guerra, uno dopo l’altro, finirono per avere un grande impatto sociale. Altri film nostalgici come Battleship Yamato ( 1953) e Eagle of the Pacific (1953) furono prodotti in serie allo stesso modo.

Rentaro Mikuni, una star del cinema giapponese è apparso in oltre 150 film, dal momento che è stato lanciato sul grande schermo nel 1951, e ha vinto 3 premi Oscar come miglior attore e più di 7 candidature. Il primo film giapponese a colori è stato Carmen Comes Home diretto da Keisuke Kinoshita e lanciato nel 1951. La porta dell’inferno (Gate of Hell), un film di culto del 1953 di Teinosuke Kinugasa, è stato il primissimo film che ha utilizzato la pellicola Eastmancolor.

Nel 1953, durante il dopoguerra, quando il dolore della guerra era ancora forte, Kaneto Shindō realizza un film di culto del cinema giapponese, ricco di atmosfere cupe e realistiche. Si tratta di I bambini di Hiroshima. Takako Ishikawa è un insegnante al largo della costa di Hiroshima e non è tornato nella sua città colpita dalla bomba atomica da 4 anni. Il suo viaggio a Hiroshima diventa un viaggio nella sua patria distrutta, alla ricerca di vecchi amici sopravvissuti.

Teinosuke Kinugasa ha realizzato anni prima capolavori di avanguardia del cinema muto giapponese come Una pagina di follia. Gate of Hell è stato il primo film a colori e il primo film giapponese ad essere distribuito al di fuori del Giappone, ottenendo un Academy Award nel 1954 per i migliori costumi di Sanzo Wada e un Honorary Award per il miglior film in lingua straniera. E ha vinto anche la Palma d’Oro al Festival di Cannes, il primo film Giapponese a vincere il premio.

Nel 1954, un altro film di Kurosawa, Ikiru, era in concorso al 4° Festival Internazionale del Cinema di Berlino. Il protagonista, Watanabe (Takashi Shimura), lavora come contabile in un ufficio di Tokyo. Scopre di avere un cancro allo stomaco che ha metastatizzato al fegato. Dopo la diagnosi, Watanabe decide di abbandonare la sua vita di mediocre contentezza e concentrarsi sul vivere i suoi ultimi giorni con dignità e significato.

Nel 1955, Hiroshi Inagaki ha vinto un Academy Award per il miglior film in lingua straniera per la parte I della sua trilogia di Samurai e nel 1958 ha vinto il Leone d’oro al Festival di Venezia per Rickshaw Man. Kon Ichikawa ha diretto 2 drammi contro la guerra: The Burmese Harp (1956), che è stato scelto per il miglior film in lingua straniera agli Academy Awards, e Fires On The Plain (1959), insieme a Enjo (1958).

Mizoguchi vinse l’Orso d’argento alla Mostra del Cinema di Venezia per I racconti della luna pallida di agosto. I film di Mizoguchi trattano principalmente dei disastri causati alle donne dalla società giapponese. I racconti della luna pallida d’agosto racconta la storia di un samurai che lascia la sua famiglia per cercare la ricchezza e viene sedotto da una donna di un’antica famiglia nobiliare, trascura sua moglie e cade preda dell’avidità e del potere. Il titolo originale Ugetsu è una parola giapponese che significa “illusione” o “immagine ingannevole”

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Godzilla

Godzilla

Modificato per la sua uscita occidentale, Godzilla ha finito per essere un’icona mondiale del Giappone e ha generato un intero sottogenere di film kaiju, nonché il più longevo franchise cinematografico della storia. Godzilla è un mostro giapponese, noto per il suo potere distruttivo. Il nome di Godzilla deriva dalle parole giapponesi “gojira” che si traduce in “balena” e “gorilla”. Godzilla è un mostro gigante apparso per la prima volta nel film del 1954 che emette potenti emissioni radioattive e ha la capacità di emettere respiro atomico dalla sua bocca. Il primo film di Godzilla è stato creato come tattica intimidatoria per le persone che vivono vicino al sito di test nucleari comunisti francesi nell’Oceano Pacifico. Questo mostro gigante è diventato popolare tra il pubblico giapponese ed è stato presto presentato in 28 film giapponesi prodotti tra il 1954 e il 1975.

