Quando si tratta di definire i capolavori della storia del cinema capita di trovare classifiche di ogni tipo, per ogni tipo di pubblico e manipolate dal marketing delle grandi case di produzione. Classifiche che poco o nulla hanno a che vedere con l’arte cinematografica. Capita di vedere inseriti in queste liste film così commerciali che viene da chiedersi se costoro che le hanno scritte si siano voluti prendere gioco dei lettori o se davvero credono che certi film siamo grandi capolavori senza tempo.
Se pensi che Star Wars, Salvate il soldato Ryan, Titanic, Toy Story o l’ultimo film del regista intellettuale alla moda che ha vinto un premio a Cannes siano da inserire tra i grandi capolavori della storia del cinema allora smetti di leggere, questo articolo non è per te. Ci sono tonnellate di blog e riviste che ti raccontano qualsiasi cosa per i motivi più svariati, commerciali o culturali. L’autorevole accademia a livello mondiale di Pinco Pallino potrebbe inserire nella lista anche Jurassic Park.
Se invece vuoi fare un poco di chiarezza e capire cosa va davvero oltre le mode del momento e farti un’idea a proposito del vero cinema d’arte, il cinema concepito e pensato per andare oltre il tempo e lo spazio in cui viviamo, nella visione di quello che viene inteso e percepito come arte nella Tradizione millenaria, in cui il cinema è l’ultimo arrivato, allora questa lista di capolavori cinematografici è per te.
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Nosferatu (1922)
Thomas Hutter viene inviato in Transilvania dalla sua azienda, il rappresentante immobiliare Herr Knock, per visitare un nuovo cliente chiamato Conte Orlok che intende acquistare una residenza dalla stessa casa di Hutter. Mentre si imbarca nel suo viaggio, Hutter esce in una locanda dove i residenti vengono spaventati dalla semplice menzione del nome di Orlok.
La terra dei fantasmi e il richiamo dell’Uccello della Morte: uno dei primi (sebbene non autorizzati) adattamenti di Dracula è ancora uno dei più angoscianti. L’efficienza da insetto di Max Schreck nei panni del sanguinario Conte Orlok è altrettanto travolgente e indesiderabile come lo era praticamente un secolo fa. Le immagini inquietanti di un mondo crepuscolare del regista espressionista tedesco FW Murnau hanno stabilito lo standard agghiacciante per generazioni di film dell’orrore futuri.
La corazzata Potemkin (1925)
Questo dramma imperdibile muto russo è stato sviluppato nel caldo della propaganda sovietica e utilizzato dal governo comunista per celebrare un evento di 20 anni prima. Racconta di una ribellione di marinai che si trasforma in una vera e propria rivolta dei lavoratori nella città di Odessa; il film è famoso soprattutto per una sequenza spettacolare – molto imitata e parodiata – di una carrozzina che rotola giù dalla scalinata di Odessa. La corazzata Potemkin è piena di immagini potenti e idee inebrianti, e il regista Sergei Eisenstein è giustamente considerato uno dei pionieri del linguaggio cinematografico, con la sua influenza enorme nel corso dei decenni.
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Come vinsi la guerra (1926)
Per compiacere Annabelle, Johnnie si affretta a essere il primo della fila per arruolarsi nella guerra civile americana, tuttavia viene rifiutato perché è molto più utile come ingegnere, anche se non è informato del motivo reale. All’uscita, incontra il padre e anche il fratello di Annabelle, che gli fanno cenno di unirsi a loro in fila, ma si allontana, lasciandoli con l’impressione che non desideri arruolarsi.
Il bambino prende il treno. Il ragazzo perde il treno. Il ragazzo insegue le pressioni dell’Unione che hanno rubato il treno, recupera il treno e termina anche con le istruzioni contrarie. Potrebbe non sembrare la tua normale storia d’amore, ma è esattamente ciò che è la commedia impassibile di uno degli artisti fondamentali della storia del cinema, Buster Keaton. Un’impressionante dimostrazione di tecnica fotografica, ritmo e tempismo comico, il tutto sostenuto da un sentimento genuino. Fidati di noi, è un film da vedere assolutamente: è come una locomotiva.
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La passione di Giovanna d’Arco (1928)
Dopo aver guidato i francesi in numerosi combattimenti contro gli inglesi durante la Guerra dei Cent’anni, Giovanna d’Arco viene arrestata vicino a Compiegne e infine portata a Rouen per essere processata per eresia da ecclesiastici francesi. Il 30 maggio 1431 Giovanna viene interrogata dalla corte clericale francese. Le sue corti, che sono contro il re di Francia, tentano di farle dire qualcosa a proposito della sua convinzione che le sia stato dato un obiettivo da Dio. Un sacerdote legge una lettera falsa nella prigione di Giovanna, apparentemente del re Carlo VII di Francia.
Il regista Carl Theodor Dreyer mostra rigore con ambientazione e montaggio; il film si concentra in gran parte sull’andirivieni tra Joan ei suoi inquisitori. Realizzato alla fine dell’era del muto, un grandioso dramma storico da vedere assolutamente perché ha stabilito nuovi standard nella recitazione cinematografica, perché ha portato ad un nuovo livello il cinema di avanguardia degli anni ’30. E per altri 100 motivi.
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M, Il mostro di Dusseldorf (1931)
Una donna apparecchia la tavola per il pranzo, aspettando che la sua bambina rientri da scuola. Un poster avverte di un serial killer che cattura i bambini, mentre mamme e papà ansiosi aspettano fuori da una scuola. La piccola Elsie Beckmann lascia il college, facendo un giro mentre torna a casa. Il killer le compra un palloncino da un venditore ambulante cieco e cammina e parla anche con lei. Il posto di Elsie al tavolo della cena rimane vuota, e il suo pallone viene versato nelle spese delle linee telefoniche.
Uno di quei film epocali – ce n’è solo una manciata – che si trova sul confine tra il cinema muto e l’era del suono ma attinge alle virtù di entrambi, il film sul serial killer brucia con una profonda oscurità visiva mentre rallegra le orecchie con il suo fischietto “Nella sala del re della montagna” (interpretato da uno stesso Lang con le labbra da borsetta; la sua star, Peter Lorre, non sapeva fischiare). Il tema del film è la vigilanza: dobbiamo proteggere i nostri figli, ma chi proteggerà la società da se stessa? Capolavoro da non perdere del leggendario regista Fritz Lang.
Luci della città (1931)
Il vagabondo incontra la splendida signora dei fiori all’angolo di una strada e nel corso dell’acquisto di un fiore capisce che è cieca; è rapidamente colpito. La donna scambia il vagabondo per un uomo ricco quando la porta di un veicolo con autista si chiude sbattendo mentre se ne va.
Chaplin, reticente a rinunciare alle tecniche visive che aveva imparato, ha insistito per fare della sua nuova commedia un film muto anche se gli spettatori volevano film sonori. Come sempre, la star ha avuto l’ultima risata: non solo il film è stato un enorme successo commerciale, ma si è anche concluso con il primo piano più straziante della storia del cinema, l’apice dell’emozione, nessun dialogo richiesto.
Vampyr (1932)
Uno dei più grandi film horror più spaventosi di tutti i tempi. A tarda notte, Allan Gray si reca in una locanda vicino alla comunità di Courtempierre e paga una stanza per riposarsi. Gray viene inaspettatamente disturbato da un vecchio, che si insinua nello stanza e lascia sul tavolo una scatola quadrata: sulla confezione di copertura è scritto “Da aprire alla mia morte”. Gray prende i bagagli e si dirige verso un vecchio castello dove vede una vecchia e un vecchio. Guardando tra le finestre di casa, Gray vede il proprietario del castello, lo stesso uomo che gli ha fornito il pacchetto. L’uomo viene ucciso da un colpo di arma da fuoco.
Vampyr è un film sui vampiri realizzato negli anni del cambiamento tra il cinema sonoro e il cinema muto, utilizzando il linguaggio estetico del precedente per portare lo stile horror proprio nella nuova era. In Vampyr regna una costante sensazione di ansia e presenze invisibili che si aggirano in ogni angolo. La fotografia di Rudolph Maté documenta ogni sfumatura di luce e oscurità in una danza straordinaria. Immagini pittoriche entrate nella storia del cinema, come quello di un uomo con una falce che suona un campanello così come l’indicazione di una locanda che sporge contro un cielo oscuro. Scene di culto come quella in cui Allan viene messo dagli scagnozzi del vampiro in una bara, in cui Dreyer utilizza un claustrofobico punto di vista soggettivo. Un film grandioso di Carl Theodor Dreyer.
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Sazen Tange e la pentola da un milione di Ryo (1935)
“Sazen Tange and the Pot Worth a Million Ryo” (in giapponese: “Tange Sazen Yowa: Hyakuman Ryo no Tsubo”) è un film giapponese del 1935 diretto da Sadao Yamanaka. Il film è un adattamento cinematografico di una novella giapponese del XVIII secolo scritta da Kyokutei Bakin.
La trama del film segue le avventure di Sazen Tange, un abile spadaccino con una mano sola, alla ricerca di un antico vaso giapponese dal valore di un milione di ryo. Nel corso della sua ricerca, Sazen incontra diversi personaggi eccentrici e si scontra con numerosi nemici, impegnandosi in duelli spettacolari.
Il film è considerato un classico del cinema giapponese e ha influenzato numerosi registi successivi. In particolare, il personaggio di Sazen Tange è diventato un’icona della cultura popolare giapponese e ha ispirato molte opere cinematografiche e televisive.
Purtroppo, il regista Sadao Yamanaka morì pochi anni dopo l’uscita del film, durante la Seconda guerra mondiale, rendendo “Sazen Tange and the Pot Worth a Million Ryo” una delle sue ultime opere. Tuttavia, la sua influenza nel cinema giapponese è ancora molto forte e il film rimane un’opera molto amata dalla critica e dal pubblico.
Tempi moderni (1936)
Il vagabondo lavora su una catena di montaggio, dove soffre notevolmente a causa dello stress e dell’ansia e anche della velocità del lavoro. In prigione, ingerisce inavvertitamente cocaina di contrabbando e, nel suo successivo delirio, evita di essere rimesso in cella. Quando viene informato che sarà presto famoso a causa delle sue azioni coraggiose, dice che preferisce la vita in prigione.
