I migliori film romantici da vedere assolutamente

Storie d’amore, relazioni passionali, sentimenti ed emozioni. Il genere romantico è un filone inesauribile che ha prodotto tanti film nella storia del cinema. Dai film classici mainstream ai film indipendenti, i film romantici si concentrano sulle vicende amorose dei personaggi protagonisti, raccontando il desiderio fondamentale di ogni essere: amare ed essere amato. La ricerca dell’amore nel viaggio della vita può essere una delle ricerche più complesse ed entusiasmanti che ogni persona si trova ad affrontare. 

I conflitti ed i nemici e gli ostacoli che i protagonisti dei film romantici si trovano ad affrontare sono molto diversi da quelli di altri generi di film. Possono essere conflitti interiori come discriminazioni razziali o religiose, problemi con la mentalità tradizionale e retrograda della famiglia di origine, problemi psicologici che impediscono l’ingresso dell’amore nella propria vita. Oppure possono essere problemi esteriori e materiali come la difficoltà economica che avvelena una relazione, un problema di salute, Tentazioni sessuali e tradimenti al di fuori della coppia. 

Un altro degli ostacoli principali che è a metà strada tra il mondo interiore e la realtà esterna è l’incompatibilità della coppia. Le incomprensioni ed i litigi infatti avvengono spesso per cause esteriori ma hanno una radice interiore. A volte la risoluzione del conflitto arriva quando uno dei componenti della coppia cambia la sua personale visione dell’altro e delle cose che sono accadute.  Il nemico principale però, sia nelle storie d’amore reali che nei film, è la solitudine. O forse meglio definirlo isolamento: la mancanza di comunione con un’altra persona che ci fa sentire anche una cosa sola con il mondo. 

🎬 I Migliori Film Romantici Recenti

Queer (2025)

Città del Messico, anni ’50. William Lee, un espatriato americano tossicodipendente e solitario (interpretato da Daniel Craig), passa le sue giornate bevendo nei bar e cercando connessioni fugaci. La sua routine autodistruttiva viene sconvolta dall’arrivo di Eugene Allerton, un giovane studente ex-militare. In Queer, Lee si infatua ossessivamente del ragazzo e lo convince a intraprendere un viaggio nel Sud America alla ricerca dell’Yage (ayahuasca), una droga che si dice doni poteri telepatici, sperando di usare la telepatia per farsi amare da lui.

Luca Guadagnino (Chiamami col tuo nome) adatta il romanzo “impossibile” di William S. Burroughs in un film allucinogeno e sensuale. Non è una storia d’amore tradizionale, ma un’esplorazione febbrile del desiderio, della dipendenza e del bisogno disperato di connessione. Daniel Craig offre la performance della vita, vulnerabile e cruda, in un’opera visivamente stravagante che mescola il melodramma romantico con l’incubo psichedelico.

Love Me (2025)

Milioni di anni dopo l’estinzione dell’umanità, una boa intelligente nell’oceano e un satellite in orbita si connettono online. Iniziano a scambiarsi dati, imparando a simulare la vita umana attraverso i video di YouTube e i profili social rimasti nei server. In Love Me, le due intelligenze artificiali creano avatar di Kristen Stewart e Steven Yeun e iniziano una storia d’amore virtuale e impacciata, cercando di capire cosa significasse “amare” per gli esseri umani, mentre il mondo intorno a loro cambia ere geologiche.

Presentato al Sundance e in arrivo nel 2025, è il film romantico indie più originale e strano dell’anno. Diretto dai coniugi Zuchero, è una favola post-apocalittica che mescola animazione, CGI e live-action. È una riflessione poetica e commovente sulla nostra eredità digitale e sulla natura dell’amore: è solo imitazione o può nascere un’anima anche in una macchina? Un “Wall-E” esistenzialista per adulti.

Anora (2024)

Anora, una giovane sex worker di Brooklyn di origini uzbeke, viene ingaggiata per una settimana da Ivan, il figlio viziato e immaturo di un oligarca russo. Quello che inizia come un lavoro ben pagato si trasforma in una favola febbrile quando i due decidono impulsivamente di volare a Las Vegas e sposarsi. Ma la loro luna di miele in Anora viene brutalmente interrotta quando i genitori di lui arrivano dalla Russia per annullare il matrimonio, scatenando una corsa frenetica e caotica attraverso New York.

