Una coppia di anziani viene in città per far visita ai nipoti e ai figli. I loro figli sono frenetici e gli anziani sono un problema per la loro quotidianità. Anche i figli dovranno mettersi in viaggio. Da questi due aspetti Yasujiro Ozu ha realizzato uno dei più grandi film di tutti i tempi. Viaggio a Tokio (1953) non ha nostalgie e sentimentalismi. Un film che dura più di due ore e che può aiutarci a trovare una maggiore consapevolezza, come molti film e libri creati in Oriente.
È un film giapponese realizzato 50 anni fa che parla delle nostre famiglie, della nostra natura, dei nostri difetti e della nostra goffa ricerca di amore e significato. Le nostre vite ci rendono troppo frenetici per le nostre famiglie. Quando c’è la possibilità a un evento familiare di condividere le nostre insoddisfazioni e speranze, parliamo delle condizioni meteorologiche e guardiamo la televisione o i social network.
Ozu non è solo un ottimo istruttore, ma anche un ottimo regista e, dopo aver capito i suoi film, un buon amico. Se comprendiamo Ozu, capiamo che non sono necessari vertiginosi movimenti della cinepresa, che la musica non sarà mai utilizzata per commentare o evidenziare i sentimenti, che la comunità potrebbe essere quella in cui la storia si svolge, tuttavia non importa. Ozu utilizza “colpi di cuscino” come le parole del cuscino nella poesia giapponese, girando i suoi film con immagini espressive della vita quotidiana.
La trama del film
La sua cinepresa non è sempre 3 piedi sopra il pavimento (il livello degli occhi di un giapponese seduto su un tatami), ma in genere lo è. Siamo molto più in grado di valutare una struttura grazie al fatto che Ozu ci permette di osservarne i pesi, le linee e i toni, che mostrano costantemente la sua sensazione specifica sulla scena.
Non muove quasi mai la sua macchina da presa. Se c’è movimento in un film di Ozu, viene dalla natura o dagli individui, non dalla cinepresa. Lo spazio è inquadrato prima che le persone entrino e il taglio della scena avviene dopo che escono dall’inquadratura. Spesso i personaggi parlano poco ma fanno capire molto di loro; il vecchio papà in Viaggio a Tokio dice “sì”, in alcuni casi no, sceglie di tenere le sue idee per sé.
Qualcuno va al cinema per godersi le scenografie? Un design elegantemente raffinato come i volti dei personaggi e le location di Ozu è un viaggio sulle impalpabili sottigliezze della vita quotidiana. Shukichi, il nonno, è interpretato da Chishu Ryu, una delle star preferite di Ozu; Tomi, la nonna, è interpretata da Chiyeko Higashiyama. Ha un’espressione semplice, una grazia nobile e decaduta. Scopriamo era succube dall’alcool da giovane, poi ha smesso.
A vivere in casa con loro c’è la loro figlia più piccola Kyoko. A Tokyo, il loro primo figlio Koichi è un medico in un centro comunitario, ma non proprio come immaginato da sua madre e suo padre. Il secondo figlio è rimasto ucciso nella seconda guerra mondiale; la loro nuora Noriko (l’eccellente star Setsuko Hara) in realtà non si è mai risposata e vive a Tokyo.
Quando la mamma e il papà arrivano in città Ozu ci descrive in sole 2 parole di discussione tra i personaggi come le generazioni di questa famiglia sono ormai lontane. Gli anziani passano la maggior parte dei giorni “riposando” a casa perché nessuno è completamente libero per portarli in giro per la città. Quando Koichi porta i dolci a casa per i genitori, Fumiko afferma che sono troppo costosi e che i vecchi non li apprezzerebbero; mentre ne discutono, li mangiano.
Shukichi e Tomi non sono venuti a Tokyo per andare in un centro benessere, tuttavia sono d’accordo quando i figli propongono loro la vacanza. In albergo vediamo giovani individui che ballano e giocano a carte, e poi, 2 paia di scarpe ben accostate fuori dalla porta della vecchia coppia. I due anziani passano molto tempo seduti fianco a fianco.
Tomi va a casa di Noriko, e Shukichi raggiunge un vecchio amico in città. Mentre il vecchio padre beve con i suoi amici, gli uomini si lamentano dei loro figli e della loro vita, e vediamo come l’alcol fa cadere le loro maschere orientali di imperturbabilità: anche dentro di loro si agitano i conflitti. Per tutto il film, Tomi e Shukichi discutono della loro frustrazione con discrezione, con il linguaggio non verbale, mentre le loro sensazioni autentiche sono nascoste sotto la superficie.