Tra i più bei film divertenti di tutti i tempi, incessantemente fantasioso, raramente ha bisogno di presentazioni. Le gag arrivano quasi con la stessa rapidità con cui puoi elaborarle, con lo stile di Chaplin evocato qui da circostanze che sembrano costruite appositamente per finire in una catastrofe.
Le regole del gioco (1939)
L’aviatore André Jurieux arriva a Parigi dopo aver attraversato l’oceano con il suo aereo. Viene accolto dal suo amico Octave, che informa André che Christine, la nobildonna austro-francese, non è venuta a salutarlo. La relazione passata di Christine con André è accettata dal suo partner, dalla sua cameriera e dal loro amico Octave.
Jean Renoir ha cementato la sua maestria con questa ricerca perfetta degli strati sociali tra gli stupidi, oziosi, in procinto di essere spazzati via dalla seconda guerra mondiale. Le questioni tra gli aristocratici e i servitori fioriscono durante una battuta di caccia di una settimana in un castello, dove l’unico crimine è scambiare la frivolezza con la sincerità. Una commedia drammatica da vedere assolutamente, in cui Renoir filma il suo cast scintillante con movimenti di camera fluidi e profondi, uno stile che ha motivato registi come Orson Welles e Robert Altman.
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La signora del Venerdì (1940)
Walter Burns è editore del giornale The Morning Post che apprende che la sua ex moglie e anche precedente giornalista di punta, Hildegard “Hildy” Johnson, sta per sposare l’ottuso assicuratore Bruce Baldwin e per fare un vita tranquilla come moglie e madre ad Albany, New York. Walter, decide di evitare che ciò accada e attira una riluttante Hildy a coprire un’ultima storia: l’imminente esecuzione di Earl Williams, un contabile ritenuto colpevole dell’omicidio di un agente di polizia afroamericano. Nonostante Hildy insista fermamente sul fatto che lei e Bruce prenderanno un treno notturno per Albany per sposarsi il giorno dopo, Walter tenta di incoraggiarla dicendo che è l’unica che può comporre una storia per salvare Williams, ingiustamente condannato.
Tra i tanti film di alto livello diretti dal regista Howard Hawks, His Girl Friday è il suo più incantevole e prolisso. Il laconico Hawks avrebbe minimizzato il proprio proto-femminismo per tutta la vita, il film è anche il suo più libero; le donne forti che avevano un lavoro e lavoravano meglio dei giornalisti maschi erano semplicemente ciò che voleva vedere. Un divertente capolavoro della commedia. Se ami le parole, adorerai questo film.
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Fantasia (1940)
Fantasia è un film d’animazione prodotto dalla Walt Disney Productions e uscito nel 1940. Si tratta di un’opera innovativa e sperimentale per l’epoca, poiché il film mescola animazione e musica classica per creare una sorta di “sinestesia” tra i sensi dell’udito e della vista.
Il film è composto da otto segmenti, ognuno dei quali è accompagnato da una colonna sonora composta da grandi musicisti come Beethoven, Tchaikovsky, Stravinsky e Bach. Gli segmenti, animati da alcuni dei migliori artisti dell’epoca, includono scene di balletto, danza delle fatine, lotta tra il bene e il male e molto altro.
Uno dei segmenti più famosi di Fantasia è probabilmente “La Sagra della Primavera” di Stravinsky, che racconta l’evoluzione della vita sulla Terra, dalla nascita del sole fino alla comparsa dei dinosauri. Il segmento è stato criticato all’epoca per la sua brutalità e violenza, ma è diventato una pietra miliare dell’animazione moderna.
Fantasia è stato un grande successo al botteghino, ma ha incontrato reazioni miste da parte della critica. Tuttavia, negli anni successivi è diventato un cult movie, apprezzato sia per la sua bellezza visiva che per la sua audacia artistica. Il film è stato inoltre molto influente sulla cultura popolare, e ha ispirato molti altri film e produzioni artistiche.
Quarto potere (1941)
In un castello chiamato Xanadu, parte di un’enorme tenuta in Florida, l’anziano Charles Foster Kane è sul letto di morte. Tenendo in mano un oggetto che rappresenta un paesaggio innevato, pronuncia una parola, “Rosabella”, e muore anche lui. Un necrologio di un cinegiornale racconta la storia della vita di Kane, un editore di giornali enormemente ricco e magnate industriale. La morte di Kane diventa una notizia strabiliante in tutto il mondo, così come il produttore del cinegiornale incarica il giornalista Jerry Thompson di scoprire il significato di “Rosabella”.
Thompson si propone di intervistare i partner e gli amici intimi di Kane. Attraverso le memorie scritte di Thatcher, Thompson scopre l’ascesa di Kane da una pensione del Colorado e la diminuzione della sua personale ricchezza.
ll dramma esistenziale di Kane – interpretato con inesauribile talento dall’attore e regista prodigioso Orson Welles – da bambino disprezzato a barone della stampa. Puoi immergerti nei metodi rivoluzionari del film, come la fotografia a fuoco profondo di Gregg Toland, la genialità della sua messa in scena così come il suo esame del capitalismo americano. È anche solo una storia dannatamente bella che non devi assolutamente perdere.
Il mistero del falco (1941)
A San Francisco nel 1941, gli investigatori privati Sam Spade e Miles Archer incontrano la potenziale cliente Ruth Wonderly. Più tardi quella notte, Spade viene svegliato da una telefonata della polizia che lo informa che Archer è stato ucciso. Dundy suggerisce che Spade abbia avuto l’opportunità e il motivo di uccidere Thursby, che probabilmente ha ucciso Archer.
Più tardi quella mattina, Spade incontra la sua cliente, che confessa di aver creato la storia e ora si fa chiamare Brigid O’Shaughnessy. Nel suo ufficio, Spade incontra Joel Cairo, che prima gli offre $ 5.000 per trovare una “figura nera di un uccello” per conto del suo presunto legittimo proprietario. Quando Cairo torna, assume Spade. Il film è stato presentato in anteprima a New York City il 3 ottobre 1941 ed è stato nominato per tre Academy Awards. E’ stato citato da Panorama du Film Noir Américain come il primo grande film noir. Tra i migliori film noir da vedere.
La fiamma del peccato (1944)
Nel 1938, il venditore di assicurazioni Walter Neff torna nel suo ufficio nel centro di Los Angeles con una ferita da arma da fuoco alla spalla e registra un’ammissione su un dittafono. Segue un flashback. Neff incontra l’affascinante Phyllis Dietrichson durante una visita a domicilio per consigliare al marito di ripristinare la sua polizza assicurativa per il veicolo. Phyllis chiede di acquisire un piano di assicurazione contro gli infortuni per il suo partner.
Il genere deliziosamente oscuro ed elegante del film noir semplicemente non esisterebbe senza La fiamma del peccato (Double indemnity). Questo ha davvero tutto: ricordi, omicidi, ombre e sigarette in abbondanza e, ovviamente, una subdola femme fatale (Barbara Stanwyck). Uno degli eccellenti registi dell’epoca d’oro di Hollywood, Billy Wilder si è distinto in una vasta gamma di generi cinematografici, tuttavia questa gemma hard-boiled è il suo lavoro più influente.
Roma, città aperta (1945)
Le truppe delle SS tedesche stanno cercando di incarcerare Giorgio Manfredi, ingegnere comunista e capo della Resistenza contro nazisti e fascisti italiani. Inizialmente crede che Giorgio sia un poliziotto, tuttavia quando lui chiarisce che è un confederato Giorgio gli chiede di trasferire messaggi e anche contanti a un gruppo di combattenti della Resistenza fuori città, poiché ormai è riconosciuto alla Gestapo e non può farlo da solo.
Pochi movimenti cinematografici possono vantare il tasso di successo del neorealismo italiano, un’ondata del secondo dopoguerra impegnata nella lotta della classe operaia che sembra costituire solo capolavori. Roberto Rossellini è stato responsabile film drammatici neorealisti, tra cui Germania Anno Zero e anche questo dramma di repressione e resistenza, che vanta non una ma due delle scene di morte più straordinarie di tutto il cinema.
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Ladri di biciclette (1948)
Nella comunità romana della Val Melaina del secondo dopoguerra, Antonio Ricci (Lamberto Maggiorani) è senza speranza di lavoro per mantenere la moglie Maria (Lianella Carell), il figlio Bruno (Enzo Staiola) e il figlio piccolo. Poiché il lavoro richiede una bicicletta informa Maria che non può comprarla. Maria toglie risolutamente dal letto delle lenzuola della sua dote – oggetti preziosi per una famiglia povera- e le porta al banco dei pegni, dove vengono pagate abbastanza denaro per comprare la bicicletta per Antonio.
Il capolavoro neorealista di Vittorio de Sica è ambientato in un mondo in cui possedere una bicicletta è la chiave per lavorare, ma potrebbe altrettanto facilmente essere ambientato in un mondo in cui l’assenza di un’auto, o di asili nido a prezzi accessibili, o di una casa, o di una previdenza sociale sono barriere insormontabili per mettere il cibo in tavola. Questo è ciò che lo rende allo stesso tempo un film per l’Italia del dopoguerra e per i giorni nostri ovunque.
Rashomon (1950)
La storia inizia nell’era Heian a Kyoto. Un taglialegna e un prete sono seduti sotto la porta della città di Rashōmon per rimanere asciutti sotto un acquazzone quando un cittadino comune (Kichijiro Ueda) si unisce a loro e iniziano a raccontare una storia estremamente inquietante riguardante uno stupro e un omicidio. Né il pastore né il taglialegna riconoscono come tutti i coinvolti potrebbero aver fornito sostanzialmente diversi resoconti della stessa identica storia.