Vincitore della Palma d’Oro a Cannes, il film di Sean Baker è una “Cenerentola” al contrario, sporca, vitale ed elettrica. Non è la solita storia d’amore patinata: è un ritratto realistico e crudo delle dinamiche di potere e denaro nelle relazioni moderne. Mikey Madison offre una performance esplosiva in un’opera che mescola la commedia screwball con il dramma sociale, mostrando come l’amore, per chi vive ai margini, sia spesso un lusso che non ci si può permettere.

Past Lives (2023)

Nora e Hae Sung sono due amici d’infanzia profondamente legati in Corea del Sud, separati quando la famiglia di lei emigra in Canada. Dodici anni dopo si ritrovano online, e altri dodici anni dopo si incontrano finalmente di persona a New York per una settimana. In Past Lives, Nora è ormai sposata con uno scrittore americano, ma il ricongiungimento con Hae Sung la costringe a confrontarsi con le scelte della sua vita, con il destino (il concetto coreano di In-Yun) e con l’amore per la persona che era e quella che è diventata.

L’esordio di Celine Song è già un classico moderno del cinema sentimentale. È un film fatto di silenzi, sguardi e parole non dette, che rifiuta il melodramma per un approccio intimo e delicato. Non parla di tradimenti o passioni urlate, ma della malinconia dei “what if” (cosa sarebbe successo se…). Un capolavoro di scrittura che esplora come l’amore possa sopravvivere al tempo e alla distanza, anche quando le vite prendono binari diversi.

Estranei (All of Us Strangers) (2023/2024)

Adam, uno sceneggiatore solitario che vive in un grattacielo quasi vuoto a Londra, inizia una relazione appassionata con il misterioso vicino Harry. Contemporaneamente, Adam decide di visitare la casa della sua infanzia in periferia, dove ritrova i suoi genitori esattamente come erano il giorno in cui morirono, trent’anni prima. In Estranei, Adam inizia a vivere due esistenze parallele: l’amore nascente con Harry e il dialogo impossibile con i fantasmi dei genitori, cercando di guarire le ferite del passato per poter amare nel presente.

Andrew Haigh dirige un film d’autore struggente e metafisico, che usa il fantasma non per spaventare ma per parlare di lutto e solitudine. Andrew Scott e Paul Mescal hanno una chimica straordinaria in questa storia d’amore queer che trascende il genere. È un’opera visivamente ipnotica e emotivamente devastante, che ci ricorda come l’amore sia l’unica forza capace di rompere l’isolamento e connetterci con chi abbiamo perso e con chi abbiamo accanto.

Confessioni di uno zero

Ora disponibile

Film drammatico, di Andrea Malandra, 2018, Italia.
Si tratta di una storia d’amore contrastata tra due giovani, Sebastiano detto Zero e Vienna, appartenenti a mondi diversi e osteggiati dalla oppressività di un contesto familiare e sociale che li vorrebbe normalizzare e appiattirne le peculiarità umane. Un "Romeo e Giulietta" contemporaneo.

LINGUA: italiano
SOTTOTITOLI: inglese

GUARDA ORA

Foglie al vento (Fallen Leaves) (2023)

Nella Helsinki moderna, due anime solitarie si incontrano per caso in un karaoke bar: Ansa, una cassiera di supermercato licenziata ingiustamente, e Holappa, un operaio metalmeccanico con problemi di alcolismo. I due cercano di costruire una relazione, ma il destino sembra remarci contro: perdono i numeri di telefono, sbagliano indirizzi e affrontano le difficoltà della vita operaia. In Foglie al vento, il loro amore è silenzioso, fatto di piccoli gesti, sguardi timidi e la compagnia di un cane randagio, mentre sullo sfondo la radio trasmette le notizie della guerra.

Il maestro finlandese Aki Kaurismäki firma una commedia romantica minimalista e proletaria, vincitrice del Premio della Giuria a Cannes. È un film “deadpan” (impassibile), privo di cinismo e pieno di una dolcezza disarmante. In un mondo freddo e ostile, l’amore tra questi due perdenti diventa un atto di resistenza poetica. Un gioiello di cinema indie essenziale, che dimostra come si possa raccontare una grande storia d’amore in 80 minuti con pochissime parole.

We Live in Time (2024)

Almut, una chef emergente, e Tobias, un neo-divorziato, si incontrano in modo bizzarro (lei lo investe con l’auto). Il film segue la loro storia d’amore non in ordine cronologico, ma saltando attraverso i decenni: dall’innamoramento alla costruzione di una famiglia, fino alla diagnosi di una malattia che cambia tutto. In We Live in Time, i frammenti della loro vita insieme compongono un mosaico emozionante su come il tempo modelli le relazioni e su come l’amore vero si misuri non nella durata, ma nell’intensità dei momenti condivisi.