Film giapponesi anni ‘60

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Toshiro Mifune è stato al centro di molti dei film di Kurosawa. Il numero di film prodotti raggiunsero un picco negli anni ’60. Yasujirō Ozu ha realizzato il suo ultimo film, An Autumn Afternoon, nel 1962. Mikio Naruse ha diretto Quando una donna sale le scale nel 1960; il suo ultimo film è stato Nubi sparse del 1967.

Kon Ichikawa ha raccontato lo spartiacque delle Olimpiadi del 1964 nel suo documentario di tre ore Tokyo Olympiad (1965). Il regista Seijun Suzuki è stato licenziato dalla casa di produzione Nikkatsu per “fare film che non hanno alcun senso e non fanno soldi” dopo il suo film surrealista sulla malavita yakuza Branded to Kill (1967).

Gli anni ’60 furono gli anni di punta del movimento della New Wave giapponese , che iniziò negli anni ’50 e continuò fino ai primi anni ’70. Cruel Story of Youth, Night and Fog in Japan e Death By Hanging di Oshima, insieme a Onibaba di Kaneto Shindo, Kanojo to kare di Hani e The Insect Woman di Imamura, sono finiti per essere alcuni degli esempi più noti del cinema della New Wave giapponese. 

Il documentario ha svolto una funzione essenziale nella New Wave, poiché registi come Hani, Kazuo Kuroki, Toshio Matsumoto e Hiroshi Teshigahara sono passati dal documentario alla finzione, mentre anche registi come Oshima e Imamura hanno realizzato documentari.

Teshigahara ha vinto con il film Woman in the Dunes (1964) il Premio Speciale della Giuria al Festival di Cannes ed è stato scelto per l’Oscar come miglior regista e miglior film straniero. Anche Masaki Kobayashi con Kwaidan (1965) fu selezionato per il premio speciale della giuria al Festival di Cannes. 

Film giapponesi anni ‘70

L’industria cinematografica ha girato film in molti modi, come i film a budget più ampio della Kadokawa Pictures, o costituiti da materiale e linguaggio violenti o esplicitamente sessuali che non potevano essere programmati in tv. Il risultato è stato che il mercato del cinema rosa è finito per essere il trampolino di lancio per numerosi giovani registi indipendenti.

Toshiya Fujita ha realizzato il film di vendetta Lady Snowblood nel 1973. In quello stesso anno, Yoshishige Yoshida ha fatto il film Colpo di Stato, una ritratto di Kita Ikki, il leader del colpo di stato giapponese del 1936. Il film ha avuto un ottimo riscontro di critica in Giappone.

Kinji Fukasaku ha terminato l’impressionante serie sulla yakuza Battles Without Honor e Humanity film. Yoji Yamada ha presentato la serie commerciale Tora-San, dirigendo anche altri film, tra cui il popolare The Yellow Handkerchief, che ha vinto il primissimo Japan Academy Prize per il miglior film nel 1978. 

Film giapponesi anni ‘80

L’industria cinematografica giapponese ha avuto successo negli anni ’80. Il decennio ha visto molti film d’azione ad alto budget che sono diventati popolari tra il pubblico di tutto il mondo. Diversi registi giapponesi sono diventati famosi per il loro lavoro. Uno di questi era Kinji Fukasaku, direttore di Battle Royale e Battle Royale II: Requiem, due film in stile manga esilaranti e assolutamente coinvolgenti sulla battaglia per la sopravvivenza. Un altro è stato Nagisa Oshima, che ha diretto Merry Christmas Mr. Lawrence e Nel regno dei sensi. Oshima era noto per aver usato i suoi film per criticare la società, la politica e la cultura. Trascorse sei anni come assistente alla regia presso gli studi Shochiku, lavorando con registi tra cui Yasujiro Ozu e Mikio Naruse.