Guarda il film
Viaggio a Tokyo: i temi del film
In termini di dramma familiare, c’è stato qualche film più commovente di Tokyo Story di Yasujiro Ozu, nel cinema giapponese e mondiale? I bambini hanno bisogno di mamme e papà e hanno bisogno di sopravvivere a loro. Mentre le condizioni cambieranno e tutto va avanti e i tuoi figli finiranno per essere mamme e papà, così la tua vita si chiuderà e tu non sarai lì per vedere i tuoi figli che si guardano indietro e arrivano a comprendere i genitori quando non ci sono più.
È un disastro o è divertente? Ozu non è mai abbastanza sicuro. Sembra chiedersi se qualsiasi sviluppo possa arrivare fino alla catastrofe, o se non sia semplicemente inevitabile come il passare del tempo. Il pubblico deve passare attraverso lo stile riflessivo di Ozu, guardando le inquadrature a un livello basso, dove si svolge la vita domestica giapponese.
Il film è una pietra miliare del cinema mondiale ma ha comunque provocato l’abbandono di alcuni critici alle sue prime proiezioni, e c’erano molti anche in Giappone che dissero che Ozu era fuori moda. Quali qualità uniche hanno reso Viaggio a Tokio così immortale? E perché questa storia sulla famiglia e sulle generazioni risuona così tanto nel pubblico, anche al di là degli altri eccellenti film di Ozu?
Il sondaggio Sight & Sound sui “più grandi film di tutti i tempi” nel 2012 ha visto i critici di tutto il mondo votarlo congiuntamente come il miglior film non in lingua inglese, inserito nella posizione numero 3 dietro Vertigo (1958) e Citizen Kane (1941). Successivamente è stato votato come miglior film di sempre, mentre un precedente sondaggio condotto dalla rivista cinematografica di punta del Giappone Kinema Junpo nel 2009 ha visto i critici dichiararlo la migliore produzione nazionale di sempre, appena prima di Seven Samurai (1954).
Viaggio a Tokio potrebbe non avere la grandiosa visione e l’esuberanza stilistica che ci si può aspettare da un’opera della sua statura. I suoi personaggi non sono né teppisti né eroi, ma membri di una normale famiglia borghese. I loro comportamento è rapidamente riconoscibile da chiunque.
Viaggio a Tokio proviene da una categoria alla quale, nel secondo dopoguerra della sua professione, Ozu era quasi esclusivamente dedicato: il dramma familiare. La sua ispirazione era vagamente basata su un precedente film americano, Make Way for Tomorrow (1937), diretto da Leo McCarey. Lo stile, tuttavia, è inequivocabilmente quello del suo creatore.
In questa opera è fondamentale il contributo di Kogo Noda, lo sceneggiatore di lunga data di Ozu in oltre la metà dei suoi lavori, da The Sword of Penitence (1927) al suo ultimo film, An Autumn Afternoon (1962). Ozu ha pensato alla sceneggiatura del film come a un piano da seguire con precisione.
Viaggio a Tokyo: lo stile di Ozu
Lo stile di Ozu inizia da Brothers and Sisters of the Toda Family (1941). In seguito il regista ha investito il resto della sua vita per rifinirlo. Quel film, che illustra le varie generazioni di una famiglia allargata colpite dalla morte del suo patriarca, può essere visto come un precursore di Viaggio a Tokio.
Viaggio a Tokio è il terzo film della Trilogia di Noriko con il personaggio di Noriko interpretato da Setsuko Hara. In Tarda primavera (1949), è la figlia devota, convinta dalla zia a sposarsi e a lasciare la casa al suo adorabile padre vedovo. Il tempo del raccolto del grano (1951) vede ancora una volta Noriko, che vive con sua madre, suo padre e con la famiglia di suo fratello. E’ una ragazza single spinta verso una relazione coniugale, mentre in Viaggio a Tokio, Noriko si sente obbligata a vivere da sola, sposata solo alla memoria del suo defunto marito, nonostante le suppliche della vecchia coppia per iniziare una nuova vita.