Prodotto dalla A24 e diretto da John Crowley (Brooklyn), questo film evita le trappole del “cancer movie” strappalacrime grazie a una struttura narrativa intelligente e alle performance straordinarie di Florence Pugh e Andrew Garfield. È un dramma romantico moderno, onesto e visivamente curato, che esplora la bellezza e la crudeltà della vita quotidiana. Un film che celebra l’amore come unica ancora di salvezza contro l’imprevedibilità del destino.

💖 Che tipo di emozione cerchi?

L’amore al cinema non è un’isola isolata. Si intreccia con il dramma, la risata e la storia del costume. Se vuoi esplorare i sentimenti umani in tutte le loro sfumature, oltre la semplice storia d’amore, ecco le nostre guide ai generi che raccontano la vita e le relazioni.

Film Indipendenti

Il cinema indie è il luogo dove le storie non devono per forza finire bene o seguire regole prestabilite. Se cerchi un cinema libero, che racconta la realtà, le relazioni e la società con uno sguardo crudo e d’autore, lontano dai filtri patinati di Hollywood, questa è la selezione che fa per te.

👉 ESPLORA IL CATALOGO: Guarda i Film Indipendenti Romantici in Streaming

Film Drammatici

Le grandi storie sono fatte di conflitti, lacrime e catarsi. Il genere drammatico esplora la complessità dell’animo umano, il dolore, la crescita personale e le sfide della vita. Se cerchi film intensi che ti scuotano nel profondo e ti facciano riflettere sulla condizione umana, questa è la categoria madre.

👉 VAI ALLA SELEZIONE: Film Drammatici

Film Commedia Romantica

Ridere è una cosa seria. La commedia romantica non è solo evasione, ma uno strumento potente per analizzare i difetti della società e le assurdità della vita quotidiana. Se vuoi alleggerire la tensione e cerchi film che usano l’ironia, la satira o la pura farsa per raccontare il mondo, qui trovi i titoli giusti.

👉 VAI ALLA SELEZIONE: Film Commedia Romantica

Film Cult

Ci sono film che superano la prova del tempo e diventano icone. Che siano drammi, commedie o storie passionali, i “Cult” sono quelle opere che hanno definito l’estetica e l’immaginario di intere generazioni. Se vuoi recuperare i capolavori che ogni cinefilo deve aver visto almeno una volta, parti da qui.

👉 VAI ALLA SELEZIONE: Film Cult

💘 L’Amore Senza Tempo: I Classici del Cinema Romantico

L’amore non invecchia, cambia solo abito. Prima delle app di incontri e del cinismo moderno, il cinema ha insegnato a intere generazioni il linguaggio dei sentimenti. Dagli sguardi silenziosi del muto all’eleganza della Hollywood classica, fino alle passioni tormentate del cinema d’autore europeo. In questa sezione ripercorriamo le storie d’amore che hanno superato la prova del tempo, definendo l’idea stessa di romanticismo sul grande schermo.

Cuore fedele

Ora disponibile

Dramma, di Jean Epstein, Francia, 1923.
Marie è un'orfana sfruttata duramente da un barista nel porto di Marsiglia. Vogliono darla in sposa a Petit Paul, un fannullone ubriacone. Ma Jean, un uomo che lavora nel porto, è innamorato di lei e Marie ricambia il suo sentimento. Marie è costretta a partire con Petit Paul, ma Jean li segue in un luna park dove i due uomini litigano. Nella rissa un poliziotto viene accoltellato e, mentre Petit Paul scappa, Jean viene arrestato. Un anno dopo, uscito di prigione, Jean scopre che Marie ora ha un bambino e vive con Petit Paul, che spende tutti i loro soldi per bere. Il bambino è malato e Jean cerca di dare una mano a Marie, aiutato da una donna storpia, che abita alla porta accanto.