Non è esagerato affermare che il Rashomon di Akira Kurosawa ha ridefinito la narrazione cinematografica e che è uno dei film imperdibili della storia del cinema. Con la sua struttura narrativa mutevole e inaffidabile – in cui 4 individui offrono resoconti diversi di un omicidio – il film è estremamente audace e funge anche da indicatore di come esattamente ognuno possa ingannarci. I richiami in realtà non sono mai stati distribuiti in modo così elettrizzante; quasi 70 anni dopo il suo lancio, i registi stanno ancora cercando di raggiungere i suoi risultati.
Umberto D. (1952)
Umberto D. è un film drmmatico italiano del 1952, diretto dal regista Vittorio De Sica, con protagonista Carlo Battisti nel ruolo di Umberto Domenico Ferrari, un pensionato che cerca di sopravvivere in una Roma post-bellica.
Il film racconta la struggente storia di un uomo anziano che cerca di far fronte alle difficoltà della vita quotidiana: l’affitto, la pensione insufficiente, l’isolamento sociale. Umberto D. vive con la sua fedele cagnolina, Flike, e cerca di mantenere il suo appartamento nonostante i continui richiami del proprietario.
Nonostante i suoi sforzi, Umberto D. non riesce a trovare un lavoro che gli permetta di mantenere il suo stile di vita. Cerca di vendere gli oggetti di valore, ma è costretto ad abbandonare l’idea a causa dei prezzi troppo bassi che gli vengono offerti.
La situazione di Umberto D. si aggrava quando viene ricoverato in ospedale per una malattia e scopre, al suo ritorno, che il proprietario ha deciso di sfrattarlo. Umberto D. cerca aiuto tra i suoi amici, tra cui la giovane governante Maria, ma si rende conto che nessuno può aiutarlo.
Il film si conclude con Umberto D. che, dopo aver cercato inutilmente di trovare una soluzione ai suoi problemi, decide di abbandonare il suo appartamento e di andare via con la sua cagnolina Flike.
Umberto D. è considerato uno dei capolavori del neorealismo italiano, un movimento cinematografico che si sviluppò dopo la Seconda Guerra Mondiale e che si caratterizzò per la rappresentazione realistica della vita quotidiana e delle difficoltà economiche e sociali dell’Italia del dopoguerra. Il film è stato apprezzato per la sua delicatezza e la sua profonda umanità, che hanno reso Umberto D. un’icona del cinema italiano e mondiale.
I racconti della luna pallida d’agosto (1953)
Nella città agricola di Nakanogō, sulla riva del lago Biwa nella provincia di Ōmi durante il periodo Sengoku, Genjūrō, un vasaio, porta le sue mercanzie nella vicina Ōmizo. È accompagnato da suo cognato Tōbei, che vuole essere un samurai. Un venerato saggio dice alla moglie di Genjūrō, Miyagi, di avvisarlo dei tumulti e degli attacchi al villaggio. Tornando con i profitti, Miyagi gli chiede di smettere di andare in paese a vendere i vasi, tuttavia Genjūrō lavora per finire le sue ceramiche. Quella notte, l’esercito di Shibata Katsuie spazza via Nakanogō.
Genjūrō decide di portare i suoi piatti ad un mercato diverso. Mentre le coppie attraversano il lago Biwa, una barca appare fuori dalla fitta foschia. L’unico viaggiatore dice loro di essere stato attaccato dai pirati, li ammonisce e muore. Gli uomini decidono di riportare le loro mogli a riva, ma Ohama, si rifiuta di tornare indietro.
Avidità, rispetto nei confronti dei propri familiari, la dignità del lavoro sincero sono alcuni dei temi di un capolavoro del cinema giapponese. Il film ha vinto il Leone d’argento alla Mostra del Cinema di Venezia del 1953 e anche altri riconoscimenti. Ugetsu è uno dei film più celebri di Mizoguchi, considerato dalla critica un’opera d’arte del cinema horror giapponese, accreditato per aver contribuito a promuovere il cinema giapponese in Occidente e influenzare il cinema giapponese successivo. E’ anche un film esoterico che può essere letto a diversi livelli.
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Viaggio a Tokyo (1953)
La coppia in pensione Shūkichi e Tomi Hirayama risiedono a Onomichi, nel Giappone occidentale, con la figlia Kyōko, un’educatrice di scuola elementare. La coppia si reca a Tokyo per vedere il figlio, la figlia e la nuora vedova. Il loro figlio maggiore, Kōichi, è un medico professionista che gestisce una piccola clinica nelle aree suburbane di Tokyo, così come la loro figlia maggiore, Shige, gestisce un parrucchiere. Kōichi e Shige sono entrambi molto impegnati con il lavoro e non hanno molto tempo per i loro genitori. Solo la loro nuora vedova, Noriko, la moglie del loro figlio medio Shōji, che si stava perdendo il lavoro e si credeva morta durante la Guerra del Pacifico, fa di tutto per stare con loro.
Il dramma familiare di Yasujiro Ozu è stato creato con rigore ed in modo impeccabile. Chishu Ryu e Chieko Higashiyama sono dignitosi e commoventi come genitori che visitano i loro nipoti e figli, solo per essere trascurati. Interpretato con delicatezza, perfettamente ripreso (di solito con la cinepresa a pochi centimetri da terra), l’opera d’arte di Yasujiro Ozu è un film che regala magnificenza e intimità.
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I sette samurai (1954)
Nel 1587, una banda di fuorilegge parla di irruzione in un villaggio di montagna, ma il loro capo decide di aspettare fino a dopo il raccolto. Gli abitanti del villaggio lo sentono e fanno affidamento su Gisaku, l’anziano della città e mugnaio, che afferma che devono assumere samurai per proteggerli. Dal momento che non hanno soldi e possono usare solo il cibo, Gisaku suggerisce loro di localizzare i samurai affamati. Un certo numero di abitanti del villaggio si reca in città e alla fine localizzano anche Kambei, un rōnin anziano ma esperto, che vedono salvare un bambino tenuto in ostaggio da un ladro messo alle strette. Un giovane samurai di nome Katsushiro chiede di diventare un devoto di Kambei. Film d’autore da non perdere, 207 minuti di cinema grandioso. Toshiro Mifune è superbo nei panni del sedicente samurai mezzo pazzo, ma è anche Takashi Shimura che dà al film la sua emozione.
Sansho, l’ufficiale giudiziario (1954)
Un virtuoso governatore viene bandito da un feudatario in una lontana provincia. Sua moglie, Tamaki, e i suoi bambini, Zushiō e Anju, vengono mandati da suo fratello. Prima di separarsi, il padre di Zushiō gli dice: “Senza grazia, il maschio assomiglia a un mostro. Anche se sei duro con te stesso, sii misericordioso con gli altri”. Invita il suo ragazzo a ricordare le sue parole e gli offre anche una statuetta di Kannon, la dea della misericordia. La madre viene introdotta nel mondo della prostituzione a Sado e i giovani vengono venduti da schiavisti in una tenuta di gente ricca in cui gli schiavi vengono brutalizzati e marchiati quando tentano di fuggire.
Il cinema giapponese aveva la capacità di girare storie di fantasmi impressionanti (Ugetsu) e drammi dietro le quinte (La storia degli ultimi crisantemi), tuttavia il suo più grande tratto era una profonda e incrollabile compassione per le donne, depresse dal patriarcato e straziate nella loro sofferenza. Un tema che attraversa gran parte dell’opera di Kenji Mizoguchi. Questo è uno dei suoi capolavori. Queste donne sono le protagoniste di Sansho l’ufficiale giudiziario, una dramma storico di dissoluzione familiare che ti colpirà sicuramente, sia dal punto di vista dello spettacolo cinematografico d’autore, sia per l’intensità della storia raccontata. Non scusarti per le tue emozioni.
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La trilogia di Apu (1955)
I 3 film comprendono una narrazione di un bildungsroman; sono tre film drammatici sull’iniziazione e sulla formazione che raccontano gli anni dell’infanzia, l’istruzione e anche la prima maturazione di un giovane bengalese di nome Apu (Apurba Kumar Roy) nella prima parte del XX secolo.
Il lamento sul sentiero
Nel primo film di Ray come regista Il lamento sul sentiero (Pather Panchali) vengono presentate le prime esperienze di Apu nel Bengala come figlio di una famiglia di casta alta. Il papà di Apu, Harihar, un bramino, ha difficoltà a mantenere la sua famiglia. Dopo la morte della sorella di Apu, Durga, la famiglia si trasferisce nella divina città di Benares.
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Aparajito (The Unvanquished)
Le risorse finanziarie della famiglia sono ancora scarse. Dopo che suo padre è morto lì, Apu e anche sua madre Sarbajaya tornano in una città del Bengala. Nonostante l’indigenza implacabile, Apu ottiene un’istruzione formale e finisce per essere un brillante tirocinante. Si trasferisce a Calcutta per cercare la sua educazione e apprendimento. Gradualmente prende le distanze dalle sue origini contadine e dalla madre che all’epoca non stava bene.
Apur Sansar (Il mondo di Apu)
Cercando di diventare un autore, Apu si scopre improvvisamente costretto a sposare una ragazza la cui madre ha rifiutato il suo sposo malato di mente il giorno della celebrazione del loro matrimonio. Il loro matrimonio si conclude con la sua morte durante il parto. Disperato Apu abbandona suo figlio, ma alla fine torna ad accettare i suoi doveri.
Stiamo barando includendo tutti e tre i film (Pather Panchali, Aparajito e Il mondo di Apu), ma in realtà, come si separano le puntate della magnifica trilogia di formazione di Satyajit Ray? Alcuni dei film indiani più belli mai girati, sono anche completamente riconoscibili, sia che tu provenga da Calcutta, Roma o New York. Film da vedere almeno una volta nella vita.
Un condannato a morte è fuggito (1956)
Sulla strada per il carcere, Fontaine, un membro della Resistenza francese, coglie la possibilità di sfuggire ai suoi rapitori tedeschi quando l’auto che lo porta è costretta a fermarsi, tuttavia viene rapidamente arrestato, picchiato per il suo tentativo di fuga, ammanettato e portato in prigione. Inizialmente è incarcerato in una cella della prigione dove può parlare con tre ragazzi francesi che si stanno allenando nel cortile. Gli uomini ottengono una spilla da balia per Fontaine, che gli dà la capacità di sbloccare le sue manette.