Film giapponesi anni ‘90

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I film giapponesi degli anni ’90 hanno introdotto nuovi concetti nel mondo come anime e manga. L’anime è diventato popolare in Occidente e ha un fascino per un’ampia fascia demografica. I film giapponesi degli anni ’90 hanno visto un aumento della spesa pubblica e settori emergenti come i giochi per computer e l’animazione. Questi due movimenti hanno portato a film incentrati più sul genere fantascientifico e fantasy di prima.

Nello stesso periodo, il cinema giapponese ha sperimentato anche una rinascita di nuovi generi e stili. Il pubblico ha avuto una boccata d’aria fresca quando sono stati rilasciati nuovi film che non erano solo una rivisitazione dei film di Hollywood. Il pubblico ora doveva essere pronto a vedere film che combinassero l’horror con la commedia, il dramma familiare con la fantascienza. 

Guidati da registi come Takashi Miike, Hideo Nakata e Kiyoshi Kurosawa, gli anni ’90 hanno visto un aumento della quantità di film horror asiatici. Gli anni ’90 hanno visto anche un aumento del numero di registi giapponesi indipendenti che si sono presi dei rischi con i loro film. Kiyoshi Kurosawa: Kurosawa è noto per il suo umorismo oscuro e il suo stile sia nella regia che nella scrittura. Masayuki Suo: Suo è noto per la sua narrazione stilistica che spesso si riflette sui ricordi delle persone della loro infanzia. Tetsuya Nakashima: Nakashima è noto per la sua narrazione ricca di suspense, che spesso coinvolge i bambini. 

Film giapponesi anni 2000

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Negli ultimi anni, c’è stato un revival del cinema giapponese guidato da Hayao Miyazaki, considerato uno dei registi di maggior successo della storia. Il numero di film realizzati in Giappone è aumentato dal 2000 e questa tendenza sembra continuare anche oggi con registi famosi come Naomi Kawase e Hirokazu Koreeda che hanno vinto premi rispettivamente in festival come Cannes o Festival di Venezia.

Un esempio recente del coinvolgimento di Hollywood in Giappone è “The Wolverine”, che è stato girato a Tokyo e interpretato da Hugh Jackman. Dall’uscita di “The Wolverine” nel 2013, Hollywood ha costantemente aumentato i suoi investimenti in Giappone. Ciò include film girati a Tokyo, che supportano attori o attrici giapponesi e collaborano con studi giapponesi.

Registi giapponesi

oltre a grandi maestri del cinema giapponese già citati come Yasujiro Ozu, Akira Kurosawa, Kenji Mizoguchi sono molti i registi giapponesi che hanno contribuito a rendere grandiosa la storia del cinema nel loro paese. Alcuni nomi: Hayao Miyazaki, Takashi Miike, Nagisa Oshima, Kaneto Shindo, Kinji Fukasaku, Masaki Kobayashi, Shiro Honda, Shinya Sukamoto. Alcuni tra i più famosi registi contemporanei giapponesi ancora in attività sono Takeshi Kitano, Hayao Miyazaki, Hirokazu Kore-eda, Takashi shimizu, Kiyoshi Kurosawa, Hideo Nakata.

Film giapponesi da vedere assolutamente

Una lista di film giapponesi che hanno segnato la storia del cinema. Capolavori immortali e senza tempo. Dai classici di Ozu e Mizoguchi a perle nascoste e rare di cui non hai, probabilmente, mai sentito parlare. La lista è in continuo aggiornamento.

Viaggio a Tokyo

Shukichi e Tomi, ormai vicini ai settant’anni, fanno un viaggio a Tokyo per visitare i propri figli prima che sia troppo tardi. Quando arrivano in città, però, l’accoglienza non è quella che si attendevano: il primogenito Koichi e la sorella Shige hanno troppi impegni di lavoro e sembrano vivere la visita degli anziani genitori più come un fastidio che come una gioia. Film tra i più importanti della storia del cinema, si apre con una partenza e si conclude con un addio, come molti altri film della maturità di Ozu. Il regista giapponese racconta una storia semplice con i temi portanti della sua filmografia.