Capolavoro dimenticato del cinema impressionista, un emozionante melodramma pieno di sperimentazioni visive. Dopo il film L’albergo rosso, del 1923, Epstein continua la sua ricerca artistica scrivendo questa volta la sceneggiatura originale, senza ispirarsi ad un testo letterario già esistente. Come altri registi della sua epoca come Abel Gance, Delluc, Dulac, L’Herbier, utilizza il cinema ed il melodramma per fare un discorso basato sulle teorie estetiche della fotogenia, teorizzata insieme a Delluc, e sulle sue personali speculazioni filosofiche. Gina Manès e Léon Mathot, la coppia di amanti che erano già protagonisti del film precedente (L'albergo rosso, 1923), diventano in Cuore Fedele i personaggi di una storia molto semplice, scritta in una sola notte. Un teorema filosofico e stilistico brutale. Cuore fedele si svolge in esterni in zone malfamate e reali come il porto, l'osteria, i sobborghi proletari e malfamati, in scenografie naturali di confine tra terra e mare. Gli ambienti reali diventano immagini simboliche dei sentimenti dei personaggi e materia prima dello stile del regista. Epstein non credeva nel realismo e si rifiutò di definire Cuore Fedele un film realista, come alcuni critici cinematografici avevano affermato. Il realismo nell’arte per Epstein non esiste: secondo la sua visione un’arte non simbolica non è arte. Immagini, volti e ambientazioni di rara poesia e bellezza.

LINGUA: francese (didascalie)
SOTTOTITOLI: italiano

GUARDA ORA

Cuore fedele (1923)

Cuore fedele è un film muto francese diretto da Jean Epstein e interpretato da Marie Bell, Georges Colin e Jean Dasté. È un melodramma ambientato a Marsiglia all’inizio del XX secolo. Il film racconta la storia di Marie, una giovane donna promessa sposa di Antoine, un marinaio. Tuttavia, Marie è anche attratta da Jean, un pescatore che le ha salvato la vita quando era bambina. Quando Antoine viene mandato via per un lungo viaggio, Marie e Jean iniziano una relazione.

Cuore fedele esplora i temi dell’amore, del tradimento e del destino. È anche un ritratto della vita operaia a Marsiglia. Cuore fedele fu un successo di critica e di pubblico. Fu elogiato per la regia, la fotografia e le interpretazioni. Il film è stato selezionato per la conservazione nel National Film Registry degli Stati Uniti. Capolavoro dimenticato del cinema impressionista, un melodramma emozionante pieno di sperimentazione visiva. Un brutale teorema filosofico e stilistico. Cuore fedele si svolge all’aperto, in luoghi malfamati e reali come il porto, la taverna, la periferia proletaria e malfamata, in contesti naturali al confine tra terra e mare.

L’Atalante (1934)

L’Atalante è un film francese diretto da Jean Vigo. È il secondo e ultimo film del regista, che morì poco prima di completarlo. Il film racconta la storia di Jean, un giovane marinaio, e Juliette, una giovane contadina. I due si sposano e si imbarcano sulla chiatta L’Atalante, di cui Jean è il capitano. Juliette fatica ad adattarsi alla vita a bordo della chiatta e Jean è spesso assente per lavoro.

L’Atalante esplora temi come l’amore, la solitudine, la libertà e la natura. Il film è anche un ritratto della vita a bordo di una chiatta fluviale francese. L’Atalante fu un successo di critica e pubblico. Fu elogiato per la regia, la fotografia e le interpretazioni. Il film è considerato uno dei capolavori del cinema francese. Una delle più belle storie d’amore della storia del cinema, in equilibrio tra avanguardia surrealista e realismo poetico. Jacques Louis Nounez, produttore del precedente film di Jean Vigo, “Zero in Conduct”, bloccato dalla censura, accettò di produrre il secondo film del regista, “Atalante”.

La Bella e la Bestia (1946)

Per salvare il padre, condannato a morte per aver colto una rosa nel giardino di un castello misterioso, la dolce Belle decide di offrirsi come prigioniera al padrone del maniero. Qui incontra la Bestia, una creatura dall’aspetto ferino ma dall’animo tormentato e nobile. In La Bella e la Bestia, la convivenza forzata tra i due si trasforma lentamente in un legame profondo: Belle scopre che dietro le zanne e la pelliccia si nasconde un uomo vittima di una maledizione, imparando a guardare oltre le apparenze fino a spezzare l’incantesimo con il potere dell’amore.

Diretto dal poeta e visionario Jean Cocteau, questo film è un miracolo di artigianato cinematografico che non è invecchiato di un giorno. Senza l’uso della CGI, Cocteau crea un’atmosfera onirica indimenticabile grazie a trucchi prostetici, scenografie viventi (candelabri sorretti da braccia umane) e un uso magistrale del chiaroscuro. La Bella e la Bestia non è solo una fiaba, ma un’opera d’arte surrealista che esplora il dualismo dell’animo umano, contrapponendo la bestialità esteriore alla purezza interiore in un poema visivo di rara potenza.