Si basa sulle memorie di André Devigny, un partecipante della Resistenza francese detenuto nella prigione di Montluc dai tedeschi occupanti durante la seconda guerra mondiale. Il protagonista del film si chiama Fontaine. Lo stesso Bresson fu messo dietro le sbarre dai tedeschi come partecipante alla Resistenza francese. La seconda parte del titolo ha origine dalla Bibbia.
Film capolavoro imperdibile: realizzato quasi tutto in una cella di prigione, con un solo attore, senza scenografie. Rigore assoluto, cinema assoluto. Il migliore di Bresson insieme ad Au hasard Balthasar.
Il settimo sigillo (1957)
Il cavaliere Antonius Block e il suo scudiero Jöns tornano dalle Crociate per scoprire il paese devastato dalla peste. Il cavaliere incontra la Morte, che sfida a scacchi, credendo di poter sopravvivere fintanto che il gioco continua. Il gioco che iniziano continua per tutto il racconto. Il cavaliere e il suo scudiero passano davanti a una carovana di attori: Jof e sua moglie Mia, con il loro bambino Mikael e anche l’attore-manager Jonas Skat. Svegliandosi presto, Jof ha una visione di Maria e Gesù.
Il grande dramma sulla morte di Ingmar Bergman non è un film qualunque, ma è uno dei film fondamentali della storia del cinema. E’ un’opera di profondo pensiero filosofico da vedere assolutamente almeno una volta. Ma anche 3, 4, 5, 6…
I 400 colpi (1959)
Il primo in assoluto di una raccolta autobiografica di cinque film, I 400 colpi di Francois Truffaut è la storia di Antoine Doinel (Jean-Pierre Léaud), bloccato in una miserabile vita familiare. Antoine trova conforto nel vagabondaggio, nel fumare e anche nel furto con i suoi amici. La più grande rievocazione del cinema di un’infanzia travagliata.
Un dramma sulla difficoltà di diventare adulti da vedere assolutamente, emozionante, poetico, sincero come raramente accade nel cinema. Il capolavoro che ha fatto decollare il movimento della Nouvelle Vague.
La donna che visse due volte (1958)
Dopo un inseguimento sul tetto, in cui un altro agente di polizia muore, l’investigatore di San Francisco John “Scottie” Ferguson si ritira per paura delle vertigini. Scottie tenta di superare la sua ansia, ma la sua ex fidanzata, la designer di indumenti intimi Marjorie “Midge” Wood, afferma che un ulteriore grave shock emotivo potrebbe essere l’unica cura.
Gavin Elster, un collega dell’università, chiede a Scottie di seguire la moglie, Madeleine, affermando che si è comportata in modo strano e che il suo comportamento è insolito. Scottie accetta con esitazione e segue anche Madeleine da un fiorista dove acquista un bouquet, alla Missione San Francisco de Asís e alla tomba di Carlotta Valdes e anche alla galleria d’arte della Legion d’Onore dove osserva al Ritratto di Carlotta. La vede entrare al McKittrick Hotel, ma al momento del check-out, sembra che non sia lì.
Uno sconvolgimento mentale freudiano che di solito è considerato il capolavoro di Alfred Hitchcock, Vertigo vive in un mondo esistenziale e di suspense. Mutando attraverso i costumi di Edith Head, Kim Novak si ritrova in due ruoli: Madeleine Elster e Judy Barton, entrambi desideri per ex poliziotto di James Stewart. A concludere questo brillante thriller psicologico c’è la musica di Bernard Herrmann, che si trasforma in un finale imponente.
La Dolce Vita (1960)
Realizzato nel bel mezzo degli anni del boom italiano, il successo al botteghino di Federico Fellini descrive il glamour e la società delle celebrità. Ha inoltre reso Marcello Mastroianni una star: l’attore interpreta un reporter di gossip coinvolto nel pazzo mondo a ruota libera della vita notturna romana. Paradossalmente, la rappresentazione del film di questo ambiente come un’edonismo corrosivo per l’anima è stupefacente. Perché Fellini filma tutto con tanta verve cinematografica e arguzia che spesso è difficile non farsi prendere dagli avvenimenti deliranti sullo schermo. Gran parte di come vediamo la celebrità risale ancora a questo film; ci ha anche offerto la parola paparazzi. Decisamente, La dolce vita è uno di quei film che ti cambiano la vita.
L’avventura (1960)
Mentre Claudia aspetta al piano di sotto, Anna e Sandro fanno l’amore a casa sua. La mattina successiva lo yacht privato arriva alle Isole Eolie a nord della Sicilia. Dopo aver superato Basiluzzo, Anna si tuffa impulsivamente in acqua per una nuotata e Sandro le salta dietro. Quando Anna grida di aver visto uno squalo, Sandro cerca di salvarla.
Più tardi a bordo, Anna ammette a Claudia che lo squalo era una bugia, evidentemente per attirare l’interesse di Sandro. Dopo aver visto Claudia apprezzare la sua camicetta, le dice di indossarla, che le sta meglio, le dice che deve tenerla. In una delle isole di dimensioni minori, Lisca Bianca, Anna e Sandro se ne vanno da soli e discutono della loro situazione sentimentale. Anna è scontenta dei suoi lunghi viaggi di lavoro. Sandro ignora i suoi problemi e dorme sugli scogli.
Nato da una storia di Antonioni scritta con i co-sceneggiatori Elio Bartolini e Tonino Guerra, un film d’essai che parla della scomparsa di una ragazza (Lea Massari) durante un viaggio in barca nel Mediterraneo, e anche del successivo tradimento del suo amante (Gabriele Ferzetti) con la sua amica (Monica Vitti). Fu girato a Roma, alle Isole Eolie e anche in Sicilia nel 1959 in condizioni economiche e fisiche difficili. Un capolavoro da vedere per capire l’essenza del cinema di Antonioni e il suo impatto su tutti gli altri cineasti.
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Fino all’ultimo respiro (1960)
Michel è un criminale vivace che ama il rischio che si modella sul personaggio cinematografico di Humphrey Bogart. Dopo aver rubato un’auto e un camion a Marsiglia, Michel elimina un poliziotto che tenta di pedinarlo. Afflitto dalla povertà e in fuga dalla polizia, trova una passione amorosa con un’americana, Patricia, studentessa e aspirante giornalista, che vende il New York Herald Tribune sui boulevard di Parigi. Patricia lo nasconde ignara nel suo appartamento mentre lui cerca di sedurla e cerca soldi per la loro fuga in Italia.
Il sismico debutto alla regia del critico cinematografico Jean-Luc Godard potrebbe essere definito un film drammatico con contaminazioni del gangster movie e del romance, ma è in realtà un’opera che sfugge a qualsiasi genere: è un film di avanguardia rivoluzionario, una spavalda decostruzione dell’immagine del mafioso che ha anche reinventato il cinema stesso. Presenta tagli cubisti, riprese manuali agitate, riprese in esterni, ritmo eccentrico, oltre a digressioni impreviste riguardo a pittura, versi, società pop, letteratura e anche film. Un’avventura attraente tra il piccolo ladro Jean-Paul Belmondo e Jean Seberg si trasforma in una riflessione esistenziale stranamente toccante. È una finzione pulp, ma alchemicamente profonda.
Psycho (1960)
Alfred Hitchcock desiderava girare il suo prossimo film dopo Psycho a Disneyland, tuttavia lo stesso Walt Disney rifiutò, definendo Psycho “rivoltante”. Psycho è accreditato da alcuni come uno dei primi esempi di film slasher, tuttavia, sebbene abbia sicuramente avuto un impatto sul sottogenere slasher, in realtà è tra i migliori film horror psicologici di tutti i tempi.
Anthony Perkins interpreta Norman Bates, il gestore di un motel il cui carattere cordiale nasconde una mente malata. La capacità di Perkins di esporre in modo credibile strato dopo strato la mente disturbata di Norman è tra le fantastiche conquiste del cinema horror, insieme allo stile di Hitchcock. Psycho è uno di quei film horror psicologici da vedere assolutamente almeno una volta nella vita.
Accattone (1961)
Vittorio (Franco Citti), soprannominato “Accattone”, conduce una vita da fannullone finché la sua prostituta, Maddalena, viene sfruttata dai suoi rivali e condannata. Senza un reddito costante tenta prima di sistemarsi con la mamma di suo figlio, ma viene scacciato dai suoi genitori; dopodiché si imbatte nella ingenua Stella e tenta di indurla a prostituirsi per lui. Lei è disposta a provare, ma quando il suo primo cliente inizia a picchiarla, piange e scende anche dall’auto. Accattone tenta di sostenerla, ma si arrende dopo che, oltre ad avere un’insolita visione della propria morte, va a rubare con gli amici.
Indipendentemente dal fatto che sia stato filmato da una sceneggiatura, Accattone è solitamente percepito come una versione cinematografica dei primi racconti di Pasolini, in particolare Ragazzi di vita e anche Una vita violenta. È stato il primo film di Pasolini come regista, ed utilizza i volti che in seguito sarebbero stati sicuramente visti come attributi del marchio Pasolini: attori non professionisti provenienti dal luogo in cui è ambientato il film, è uno dei grandi capolavori cinematografici da vedere assolutamente sugli individui colpiti dalla povertà.
L’angelo sterminatore (1962)
Durante una cena formale presso lo stravagante maniero del Señor Edmundo Nóbile e della sua dolce metà Lucía, i domestici lasciano inspiegabilmente i loro posti di lavoro finché non rimane solo il maggiordomo. Dopo cena i visitatori si incontrano nel salone dove una delle signore, Blanca, suona un pianoforte. Più tardi, quando normalmente è previsto che tornino a casa, gli ospiti stranamente si tolgono i cappotti, si allentano i vestiti e si accontentano di dormire su divani, sedie e pavimento.
Gli ospiti consumano quel poco di cibo e bevande rimaste dalla festa della notte precedente. Solo il dottor Carlos Conde, applicando logica e ragione, riesce a mantenere la calma e guida gli ospiti attraverso il calvario. Un ospite, l’anziano Sergio Russell, muore e il suo corpo viene riposto in un grande armadio.