I racconti della luna pallida d’agosto

Giappone, fine del XVI secolo: il vasaio Genjurō e suo fratello Tobei, vivono con le loro mogli Miyagi e Ohama in un villaggio della regione di Omi; Genjurō, convinto di poter guadagnare molti soldi vendendo la propria merce nella città vicina, si reca nella contea di Omizo insieme a Tobei, che si unisce a lui col solo scopo di poter diventare un samurai. Leggenda e innovazione del linguaggio cinematografico, un mondo meraviglioso accanto ad un mondo brutale e crudele. Film misterico che apre un discorso con i piani invisibili dell’esistenza, fantasmi e incursioni nel fantastico, realizzato da Kenji Mizoguchi in un Giappone ancora raggelato dalle due bombe atomiche sganciate su Hiroshima e Nagasaki.

Il tempo del raccolto del grano

Noriko, una segretaria di Tokyo, risiede a Kamakura con la sua famiglia insieme ai suoi genitori Shūkichi e Shige, suo fratello maggiore Kōichi, un medico, sua moglie Fumiko e i loro 2 ragazzi Minoru e Isamu. Gli amici di Noriko sono divisi in 2 gruppi, gli sposati ed i single, che si prendono in giro costantemente, con Aya Tamura che è la sua stretta alleata nel gruppo single. Splendido dramma sull’unità della famiglia che fa parte della trilogia tematica di Ozu che viene definita La trilogia di Noriko: Tarda primavera, Il tempo del raccolto del grano e Viaggio a Tokyo.

La stagione del sole

La dolce vita dei ricchi giovani giapponesi della sottocultura Sun Tribe che si ispirava allo stile di vita occidentale alla fine degli anni ’50, tra lussuria e violenza, sci d’acqua e motoscafi. Una storia di amore, passione e tradimento.  Capolavoro quasi sconosciuto in Occidente, fece scandalo all’epoca della sua uscita. E’ il film che apre la strada e ispira la Nouvelle Vague giapponese.

La porta dell’inferno

Durante la ribellione di Heiji, in Giappone, nel 1159, Lord Kiyomori si allontana dal suo castello per andare a combattere. Mentre è assente alcuni signori locali tentano un colpo di stato per impadronirsi del Castello Sanjo. Vincitore dell’Oscar per il miglior film straniero e per i migliori costumi, gran premio a Cannes, diventato poi un film perduto per 50 anni, La porta dell’inferno è un film figurativamente impressionante, forse l’esempio più abbagliante della fotografia a colori giapponese degli anni ’50.

Una pagina di follia

 In un manicomio di campagna, sotto una pioggia torrenziale, il custode incontra i pazienti affetti da malattia mentale. Il giorno dopo arriva una giovane donna che è sorpresa di trovare suo padre lì che lavora come custode. La madre della donna è impazzita tempo primo a causa del marito, quando era un marinaio.  Film indipendente girato con un budget quasi inesistente e poi perduto per quarantacinque anni. Fortunatamente il regista lo ha riscoperto nel suo archivio nel 1971. Si tratta di un film realizzato da un gruppo di artisti d’avanguardia giapponesi, la Scuola di nuove percezioni.

Elegia di Osaka

Ayako Murai è una operatrice telefonica per la ditta farmaceutica Asai, nella città di Osaka del 1930. Per pagare i debiti di suo padre, disoccupato e minacciato di arresto per non aver restituito un prestito, accetta di diventare l’amante del suo datore di lavoro. Film sulla condizione della donna, come grande parte della filmografia di Mizoguchi. La protagonista è una vittima di una società patriarcale e maschilista dove il denaro è il valore dominante. Film magistrale per la descrizione realistica della città di Osaka, lirico e lucidità nella sua critica sociale. Mizoguchi riferendosi a questo film, disse: “Solo verso i quarant’anni ho trovato la mia strada”. La semplicità del racconto e dello stile è, in Elegia di Osaka, esemplare.