Lettera da una sconosciuta (1948)

Nella Vienna di inizio Novecento, Lisa Berndle, un’adolescente timida e sognatrice, si innamora perdutamente del suo vicino di casa, il pianista libertino Stefan Brand. Per tutta la vita, Lisa modellerà la sua esistenza intorno a questo amore non corrisposto e non riconosciuto, concedendosi a lui in un’unica notte di passione che Stefan dimenticherà presto. Anni dopo, in Lettera da una sconosciuta, una missiva postuma rivela all’uomo la profondità di un sentimento che ha ignorato per decenni, mettendolo di fronte alla vacuità della sua vita dissoluta.

Max Ophüls firma il melodramma definitivo, un capolavoro di eleganza formale e struggimento emotivo. La macchina da presa si muove con una fluidità liquida, accarezzando i personaggi e le scenografie viennesi, mentre la narrazione costruisce un crescendo di tragedia inevitabile. Lettera da una sconosciuta è un’analisi spietata e commovente dell’ossessione amorosa e della memoria, dove la grandezza del sacrificio femminile si scontra con la superficialità maschile, rendendo la performance di Joan Fontaine una delle più dolorose della storia del cinema.

Festival in Cannes

Ora disponibile

Commedia sentimentale, di Henry Jaglom, Stati Uniti, 2001.
Cannes, 1999 . Alice, un'attrice, vuole dirigere un film indipendente, ed è in cerca di finanziatori. Conosce Kaz, un affarista chiacchierone, che le promette 3 milioni di dollari se userà Millie, una star francese che ha oltrepassato la sua giovinezza e non trova più ruoli interessanti. Alice racconta la storia del film a Millie e l'attrice si innamora del progetto. Ma Rick, un importante produttore che lavora per un grande Studio di Hollywood, ha bisogno di Millie per una piccola parte in un film che deve girare in autunno, altrimenti perderà la sua star, Tom Hanks. Kaz è un vero produttore o è un ciarlatano? Rick in realtà non è più ricco come in passato e deve assolutamente convincere Alice a rinunciare a Millie per concludere l'affare del grosso progetto con Tom Hanks. Millie è indecisa su cosa scegliere: un film indipendente che ama ma senza grossi guadagni o una piccola parte nel film hollywoodiano pagata molto bene? Intanto una giovane attrice di nome Blue diventa la star del festival e Kaz scopre un nuovo amore. La ruota della vita, e dello show business, gira, tra sentimenti, bilanci esistenziali e affari cinematografici. Un film girato con grande libertà stilistica, come un documentario, durante l'edizione del festival del 1999, che si concentra sulle performance degli attori con un metodo di improvvisazione spontaneo e fluido, ispirato dal cinema di Cassavetes. Una commedia sentimentale leggera e commuovente, dove i conflitti e le fragilità delle star dello show business emergono progressivamente, portando a galla i temi importanti della vita.

Spunto di riflessione
Lavorare come ingranaggio di un sistema o per la propria visione? Dipendenza o indipendenza? Entrambe non sono completamente reali: la realtà che accade ovunque, in qualsiasi settore, in qualsiasi evento naturale, è l'interdipendenza. Noi tutti siamo assolutamente interdipendenti, non solo tra uomini, non solo tra nazioni, ma tra alberi e esseri umani, tra animali e alberi, tra uccelli e sole, tra luna e oceani, tutto è intrecciato con ogni altra cosa. L'umanità del passato non ha compreso questa legge fondamentale, ed ha creato grossi problemi.

LINGUA: inglese
SOTTOTITOLI: italiano

GUARDA ORA

Cronaca di un amore (1950)

Paola è una donna bellissima e inquieta, sposata con un ricco industriale milanese che, roso dalla gelosia, assume un investigatore per scavare nel passato della moglie. L’indagine riporta a galla una vecchia storia d’amore tra Paola e Guido, un uomo di modeste condizioni, interrotta anni prima da un tragico incidente. In Cronaca di un amore, il ritrovarsi riaccende la passione tra i due ex amanti, spingendoli a progettare l’omicidio del marito di lei in un clima di sospetto, colpa e fatalità che li consumerà entrambi.

L’esordio alla regia di Michelangelo Antonioni è un’opera fondamentale che decostruisce i canoni del noir americano immergendoli nell’alienazione borghese italiana. Non è tanto la trama criminale a interessare, quanto il vuoto esistenziale dei protagonisti e l’incapacità di trovare una vera felicità. Visivamente raffinato e glaciale, Cronaca di un amore anticipa i temi dell’incomunicabilità che renderanno celebre il regista, offrendo un ritratto amaro di un amore che nasce “colpevole” e non può trovare redenzione.