L’angelo sterminatore è considerato tra i migliori 1.000 film dal New York Times, ed è stato adattato a un’opera nel 2016. Film da non perdere, una delle vette del cinema surrealista.
Guarda L’angelo sterminatore
Carnival of Souls (1962)
Carnival of Souls è un film che segue la traccia di Night of the Hunter: creativamente genuino, da un regista alle prime armi, ma per lo più dimenticato nel suo lancio iniziale fino alla sua riscoperta anni dopo che lo ha trasformato in un vero e proprio film di culto. Detto questo, non è l’opera d’arte di Night of the Hunter, ma è una piccola storia inquietante e straordinaria di spiriti maligni, rimpianti e spiriti inquieti. La trama racconta di una donna (Candace Hilligoss) in fuga dal suo passato che è perseguitata dalle visioni di un uomo dal viso pallido, magnificamente filmato e interpretato dal regista Herk Harvey. Carnival of Souls è un classico film horror sui fantasmi indipendente, realizzato con un budget limitato, ed è stato anche indicato come un cult onirico da registi come David Lynch.
Guarda Carnival of Souls
Otto e Mezzo (1963)
Guido Anselmi, noto regista cinematografico italiano, è alle prese con il “blocco del regista”. Bloccato nel suo nuovissimo film di fantascienza che include riferimenti autobiografici velati, in realtà ha perso interesse nella vita, tra problemi coniugali e artistici. Mentre cerca di riprendersi dalle sue ansie alle terme di Chianciano, Guido contatta un famoso critico cinematografico per valutare le idee per il suo film, ma il critico le fa a pezzi.
Guido ha visioni ricorrenti di una donna che considera cruciale per la sua storia. La sua amante Carla prevede di fargli visita, ma Guido la mette in un hotel separato. Il team di produzione del film si trasferisce all’hotel di Guido nel tentativo non riuscito di convincerlo a lavorare al film. Guido confessa alla migliore amica di sua moglie, Rosella, che voleva fare un film che fosse puro oltre che sincero: sta lottando per qualcosa di onesto da dire.
Dopo il successo de La Dolce Vita, Fellini si è risollevato da un vicolo cieco creativo con questo capolavoro autobiografico su un regista che vive un blocco creativo. Prendendo il titolo dal numero di film che Fellini aveva effettivamente finito fino a questo punto (compresi alcuni brevi segmenti per film antologici), Otto e mezzo presenta Guido assediato da adulatori e collaboratori mentre combatte per ottenere l’inizio di una ingombrante film di fantascienza . Un film cult dei registi di tutto il mondo, il film di Fellini è stato citato e imitato in numerosi film successivi. Incantesimo del Cinema alla massima potenza dello stregone Federico Fellini è “il Film” da vedere almeno una volta prima di morire per comprendere le più alte vette del cinema. Per gli addetti ai lavori, registi e sceneggiatori, questo è il più importante film mai realizzato.
Gli uccelli (1963)
È basato sul racconto di Daphne Du Maurier ma il film è basato anche su una storia vera, quando i residenti a Capitola, in California, si sono svegliati in una scena uscita direttamente da un film dell’orrore. All’epoca era un mistero completo, ma gli scienziati ora credono che l’acido domoico e le sue neurotossine fossero la causa del comportamento bizzarro degli uccelli.
I mostri (1963)
I mostri è tra le vette più alte dei film comici italiani, e fu girato nel 1963 dal regista Dino Risi. Il film ebbe un notevole successo in Italia e fu tra i maggiori incassi dell’anno. Fu censurato in Spagna per le situazioni volgari e imbarazzanti. Quasi sconosciuto fuori dall’Italia, fi distribuito solo nel 1968 negli Stati Uniti e nel 1977 fu girato un seguito, assolutamente non all’altezza del primo, che fu addirittura candidato all’Oscar, intitolato I nuovi mostri. I protagonisti principali sono Ugo Tognazzi e Vittorio Gassman sono gli interpreti principali con personaggi che diventano simbolo dei vizi della maggior parte degli italiani negli anni Sessanta, in una lunga galleria di 20 episodi esilaranti. Indubbiamente i personaggi e le circostanze divertenti sono messi in scena in un modo che tocca i limiti più estremi della satira. La satira degli episodi colpisce personaggi di ogni genere e classe sociale, politici e poliziotti che abusano del loro potere e le classi medie.
Au Hasard Balthazar (1966)
Nella campagna francese vicino ai Pirenei, un asino viene adottato da bambini piccoli: Jacques e le sue sorelle, che vivono in una fattoria. Quando una delle sorelle di Jacques muore, la sua famiglia lascia la fattoria e la famiglia di Marie prende l’asino in consegna. Il padre di Marie viene coinvolto in controversie legali sulla fattoria con il padre di Jacques e l’asino viene relegato a una panetteria locale per i lavori di consegna.
Ispirato a L’idiota di Fëdor Dostoevskij del 1868-69, il film racconta di un asino che passa attraverso diversi proprietari, molti dei quali lo trattano in modo violento. Ricordato per lo stile rigoroso della regia di Robert Bresson è considerato anche un’opera di grande impatto emotivo, spesso descritto come uno dei più grandi film di tutti i tempi. Uno di quei film che può cambiarti la vita e darti maggiore consapevolezza.
Persona (1966)
Alma è una giovane infermiera registrata incaricata da un medico di prendersi cura dell’attrice Elisabet Vogler. Alma le legge una lettera del marito di Elisabet che ha una foto del loro bambino, e l’attrice strappa la foto. Il medico ipotizza che Elisabet possa recuperare meglio in una casetta in riva al mare, e la manda anche lì con Alma. Al cottage, Alma informa Elisabet che nessuno le ha mai prestato attenzione prima. Alma racconta la storia di come, mentre era già in una relazione con Karl-Henrik, ha preso il sole nuda con Katarina, una donna che aveva incontrato.
Ingmar Bergman ha l’efficacia di trasformare semplici seguaci di film in deliranti tossicodipendenti; Persona è un film che non puoi perdere, uno psicodramma a doppia faccia che in qualche modo sembra essere stato girato lo scorso fine settimana con due dei migliori amici (Bibi Andersson e Liv Ullmann). Solo per la sua intimità ed economia, il film sembra un’anteprima degli anni difficili a venire. Bergman, convalescente da una grave polmonite, compose la sceneggiatura nel centro sanitario, alle prese con una crisi che sublimò in arte di altissimo livello.
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Andrei Rublev (1966)
Andrei Rublev è un dramma storico diviso in otto episodi, con un inizio e un epilogo che riguardano solo vagamente il film principale. Il film principale ripercorre la vita del grande pittore di simboli attraverso 7 episodi che sono paralleli alla sua vita o rappresentano transizioni aneddotiche nella sua vita. L’epoca è la Russia del XV secolo, una ambientazione temporale approssimativa identificata dai combattimenti tra i principi rivali e le intrusioni tartare.
L’epico ritratto del regista sovietico Andrei Tarkovsky dei tempi dei più famosi pittori medievali russi mette in primo piano qualità come il paesaggio, lo stato d’animo e i personaggi. E’ la storia dello sforzo di un uomo per vincere il suo dilemma di fede in un mondo che sembra avere una scorta infinita di violenza fisica e litigi, ed è anche una straordinaria testimonianza della perseveranza degli artisti che operano dentro società oppressive. Una delle vette più alte del cinema d’essai, film grandioso a livello figurativo: immagini che lasciano senza fiato.
2001: Odissea nello spazio (1968)
In un’epoca preistorica, un popolo di ominidi viene respinto dalla sua pozza d’acqua da una tribù rivale. Il giorno seguente, scoprono che un monolite alieno è apparso tra loro; li aiuta a capire esattamente come utilizzare un osso come arma e a scacciare i loro avversari.
Milioni di anni dopo, il Dr. Heywood Floyd, Presidente del Consiglio Nazionale dell’Astronautica degli Stati Uniti, fa un viaggio alla Base Clavius, un avamposto lunare degli Stati Uniti. Il suo obiettivo è quello di controllare un manufatto localizzato di recente, un monolite simile sepolto quattro milioni di anni prima vicino al cratere lunare Tycho. Lui e altri viaggiano su un Moonbus fino al monolite.
2001: Odissea nello spazio è una storia di sviluppo tecnologico e relativo disastro intrisa di umanità, in tutto il suo splendore, debolezza, nervosismo e folle aspirazione.
Il film di fantascienza più importante e più sbalorditivo della storia del cinema. Un mercato di riferimento di sballati, sbalordito dalla sua sequenza di Star Gate e dall’introduzione di elementi visivi psichedelici, l’ha consacrato immediatamente come uno dei più grandi film della storia del cinema. La spaventosa visione del futuro di Kubrick – IA e tutto il resto – sembra ancora profetica, dopo oltre 50 anni. Un film che devi vedere assolutamente se ami l’arte delle immagini in movimento: estasi visiva e sonora.
C’era una volta il West (1968)
Un uomo chiamato “Armonica” cerca vendetta contro il criminale Frank. In secondo luogo, Frank lavora come killer per il magnate delle ferrovie, Morton, che sta cercando di acquisire determinate terre possedute dalla famiglia Brett McBain. Gli spolverini che hanno messo gli fanno credere che siano i ragazzi di Cheyenne. Frank lascia prove per incolpare Cheyenne per gli omicidi.
Il capolavoro dello spaghetti western di Sergio Leone è ambientato in un’America civilizzata, sebbene girato principalmente a Roma oltre che in Spagna. Il film si svolge in una frontiera astratta di vecchio contro nuovo, di eroi della vita che svaniscono nella memoria. È un trionfo di un mondo scomparso e di un cinema impressionante. Lo sguardo gelido di Henry Fonda, le chitarre di Ennio Morricone e l’enorme Charles Bronson nei panni dell’ultimo pistolero sono solo tre fattori su un milione di cose preziose.