Questo tipo di intertestualità è sottolineato dal casting di Ozu degli stessi attori all’interno del suo lavoro. Solo 15 anni più grande di Hara, Chishu Ryu ha interpretato il padre in Tarda primavera, il fratello maggiore in Il tempo del raccolto del grano e suo suocero in Viaggio a Tokyo, che evidenzia adattabilità di questo membro dell’entourage di Ozu, che aveva allora appena 47 anni.
Ozu ha scoperto gli sguardi dei bambini più puri, più implacabili e più crudeli di quelli degli adulti, ha scritto il regista Kiju Yoshida nel saggio Anti-Cinema di Ozu, una rivalutazione di un regista visto come vecchio stile e conservatore dai suoi colleghi negli anni ’60. “Gli adulti desiderano che i bambini siano adorabili e innocenti, tuttavia i bambini si comportano come vogliono”.
L’accoglienza del pubblico e della critica
Molto falso misticismo ha offuscato Ozu e si è rivelato scoraggiante per coloro che non conoscono il Giappone e le sue usanze creative. Parole e idee come Zen, trascendentalismo, termine spesso citato come “mono no mindful”, tipicamente inteso in relazione al pathos o alla caducità delle cose, sono spesso sbandierate dai critici, creando una cortina fumogena attorno alla chiara semplicità della sua narrazione e del suo metodo.
Il procedimento di Ozu è quello della poesia, in un contesto che rovina la routine e la famiglia, mettendo in ogni parola, in ogni immagine, la sua freschezza e serietà. Indipendentemente dal sostenere l’universalità del lavoro di Ozu sul suo esotismo superficiale, il regista è vicino ai maestri del disegno a inchiostro del Giappone, ai maestri del waka e dell’haiku.
Definito come il più giapponese di tutti i registi giapponesi, Ozu non ha nascosto l’impatto di registi di Hollywood come Ernst Lubitsch e Harold Lloyd nei suoi primi film. Parte della sua difficoltà di distribuzione nel mondo può essere attribuita al capo degli studi Shochiku, dove Ozu ha realizzato tutti i suoi 54 film. Il manager dello studio era preoccupato che il pubblico straniero non potesse capire i suoi lavori, in un periodo in cui i film western superavano di molto gli incassi al botteghino dei drammi di Akira Kurosawa o Kenji Mizoguchi.
Quindi Ozu, che lavorò praticamente esclusivamente nel campo dei drammi moderni, o gendai-geki, finì per essere l’ultimo dei maestri a farsi un nome a livello mondiale. Viaggio a Tokyo è stato il suo primissimo film proiettato all’estero, all’inaugurazione del London Film Festival nel 1957. Le primissime retrospettive fuori dal Giappone arrivarono più tardi, nel 1963, anno della morte di Ozu al suo sessantesimo compleanno.
Viaggio a Tokyo, una storia senza tempo
Molti in Giappone hanno giudicato il meticoloso concentrarsi di Ozu sul microcosmo della famiglia come conservatore, fuori dalla storia e reazionario durante gli anni del dopoguerra di grande sviluppo finanziario e urbanizzazione. Le occasioni storiche del mondo reale non sembrano mai intromettersi nelle rappresentazioni casalinghe di Ozu. Nei film successivi, il mondo intero esiste in una famiglia, i personaggi sono membri della famiglia invece che membri di una società.
Le mamme e i papà vedono, anche se potrebbero non affermarlo ad alta voce, che i loro figli non sono le persone di successo che pensavano. Il messaggio è chiaro: la vita nella Tokyo del dopoguerra è finanziariamente molto difficile e per niente attraente.
Il cinema di Ozu è una meta-critica della drammaturgia cinematografica, un rifiuto delle grandi storie e l’artificio del cinema. I suoi film osservano gli umani da prospettive alternative. Viaggio a Tokyo non è una storia su Tokyo, tuttavia può essere vista come uno sguardo sulla vecchia coppia dal punto di vista di Tokyo.
Perché, potremmo chiederci, Viaggio a Tokyo è indicato come il migliore tra i tanti altri film del dopoguerra? Nonostante l’ingenua semplicità dei personaggi di Ozu c’è un atemporalità nel loro comportamento che rende Viaggio a Tokyo molto più di una semplice storia di un divario spazio generazionale in una certa epoca. La vita moderna applica le proprie pressioni sulla famiglia. e questo è ancora più vero oggi. I personaggi del film, le loro relazioni, le loro interazioni e le loro aspettative rimangono riconoscibili nel corso dei secoli.