La signora senza camelie (1953)

Clara Manni, una giovane commessa di umili origini, viene scoperta da un produttore e lanciata nel mondo del cinema, diventando rapidamente una star grazie alla sua bellezza. Tuttavia, Clara aspira a essere presa sul serio come attrice drammatica, cercando di sfuggire ai ruoli da femme fatale che le vengono imposti. In La signora senza camelie, il matrimonio con un produttore geloso e possessivo e una relazione extraconiugale fallimentare la porteranno a comprendere la crudeltà dello show business, dove lei è vista solo come un corpo da sfruttare.

Antonioni continua la sua indagine sulla crisi dei sentimenti e sulla mercificazione della donna nella società moderna. Il film è una critica lucida e disincantata all’industria cinematografica italiana dell’epoca, lontana dai toni celebrativi. La signora senza camelie è un dramma sulla solitudine e sul fallimento delle aspirazioni personali, sorretto da una Lucia Bosé magnifica nel ritrarre una donna intrappolata in un’immagine pubblica che non le appartiene e che finisce per soffocare la sua identità.

Pane, amore e… (1955)

Il maresciallo Antonio Carotenuto torna nella sua nativa Sorrento per assumere il comando dei vigili urbani e occupare la casa di famiglia. Qui si trova a dover sfrattare l’inquilina abusiva, la pescivendola Sofia detta “la Smargiassa”, una donna vulcanica di cui si invaghisce perdutamente. In Pane, amore e…, il corteggiamento del maturo maresciallo si scontra con le mire della donna, che mira invece a far ingelosire un giovane pescatore, dando vita a una serie di equivoci e schermaglie amorose sullo sfondo della costiera amalfitana.

Terzo capitolo della celebre saga del neorealismo rosa, questo film segna il passaggio dal bianco e nero al colore e l’arrivo di Sophia Loren al posto della Lollobrigida. Diretto da Dino Risi, Pane, amore e… è una commedia di costume brillante e solare che celebra la vitalità popolare e l’arte di arrangiarsi. Al di là delle risate, offre uno spaccato affascinante dell’Italia degli anni ’50, tra tradizione e voglia di leggerezza, dominato dal carisma scenico di Vittorio De Sica.

Il bandito delle 11 (1956)

Bob Montagné è un ex rapinatore leggendario, ormai invecchiato, che passa le sue notti tra i locali di Montmartre e il tavolo da gioco, dove la fortuna sembra averlo abbandonato. Ridotto quasi sul lastrico, decide di organizzare un ultimo, spettacolare colpo al casinò di Deauville con una squadra di complici. Tuttavia, in Il bandito delle 11 (Bob le Flambeur), il piano perfetto rischia di saltare non per l’abilità della polizia, ma per le debolezze umane, i pettegolezzi e le passioni incontrollabili dei membri della banda.

Jean-Pierre Melville firma un capolavoro che è il padre spirituale della Nouvelle Vague e di film come Ocean’s Eleven. Non è solo un heist movie, ma un ritratto malinconico e stiloso di un uomo d’onore fuori tempo massimo. Girato con luce naturale e camera a mano per le strade di Parigi, Il bandito delle 11 è un film sull’eleganza della sconfitta e sul destino beffardo, dove l’atmosfera notturna e il codice morale dei criminali contano più dell’azione stessa.

Il bacio perverso

Ora disponibile

Drama, Noir, di Samuel Fuller, 1967, Stati Uniti.
Kelly è una prostituta che arriva in autobus nella piccola cittadina di Grantville, dopo essersi allontanata dalla grande città per sfuggire al suo ex protettore. Incontra il capitano della polizia locale Griff che la ospita nel suo appartamento, ma poi la invita ad abbandonare la città. Kelly invece vuole abbandonare la sua vita precedente e diventare infermiera in un ospedale per bambini disabili. Griff pensa che sia opportunismo, non si fida e continua a cercare di mandarla fuori città. Kelly si innamora di Grant, il ricco rampollo della famiglia più importante della città, amico di un suo amico, Griff. Dopo un corteggiamento straordinario in cui nemmeno il racconto di Kelly del suo oscuro passato può scoraggiare Grant, i due decidono di sposarsi. Kelly riesce a convincere Griff che lei ama davvero Grant e ha rinunciato definitivamente alla prostituzione, e il suo amico acconsente ad essere il loro testimone di nozze.