Rosemary’s Baby (1968)
In quanto agnostico, Roman Polanski ha intenzionalmente tessuto un filo di incertezza nel suo adattamento del libro. Quell’incertezza aumenta l’elemento di horror psicologico di Rosemary’s Baby. Quando una giovane coppia, Rosemary (Mia Farrow) e Guy (John Cassavetes), si trasferiscono in una casa di New York e fanno amicizia con una coppia di anziani, le loro vite iniziano a prendere strade diverse.
La professione dell’uomo è in evoluzione, e nel frattempo Rosemary immagina oscuri scenari. La crescente paura di Rosemary potrebbe essere dovuta a un disturbo mentale o potrebbe essere dovuta a qualcosa di sinistro che sta accadendo all’interno dell’appartamento. Rosemary’s Baby è un capolavoro horror che ha finito per essere una delle pietre miliari del genere.
La notte dei morti viventi (1968)
La notte dei morti viventi è un film apocalittico di genere horror del 1968 realizzato a basso budget Da George A. Romero ed un gruppo di suoi amici. Nel film i protagonisti Barbra (interpretata da Judith O’Dea) e Johnny (Russell W. Streiner) stanno vedendo la tomba del loro papà in un cimitero di campagna della Pennsylvania quando una persona sconosciuta li colpisce. Durante la colluttazione, Johnny viene ucciso, ma Barbra riesce a fuggire. Cerca rifugio in una fattoria, dove trova il cadavere mezzo mangiato del proprietario. Terrorizzata si imbatte in un esercito di morti viventi.
Il film horror zombie senza budget iniziale che diventa un vero e proprio biglietto da visita per il suo regista, La notte dei morti viventi di George A. Romero inizia con un singolo zombi in un cimitero e si sviluppa in un esercito di non morti che attacca una casa privata. Molti cliché spaventosi contemporanei iniziano da questo film indie. Tuttavia, assolutamente niente lo supera per stile, arguzia mordente, critica razziale, politica e spavento.
Guarda il film
L’uccello dalle piume di cristallo (1970)
E’ un film del 1970 diretto dal maestro del Giallo italiano Dario Argento, nel suo esordio alla regia. Il film è il primo del genere giallo italiano che inaugurò un lungo periodo di successo della categoria. Alla sua uscita il film ha avuto molto successo al botteghino con incassi di 1.650.000.000 di lire italiane. E’ stato un successo anche fuori dall’Italia. Sam Dalmas è un autore americano in vacanza a Roma con la sua fidanzata inglese, Julia, sta vivendo il blocco dello scrittore ed è sul punto di tornare in America, tuttavia assiste all’aggressione di una signora in una galleria d’arte da parte di uno strano individuo in guanti neri che indossa un impermeabile. Cercando di raggiungerlo, Sam è intrappolato tra 2 porte a vetri azionate meccanicamente e può semplicemente guardare la fuga dell’uomo. La signora, Monica Ranieri, ha subito l’aggressione e la polizia sequestra il passaporto di Sam per impedirgli di lasciare la nazione. Si pensa che l’aggressore sia un serial killer che sta uccidendo le ragazze in tutta la città e Sam è un testimone cruciale.
Arancia meccanica (1971)
I 4 teppisti protagonisti del film irrompono in un cottage, picchiando un vecchio scrittore e violentando anche sua moglie, che in seguito muore. Quando un tentativo di rapina va storto e Alex uccide una donna anziana con un enorme fallo di marmo, viene condannato a 14 anni di carcere.
Immerso in una Inghilterra distopica, è il racconto in prima persona di un giovane delinquente che si sottopone a una riabilitazione emotiva sponsorizzata dallo stato. Capolavoro cinematografico, film da vedere e rivedere. Uno di quei film che ti cambia la vita, incredibile satira sui sistemi politici estremi che si basano su versioni opposte della perfettibilità umana.
Il Padrino (1972)
Dai saggi di Quei bravi ragazzi a I Soprano, tutti gli imperi dell’attività criminale che seguirono Il Padrino sono figli dei Corleone: l’opera magnum di Francis Ford Coppola è uno dei capolavori seminali della categoria mafiosa. Una battuta di apertura significativa (“Credo nell’America”) mette in moto il dramma di Mario Puzo, prima che l’epopea di Coppola si trasformi in un racconto agghiacciante che distrugge il sogno americano.
La storia intrisa di corruzione racconta di una famiglia di immigrati alle prese con i valori paradossali del potere e della religione; quelle opposizioni morali si cristallizzano in un’epica serie di battesimi, magnificamente curata parallelamente all’uccisione di quattro persone di potere tra i clan. Con innumerevoli dettagli leggendari – la testa mozzata di un cavallo, la voce ansimante di Marlon Brando, il valzer memorabile di Nino Rota – l’autorità del Padrino sopravvive nel tempo.
Roma (1972)
Federico Fellini racconta la sua giovinezza a Roma. Il film si apre con una folla chiassosa e pittoresca che accoglie il giovane che scende da un treno alla stazione Termini. Seguono sequenze che mostrano Roma durante il regime fascista negli anni ’30 e negli anni ’70. Un giovane Fellini (Gonzales) si trasferisce in un enorme appartamento romano abitato da gente grottesca (compreso un sosia di Benito Mussolini) e gestita anche da una donna obesa. Visita 2 bordelli – uno fatiscente e sovraffollato e l’altro più lussuoso ed elegante – e apparentemente ama anche una prostituta che opera in quest’ultimo. Poi c’è un teatro di vaudeville a buon mercato, strade, tunnel, nonché un’antica catacomba con affreschi che vengono distrutti dall’aria fresca subito dopo che gli scavatori l’hanno scoperta.
Una delle scene più celebri mostra un’anziana nobildonna che tiene una sontuosa sfilata di moda ecclesiastica per un cardinale e vari altri visitatori con sacerdoti e monache che sfilano in tutti i tipi di costumi insoliti.
È un omaggio alla città, mostrato in una serie di episodi vagamente collegati ambientati sia nel presente che nel passato di Roma. La trama è davvero poca, e l’unico “personaggio” ad affermarsi considerevolmente è la stessa Roma. Peter Gonzales interpreta il giovane Fellini e il film include molti attori non professionisti. Film da vedere per lo stile unico, anti narrativo, a blocchi di sequenze autonome. Visionario, psichedelico, delirante. Ogni sequenza è un capolavoro, un film nel film. Ogni inquadratura, anche quelle che durano solamente due secondi, è un’opera pittorica degna di una prestigiosa galleria d’arte. Uno dei grandi viaggi visivi del XX secolo.
Le lacrime amare di Petra von Kant (1972)
Petra von Kant (Carstensen) è una famosa stilista con sede a Brema. Il film è quasi completamente girato nella camera da letto del suo appartamento, decorata da una significativa ricreazione di Mida di Poussin e anche di Bacco (1630 circa), che raffigura donne e uomini nudi e parzialmente vestiti. La stanza contiene inoltre vari manichini a grandezza naturale per il suo lavoro.
Le relazioni coniugali di Petra si sono concluse con la morte o la separazione. Il suo primo coniuge Pierre era un grande amore, morto in un incidente d’auto mentre Petra era incinta; il 2° iniziò allo stesso modo, ma finì male. Petra vive con Marlene, un’altra designer, che tratta come una schiava, e questa relazione rivela le tendenze viziose di Petra. Questo dramma è probabilmente il suo più acuto e psicologicamente complesso; indiscutibilmente, è il suo più stronzo. C’è così tanto da amare nella resa dei conti di Fassbinder, che va oltre lo spettacolo di due fashioniste in duello, in una profonda esplorazione dell’invecchiamento e dell’obsolescenza.
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Amarcord (1973)
A Borgo San Giuliano, un paese vicino a Rimini, l’arrivo dei semi di pioppo che galleggiano nel vento avvisa dell’arrivo della primavera. Al calare della sera, i residenti si dirigono verso la piazza della città per un tipico falò in cui la Vecchia Strega dell’Inverno viene bruciata. I cittadini si fanno scherzi l’un l’altro, fanno esplodere fuochi d’artificio.
La scuola sotto il fascismo è una noia di fredde giornate e grotteschi insegnanti. Tutto ciò che Titta e i suoi compagni possono fare è andare in giro o evitare il corso. Titta evita di informare in confessione Don Balosa delle sue attività masturbatorie e dei suoi sforzi per attirare Gradisca, un’affascinante donna, perché il prete è più preoccupato per gli addobbi floreali.
Le autorità fasciste vengono in città e gli scolari sono chiamati a svolgere allenamenti atletici. L’amico di Titta, Ciccio, sogna ad occhi aperti di essere sposato con Aldina, dal grande volto di Mussolini. Messo di nascosto nel campanile della chiesa cittadina, un grammofono suona una registrazione di “L’Internazionale”, ma viene preso a colpi di pistola dai fascisti.
Il titolo del film è un’univerbazione dell’espressione romagnola a m’ arcôrd (“io tengo a mente”). Il personaggio di Titta è senza dubbio basato sul compagno di gioventù di Fellini, riminese, Luigi Titta Benzi. Benzi finì per essere un avvocato e continuò a essere in stretto contatto con Fellini per tutta la vita. Capolavoro pieno di umanità e poesia, è un film da vedere assolutamente per tutti, anche per chi non comprende a pieno i film più complessi di Fellini.
L’esorcista (1973)
Nel nord dell’Iraq, il sacerdote cattolico Lankester Merrin partecipa a uno scavo storico in cui scopre un medaglione di San Giuseppe e un manufatto che rappresenta Pazuzu, un demone. Mentre Merrin si prepara a lasciare l’Iraq, trova una grande scultura di Pazuzu e osserva anche 2 animali domestici che combattono nel deserto. A Georgetown, l’attrice Chris MacNeil lavora a un film diretto dal suo amico Burke Dennings. Il prete di Georgetown Damien Karras fa visita a sua madre a New York. Chris sente dei rumori in soffitta e Regan le racconta di un amico immaginario di nome “Captain Howdy”.
L’esorcista è sicuramente il più importante capolavoro nel sottogenere dei film horror sull’esorcismo. C’è un motivo per cui gli spettatori stavano andando via del cinema in barella quando William Friedkin ha scatenato il suo inferno cinematografico sull’umanità, ed è lo stesso motivo per cui diventiamo ombre tremanti dopo aver trascorso un po’ di tempo con Regan: semplicemente non puoi non vederlo. Uno dei film horror più spaventosi in assoluto.