I musici di Gion

Remake di uno dei primi film di successo di Mizoguchi del 1936. La storia si svolge a Kyoto e segue Eiko, una giovane che vuole diventare geisha e chiede alla più anziana Miyoharu di insegnarle il mestiere. Uno dei suoi primi clienti cerca di violentarla ma Eiko si difende con violenza e lo manda all’ospedale. È una vicenda drammatica, scandita da tempi dilatati e lunghi piani-sequenza e con una macchina da presa che resta lontana e distaccata dai personaggi.

I bambini di Hiroshima

Takako Ishikawa è un insegnante al largo della costa di Hiroshima e non è tornato nella sua città colpita dalla bomba atomica da 4 anni. Il suo viaggio a Hiroshima diventa un viaggio nella sua patria distrutta, alla ricerca di vecchi amici sopravvissuti. La città è stata quasi ricostruita, ma la tragedia è ancora molto presente: i volti sfigurati, le membra rattrappite, le donne sterili e i bambini minorati senza allegria.

Film girato con sobrietà, mostra la tragedia della bomba solo in un breve flashback dalla protagonista in pochi secondi di immagini allucinanti. La breve scena però rimane sempre presente nella mente di lei come nella mente dello spettatore. Il tono di Kaneto Shindo non è quello di un resoconto storico ma quello di un’emozione lirica intensa e trattenuta, che cerca la sua essenza nei dettagli. Nel cielo, finalmente, un aereo passa: gli occhi della maestra sono colmi d’angoscia, quelli del bambino sono soltanto puri e curiosi.

L’isola nuda

Marito e moglie vivono con i propri figli su un’isola selvaggia dove le condizioni di sopravvivenza sono molto difficili. Il duro lavoro dei campi, la monotonia delle giornate e il lutto per la morte di uno dei figli rendono difficile la loro vita. Ogni tanto devono spostarsi dalla loro piccola isola per approvvigionarsi di cibo e acqua nelle isole maggiori. L’uomo e la donna cercano di continuare a coltivare il loro terreno e combattere la rassegnazione di fronte alle avversità della vita. 

Un film coraggioso di Kanedo Shindo che si affida esclusivamente la narrazione alla musica ed ai rumori. Il film vince il Gran Premio al Moscow International Film Festival e riscuote un grande successo di pubblico sia in Giappone che all’estero.

Onibaba – Le assassine

La componente estetica del cinema di Kaneto Shindo è evidente in Onibaba, film horror che racconta la storia di due donne abbandonate a sé stesse che vivono derubando e uccidendo Samurai sbandati. 

Ispirata ad un’antica fiaba buddista il film racconta la storia di due donne che vivono in estrema povertà, in una capanna sulla riva di un fiume. Sopravvivono uccidendo e derubando i samurai stremati dai combattimenti, con delle tecniche che hanno affinato nel tempo. 

Un giorno un vicino di casa, Hachi, comunica alle due donne che il il figlio di una di loro, andato in guerra, è morto. L’uomo si propone anche di aiutarle nei loro furti e nei loro omicidi. Ma le donne non si fidano e rifiutano. Ma con il tempo una delle due si innamorerà lentamente di Hachi. Una notte la donna uccide con una delle trappole collaudate un possente cavaliere con un inquietante maschera. Ma quando gli toglie la maschera scopre che dietro ci sono i tratti non umani di uno spaventoso demone.  

Kuroneko

Altro film horror di Shindo particolarmente interessante è Kuroneko. Nell’epoca giapponese Jidai-geki, che parte dal XVII secolo, una terribile guerra civile dilania i villaggi del paese. Due donne che vivono in una casa di bambù vengono violentate e uccise da un gruppo di samurai senza scrupoli. Tempo dopo, nella stessa zona, alcuni samurai vengono ritrovati morti dissanguati. Il governatore invia un valoroso samurai allo scopo di indagare. 

Kaneto Shindo è stato un cineasta indipendente poco incline al compromesso. Shindo sconta forse eccessivamente l’incapacità di scegliere fra i modelli della tradizione e quelli invece offerti dal ondata del Nuovo Cinema degli anni 60. 

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