Spunto di riflessione
A volte si sceglie di cambiare vita perché la nostra esistenza non appaga più, e scegliamo di perseguire qualcosa che ci piace o che ci renda le giornate più semplici. Ma dopo aver apportato il cambiamento ci rendiamo conto che nascono nuovi conflitti e differenti problemi. Spesso il cambiamento migliore non è ciò che più ti piace, ma la scelta di un nuovo stile di vita supportati da valori reali. Un cambiamento di vita etico. Ci saranno nuovi problemi, nuove difficoltà, ma l'appagamento sarà immediato.

LINGUA: inglese
SOTTOTITOLI: italiano

GUARDA ORA

Les Mistons (1957)

In una calda estate della Provenza francese, un gruppo di ragazzini scatenati (i “mistons” del titolo) sviluppa un’ossessione collettiva per la bella Bernadette. Gelosi del suo amore per l’istruttore di ginnastica Gérard, i bambini iniziano a perseguitare la coppia, spiandoli, disturbando i loro appuntamenti e trasformando il loro idillio romantico in un bersaglio per scherzi crudeli. In Les Mistons, quella che inizia come un’estate di giochi infantili si scontra presto con la realtà adulta e la tragedia.

Questo cortometraggio segna il vero inizio della carriera di François Truffaut e contiene già tutti i semi del suo cinema futuro: l’amore per l’infanzia ribelle, la sensualità e la malinconia. È un’opera che brilla per freschezza e libertà espressiva, omaggiando il cinema muto (la scena dell’innaffiatore innaffiato) e catturando con poesia il momento preciso in cui l’innocenza lascia il posto alla consapevolezza della perdita. Un piccolo gioiello di vitalità cinematografica.

L’avventura (1960)

Durante una crociera in yacht alle isole Eolie, Anna, una ragazza ricca e insoddisfatta, scompare misteriosamente sull’isolotto deserto di Lisca Bianca. Il suo fidanzato Sandro e la sua migliore amica Claudia iniziano a cercarla, ma con il passare dei giorni l’ansia della ricerca lascia spazio a un’attrazione reciproca. In L’avventura, la scomparsa di Anna diventa un pretesto per esplorare il nascere di una nuova relazione fondata non sull’amore, ma sul vuoto e sulla dimenticanza, mentre il mistero iniziale scivola nell’oblio.

Film manifesto del cinema moderno, L’avventura di Antonioni ha cambiato per sempre le regole della narrazione. Il regista abbandona la trama gialla per concentrarsi sui “tempi morti” e sulla psicologia dei personaggi, persi in paesaggi che riflettono la loro aridità interiore. Fischiato a Cannes ma poi premiato, è un’opera ipnotica sull’instabilità dei sentimenti e sulla facilità con cui l’essere umano sostituisce gli affetti, un’analisi impietosa dell’alienazione contemporanea.

La notte (1961)

Giovanni Pontano, scrittore di successo, e sua moglie Lidia attraversano una crisi matrimoniale silenziosa e irreversibile nell’arco di una singola giornata a Milano. Dopo aver visitato un amico morente in ospedale e aver vagato senza meta per la città che cambia volto, la coppia partecipa a una festa mondana in una villa brianzola. In La notte, tra noia, tradimenti intellettuali e flirt accennati, i due coniugi prendono coscienza che il loro amore si è consumato, lasciando spazio solo a una disperata solitudine condivisa.

Secondo capitolo della trilogia dell’incomunicabilità, il film è un ritratto architettonico e geometrico della fine di un amore. Antonioni usa la Milano del boom economico, con i suoi grattacieli di vetro e cemento, come specchio della freddezza emotiva dei protagonisti. La notte è un film di atmosfere sospese e sguardi persi nel vuoto, impreziosito dalle interpretazioni magistrali di Mastroianni e Moreau, che mettono in scena il dramma di chi non ha più nulla da dirsi.

L’eclisse (1962)

Vittoria, una giovane traduttrice, rompe una lunga relazione con il suo compagno dopo una notte di discussioni estenuanti. Vagando per Roma, incontra Piero, un giovane e cinico agente di cambio, vitale e materialista. Tra i due nasce una relazione fatta di attrazione fisica e incomprensioni, che sembra destinata a non avere futuro. In L’eclisse, la storia d’amore si dissolve progressivamente, culminando in un finale astratto dove i protagonisti non si presentano all’appuntamento, lasciando che siano gli oggetti e gli spazi urbani a “raccontare” la loro assenza.