Il fantasma del palcoscenico (1974)
La storia segue il compositore di canzoni Winslow Leach, visto dall’infernale produttore di dischi Swan durante la sua esibizione come supporto alla band nostalgica in stile anni ’50 The Juicy Fruits, creata da Swan. Swan pensa che le canzoni di Winslow siano le migliori per aprire “The Paradise” – il nuovo auditorium estremamente atteso di Swan – e dà ordini al suo braccio destro Arnold Philbin di acquisire i diritti delle canzoni di Leach.
Un mese dopo Winslow si reca alla Swan’s Death Records per chiedere informazioni sulla sua musica, ma viene buttato fuori. Si insinua nella villa di Swan e osserva delle donne che si esercitano con le sue canzoni per un’audizione. Una è Phoenix, un aspirante cantante, che Winslow considera l’ideale per le sue canzoni. Winslow si innamora di Phoenix. Winslow scopre il piano di Swan di aprire il Paradiso con le sue canzoni, si intrufola nella Swan Records, ma Swan ordina ai suoi servi di picchiare Winslow e incastrarlo per spaccio di droga.
Film horror cult geniale, di avanguardia, da vedere assolutamente per la sua follia e l’innovazione che Brian De Palma ha portato nel linguaggio cinematografico. Una delle pietre miliari della carriera del regista italo-americano.
Lo squalo (1975)
Nella città balneare di Amity Island, nel New England, una ragazza, Chrissie Watkins, si tuffa in mare. Mentre nuota, viene aggredita da un grosso pesce. Il giorno seguente, i suoi resti vengono trovati sulla spiaggia. Secondo il medico la morte è dovuta a un assalto di squali. Il capo della polizia Martin Brody viene convinto a chiudere le coste. Il sindaco Larry Vaughn lo convince a invertire la sua scelta, temendo che il business turistico della città venga distrutto. Il medico legale accetta provvisoriamente la teoria del sindaco secondo cui Chrissie è stata uccisa in un incidente in barca. Brody accetta con riluttanza la loro decisione finché lo squalo non uccide un ragazzino, Alex Kintner, al largo di una spiaggia affollata.
L’incessante successo di Steven Spielberg non richiede preveggenza politica per rimanere pertinente: è un film su uno squalo grosso che consuma persone. Grazie in gran parte al film stesso, questa è un’ansia illogica che il pubblico non lascia mai andare. Ogni volta che un funzionario dello stato inetto appare è difficile non pensare al sindaco Vaughn con la sua sciocca tuta stampata che dice alla gente di Amity Island che è sicuro tornare in acqua. Ciò che rende un film imperdibile Lo squalo è che gli squali sono terrificanti, ma l’avidità e l’incompetenza sono molto più temibili.
Qualcuno volò sul nido del cuculo (1975)
Questo film sul manicomio e la follia è basato sull’omonimo libro di Ken Kesey del 1962, ed tra i soli 3 film nella storia di Hollywood a vincere tutti i 5 principali Oscar per il miglior film, regista, sceneggiatura, attrice e attore. Il nido del cuculo è basato su un libro di Ken Kesey che utilizza gli abusi psichiatrici come metafora della spietatezza dello stato. Nell’autunno del 1963, Randle McMurphy si trova in una fattoria dell’Oregon per lo stupro di una donna di 15 anni. Finge di essere psicologicamente instabile per farsi trasferire in un istituto psichiatrico ed evitare i lavori forzati. Il reparto è controllato dalla caposala Mildred Ratched, una fredda autocrate passiva-aggressiva che spaventa i suoi clienti.
Jeanne Dielman, 23, Quai du Commerce, 1080 Bruxelles (1975)
Questo non è solo un film d’essai, ma una finestra su una condizione universale, rappresentata in uno stile strutturalista. Portandoci nella routine, Akerman e l’attrice Delphine Seyrig creano uno straordinario senso di simpatia raramente eguagliato da altri film. Jeanne Dielman rappresenta un impegno totale per la vita di una donna, ora per ora, minuto per minuto.
Taxi Driver (1976)
Travis Bickle è un 26enne reduce della Guerra del Vietnam alle prese con un trauma psichico. Vive da solo a New York City. Travis accetta un lavoro come tassista del turno di notte per gestire la sua persistente insonnia e l’isolamento. Visita spesso i cinema porno sulla 42nd Street e tiene anche un diario in cui cerca consapevolmente di scrivere i suoi pensieri. Si ribella per l’attività criminale e per la degenerazione della città di cui è testimone, oltre a fantasticare di ripulire le strade dal crimine.
Un viaggio in una New York scomparsa e un ritratto di uomo contorto, Taxi Driver è all’apice dei film d’autore che hanno caratterizzato la New Hollywood degli anni ’70. La visione di Martin Scorsese è carica di un’atmosfera inquieta, sospesa tra dramma e noir, e anche la sceneggiatura del film di Paul Schrader sonda le profondità dell’animo umano che sono state date dalla memorabile interpretazione di Robert De Niro.
Quell’oscuro oggetto del desiderio (1977)
Un amore a volte terribile e anche inutile tra Mathieu (Fernando Rey), un ricco francese di mezza età, e una giovane e povera ballerina di flamenco di Siviglia, Conchita, interpretata di Carole Bouquet e anche Ángela Molina. Le due attrici si presentano ciascuna inaspettatamente in scene separate e variano non solo fisicamente, ma anche caratterialmente.
La maggior parte del film è un flashback ricordato da Mathieu. Il film si apre con Mathieu che passa in treno da Siviglia a Parigi. Sta cercando di prendere le distanze dalla sua giovane ragazza Conchita. Mentre il treno di Mathieu si prepara a partire, scopre che Conchita lo sta inseguendo. Dal treno le butta dell’acqua sopra la testa, umiliandola. Crede che questo la ostacolerà, ma lei insiste e sale a bordo.
Basato sul romanzo del 1898 La donna e il burattino di Pierre Louÿs. È stato l’ultimo sforzo alla regia di Luis Buñuel prima della sua morte nel luglio 1983. Ambientato in Spagna e Francia sullo sfondo di un’insurrezione terroristica, il film racconta con stile surrealista la storia attraverso una serie di flashback di un anziano francese, Mathieu (interpretato da Fernando Rey), che racconta l’innamoramento di una bellissima giovane donna spagnola, Conchita (interpretata in modo intercambiabile da due attrici, Carole Bouquet e Ángela Molina), che frustra ripetutamente i suoi desideri sessuali e romantici.
Apocalipse Now (1979)
Durante la guerra del Vietnam, il colonnello delle forze speciali dell’esercito americano Walter E. Kurtz è impazzito e sta conducendo una spietata guerriglia contro NVA e pressioni PLAF senza il consenso dei suoi comandanti. In un avamposto in Cambogia, comanda truppe americane che lo vedono come un semidio. L’agente del MACV-SOG bruciato, il capitano Benjamin L. Willard, viene mobilitato nella sede centrale della I Field Force a Nha Trang. La sua missione è “porre fine al comando di Kurtz.
La guerra del Vietnam è incessante, mentre Martin Sheen tenta di eliminare il colonnello rinnegato Marlon Brando. Lungo il percorso, ci sono ricerche, un fantastico raid in elicottero, odore di napalm, tigri e coniglietti di Playboy, fino a quando Sheen non scende dalla barca.
Alien (1979)
L’astronave Nostromo sta tornando sulla Terra con una squadra di sette membri in tensione: il capitano Dallas, l’ufficiale esecutivo Kane, l’ufficiale di mandato Ripley, il navigatore Lambert, l’ufficiale scientifico Ash, i designer Parker e anche Brett. Rilevando una trasmissione da una luna vicina, il computer della nave, la Madre, mette in ansia il personale. Ripley scopre il contenuto della trasmissione, identificandolo come un avvertimento, ma non può comunicare l’informazione a quelli sulla nave abbandonata.
Se tutto ciò che facesse Alien fosse introdurre un’attività in franchising incentrata sulla sopravvissuta di Sigourney Weaver, lo standard dei film horror sugli alieni di Ridley Scott sarebbe ancora cementato nel canone dei film. Eppure Alien si trasforma in opera d’arte sovversiva. Gli effetti speciali e la creatura a doppia mascella di HR Giger, un’orribile visione, è uno dei più straordinari pezzi di puro artigianato del cinema. Uno dei film imperdibili del cinema di fantascienza.
Blade Runner (1982)
Nel novembre 2019 a Los Angeles, l’ex agente di polizia Rick Deckard viene trattenuto dall’agente Gaff e portato dal suo ex manager, Bryant. Deckard, il cui compito come “blade runner” era quello di rintracciare umanoidi bioingegnerizzati e di “ritirarli” in modo terminale, viene informato che 4 replicanti si trovano illegalmente sulla Terra. I due guardano un video di un blade runner chiamato Holden che esegue il test Voight-Kampff, che è fatto per differenziare i replicanti dagli esseri umani in base alle loro azioni.
La visione di Ridley Scott di un futuro distopico è solo uno dei più eleganti film di fantascienza di sempre. Con una visuale di ispirazione noir e anche una colonna sonora inquietante di Vangelis (un’enorme influenza su Prince), Blade Runner è iconico non solo per il suo aspetto che definisce l’era, ma anche per la sua più profonda riflessione filosofica di ciò che indica essere umano. Molti hanno effettivamente cercato di imitare l’ambientazione straordinaria del film, tuttavia queste strade bagnate dalla pioggia e panorami squallidi presentano qualcosa di unico.
C’era una volta in America (1984)
C’era una volta in America di Sergio Leone è epico come Quei bravi ragazzi e scaltro come Mean Streets. Un capolavoro assoluto, nitido, senza tempo, come Il Padrino. Forse di più.
Per prima cosa, il film di Leone è lungo 4 ore. Non viene mostrato spesso nella sua forma originale e anche gli stessi produttori del film hanno pensato che fosse troppo lungo perché le persone potessero guardarlo per intero.
La versione originale di Leone per il film era di due film di 180 minuti che sarebbero stati proiettati in giorni consecutivi. Dopo il rilascio iniziale, il regista ha pianificato di modificare le due parti con una versione unica di quattro ore e 29 minuti. Un film da vedere sull’amicizia virile e lo scorrere del tempo, per entrare nella dimensione del mito, tipica dei film di Sergio Leone.
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Stand By Me (1986)
L’autore Gordie Lachance legge un articolo di notizie riguardante un accoltellamento mortale. Ricorda un evento giovanile quando lui, il suo amico, Chris Chambers e 2 altri amici, Teddy Duchamp e Vern Tessio, viaggiarono per scoprire il corpo di un ragazzo scomparso vicino alla comunità di Castle Rock, nell’Oregon, durante il fine settimana del Labor Day nel settembre 1959.
Per molte persona nate negli anni 70 o 60 Stand By Me è il film cult anni 80 che ha messo d’accordo cinefili e spettatori comuni. È sicuramente tra i migliori film degli anni Ottanta. Il film ha una bellezza e una profondità che sembra risuonare con ogni generazione. Un sentimento di nostalgia giovanile intenso e coinvolgente che diventa una profonda riflessione sul senso della vita umana. Stand by me è un film capolavoro senza età con un seguito di fedeli fan che lo celebrano ogni anno, un punto fermo dei ricordi dei più giovani per il passaggio iniziatico tra gli anni dell’infanzia e l’età adulta, un film non comune che migliora sempre con il passare del tempo.
Essi vivono (1988)
“They Live” è un film horror degli anni ’80 di John Carpenter. Nada (Roddy Piper), un vagabondo senza meta, trova un paio di occhiali da sole che gli permettono di vedere intrusi alieni nascosti tra le classi sociali più alte dell’umanità. La missione di Nada di smascherare questi parassiti del lavaggio del cervello alimenta sia una visione politica ardente e alcune delle battute di Carpenter più divertenti mai scritte. (“In realtà sono venuto qui per masticare gomme da masticare e prendere a calci in culo… e ho finito le gomme da masticare.”). Uno dei migliori film horror sugli alieni di culto.
Quei bravi ragazzi (1990)
Nel 1955 il giovane Henry Hill finisce per essere sedotto dalla vita criminale e dalla presenza mafiosa nel suo quartiere operaio italo-americano di Brooklyn. Henry inizia come aiutante per Jimmy, lavorando progressivamente fino a crimini molto più gravi. Henry inizia a frequentare Karen Friedman, una signora ebrea inizialmente infastidita dalle attività criminali di Henry.
Tre decenni dopo è ancora pura adrenalina cinematografica: l’opera gangster di Martin Scorsese è un epitaffio gloriosamente eseguito per gli eroi che si rivelano avere i piedi di argilla e le mani intrise di sangue. È famoso per molte cose: l’iconica Copacabana, i mille momenti di agonia, la morte di Billy Batts, i colletti delle camicie di Joe Pesci, e altri… ma se c’è un solo motivo per cui è uno dei preferiti da tutti, è sicuramente la disavventura dell’antieroe di Ray Liotta, Henry Hill.
Cape Fear (1991)
Martin Scorsese e Robert De Niro avevano già raggiunto un livello cinematografico straordinario con il capolavoro Taxi Driver nel 1976, tuttavia il film horror degli anni ’90 Cape Fear è un altro film imperdibile. Max Cady, uno stupratore psicopatico interpretato magistralmente da De Niro pianifica una vendetta contro il suo ex avvocato Sam Bowden (Nick Nolte) per aver insabbiato le prove che avrebbero potuto evitare la sua condanna ed il carcere. Cady invade ogni aspetto della vita di Bowdens come una fitta ombra che ricopre la sua famiglia e il suo lavoro in un inevitabile spirale di omicidi e crudeltà. Cady seduce come un serpente, affascinando le sue vittime, e si trasforma in un mostro psicopatico che colpisce la famiglia Bowden durante una tempesta torrenziale. L’imprevedibilità di Cady e il suo sadismo rendono Cape Fear un film da vedere assolutamente superbo nel genere horror/thriller.
Mulholland Drive (2001)
Betty scopre con sorpresa una donna che soffre di amnesia e si fa chiamare “Rita” dopo aver visto un poster del film Gilda con Rita Hayworth. Per aiutare la donna a ricordare la sua identità, Betty guarda nella borsetta di Rita, dove scopre una grande quantità di denaro e anche un insolito segreto blu.
Potresti vedere Mulholland Drive, senza dubbio tra i migliori thriller psicologici e tra i film più significativi del nuovo secolo, un centinaio di volte e ottenere comunque qualcosa di diverso ad ogni visione. Lo stravagante mal di testa di Los Angeles di David Lynch è denso di segreto, paura e anche inquietante sensualità, temi che erano stati a lungo una costante del lavoro dell’autore, ma che proprio qui hanno raggiunto la loro incedibile apoteosi.
La città incantata (2001)
È un film d’animazione giapponese del 2001 diretto dal leggendario regista Hayao Miyazaki e prodotto dallo Studio Ghibli. Il film segue le avventure di Chihiro, una giovane ragazza che si ritrova intrappolata in un mondo soprannaturale dopo che i suoi genitori sono stati trasformati in maiali da una maledizione.
Chihiro deve cercare di salvare i suoi genitori e trovare un modo per tornare a casa, ma per farlo dovrà superare una serie di sfide e incontrare una serie di personaggi strani e meravigliosi, tra cui lo spirito del fiume Haku e la misteriosa strega Yubaba.
Uno degli aspetti più affascinanti del film è il suo mondo fantastico e surreale, che è pieno di creature strane e meravigliose, come draghi, spiriti della natura e altri esseri magici. L’animazione è incredibilmente dettagliata e le immagini sono piene di colori vivaci e di particolari che rendono il mondo di Spirited Away un luogo incantevole e mozzafiato.
Il film affronta anche temi importanti come l’importanza della famiglia, la forza interiore e il valore dell’umanità, il tutto racchiuso in una storia fantastica e coinvolgente che è stata acclamata dalla critica e dal pubblico di tutto il mondo. Il film ha vinto numerosi premi, tra cui l’Oscar per il Miglior Film d’Animazione nel 2003, ed è considerato uno dei migliori film di animazione di tutti i tempi.
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Il pianista (2002)
Nel settembre del 1939, Władysław Szpilman, un pianista ebreo polacco, sta suonando dal vivo alla radio di Varsavia durante l’invasione nazista della Polonia. Sperando in un rapido successo, Szpilman si rallegra con i suoi familiari in casa quando apprende che la Gran Bretagna e anche la Francia hanno proclamato guerra alla Germania, ma gli aiuti assicurati non arrivano. I combattimenti durano poco più di un mese, con le forze armate tedesche e sovietiche che invadono la Polonia contemporaneamente su vari fronti. Varsavia entra a far parte del governo generale controllato dai nazisti. Agli ebrei viene presto impedito di lavorare o di avere società e vengono anche obbligati a indossare bracciali con stella di David blu.
Un dramma storico prodotto da Francia, Regno Unito, Germania e Polonia. Il pianista è stato presentato in anteprima al Festival di Cannes del 2002 il 24 maggio 2002, dove ha vinto la Palma d’Oro, ed è stato lanciato su larga scala a settembre; il film ha ottenuto ampi e importanti consensi, con i critici cinematografici che hanno lodato la regia di Polanski, l’interpretazione di Brody e la sceneggiatura di Harwood. Alla 75a edizione degli Academy Awards, il film ha vinto come miglior regista (Polanski), miglior sceneggiatura adattata (Harwood) e anche miglior attore (Brody), ed è stato nominato per altri 4, tra cui Miglior film.
Oldboy (2003)
Probabilmente il miglior film horror coreano di tutti i tempi, un thriller di vendetta del 2003 di Park Chan-wook “Oldboy”. Oh Dae-su (Choi Min-sik) è stato imprigionato in un piccolo appartamento senza finestre per 15 anni. Non ha idea di chi lo abbia fatto o perché. Un giorno viene liberato e inizia la ricerca di coloro che gli hanno rovinato la vita in modo che possa mettere in atto la sua vendetta. Lungo la strada, Dae-su si innamora di una donna, e questo rende difficile il compimento della vendetta.
Questo è un film pieno di colpi di scena, svolte, cospirazioni e bugie; quando credi di aver capito dove sta andando il film, Park ribalta le tue aspettative. Park è un regista eccezionalmente dotato e registra la sottigliezza e la complessità della vendetta, uno stile che amplia nel resto della sua Trilogia della vendetta, che consiste in “Sympathy for Mr. Vengeance” e “Lady Vengeance”.
L’isola dei cani (2018)
E’ un film d’animazione stop-motion del 2018 diretto da Wes Anderson. Il film è ambientato in un futuro distopico in cui il sindaco di Megasaki City, in Giappone, ha dichiarato che tutti i cani sono malati e li ha esiliati su una discarica sull’Isola dei Cani.
La storia segue un ragazzo di dodici anni di nome Atari Kobayashi, nipote del sindaco, che si avventura sull’Isola dei Cani alla ricerca del suo cane domestico, Spots. Lì, incontra un gruppo di cani randagi che lo aiutano nella sua ricerca. La banda di cani include il capo, Rex, il pastore tedesco; Boss, il bulldog americano; Duke, il cane randagio; King, il cane che una volta era un leader del circo; e Chief, il randagio solitario.
Il film è notevole per la sua estetica unica e la sua colonna sonora, che incorpora elementi della cultura giapponese e dell’orchestra tradizionale giapponese taiko. Il cast di doppiatori include nomi come Bryan Cranston, Edward Norton, Bill Murray, Jeff Goldblum, Scarlett Johansson, Tilda Swinton e Yoko Ono.
Il film è stato generalmente ben accolto dalla critica e ha vinto il premio Silver Bear per la miglior regia al Festival di Berlino 2018. Tuttavia, il film è stato anche criticato per la sua rappresentazione della cultura giapponese e per il suo utilizzo di stereotipi culturali.