Conclusione della trilogia esistenziale, questo film porta alle estreme conseguenze il linguaggio di Antonioni. La Borsa di Roma diventa un luogo infernale e caotico che si contrappone ai silenzi della periferia romana, quartiere dell’EUR in testa. L’eclisse è un’opera visivamente audace che profetizza la disumanizzazione della società capitalista, dove i sentimenti sono volatili come le quotazioni azionarie e l’umanità rischia di eclissarsi sotto il peso delle cose.

Inseguendo le farfalle

Ora disponibile

Commedia, romantico, di Rod Bingaman, Stati Uniti, 2009.
Nina fugge di casa qualche ora prima del suo matrimonio. Per non rimandare la cerimonia nuziale sua madre finge di essere Nina e sposa il suo fidanzato. Subito dopo iniziano le loro ricerche per trovare Nina e riportarla indietro: lo sposo di Nina è convinto che lei non lo ama più. Un ragazzino nerd di quindici anni incontra Nina per strada e tenta di fare colpo su di lei con la Corvette di suo padre che ha preso di nascosto, senza avere la patente. Nel frattempo una giovane donna ribelle ed il suo fidanzato evaso dal carcere incontrano il ragazzino e gli rubano la Corvette, seminando il panico con una serie di furti mentre si dirigono verso il Canada, in cerca di una vita migliore e di soldi per concretizzare il loro sogno d'amore. Intanto Nina incontra su un autobus un uomo in fuga da un matrimonio fallito: un famoso speaker radiofonico locale che è stato abbandonato dalla moglie. Ma l'autobus sarà il bersaglio di una rapina della coppia di fidanzati "Natural Born Killers".

Inseguendo le farfalle è una commedia romantica piena di azione popolata da personaggi destinati ad incrociare le loro strade. L'amore dà loro energia o li spaventa, tutti sono in fuga in cerca di una vita migliore o perché non sanno affrontare le responsabilità. Tutti si rifiutano di restare imprigionati nelle convenzioni sociali anche quando sono loro stessi che le hanno cercate, anche quando la convenzione sociale è quella di un matrimonio con un uomo che ami ancora. Un on the road disseminato di situazioni grottesche e di dialoghi esilaranti, spesso in slang americano, realizzato in maniera indipendente, con un cast molto interessante.

LINGUA: inglese
SOTTOTITOLI: italiano

GUARDA ORA

La calda amante (1964)

Pierre Lachenay, un celebre letterato ed editore parigino, conduce una vita ordinata e borghese finché non incontra Nicole, una hostess di volo molto più giovane di lui. Inizia una relazione extraconiugale che Pierre vive con goffaggine e passione, cercando di conciliare i suoi doveri familiari con il desiderio di evasione. In La calda amante (La Peau douce), quello che sembra un banale adulterio si trasforma in una trappola claustrofobica fatta di bugie, appuntamenti clandestini in hotel di provincia e incomprensioni, fino a un epilogo tragico e improvviso.

François Truffaut abbandona il tono leggero per dirigere un dramma “hitchcockiano” sui meccanismi dell’adulterio. Il film analizza con freddezza quasi clinica la banalità del male che si annida nelle relazioni sentimentali, mostrando come l’amore possa trasformarsi in egoismo e distruzione. Sottovalutato all’uscita, La calda amante è oggi riconosciuto come uno dei film più maturi e amari del regista, un ritratto spietato della fragilità maschile e della vendetta.

Bonnie e Clyde (1967)

Nel cuore della Grande Depressione americana, Clyde Barrow, un ex detenuto affascinante, incontra Bonnie Parker, una cameriera annoiata dalla vita di provincia. Insieme iniziano una carriera criminale attraversando il Midwest, rapinando banche e sfidando l’autorità. In Bonnie e Clyde, la loro fuga diventa leggenda mediatica: i due diventano eroi popolari, amanti maledetti che vivono velocemente e pericolosamente, circondati da una banda di complici eccentrici, mentre la legge stringe il cerchio intorno a loro in un crescendo di violenza inevitabile.

Il film di Arthur Penn ha segnato la nascita della “New Hollywood”, rompendo i tabù sulla rappresentazione della violenza e della sessualità. Mescolando toni da commedia slapstick con momenti di brutale realismo (il finale crivellato di colpi è iconico), il film trasforma due criminali in icone ribelli e romantiche. Bonnie e Clyde è un’opera rivoluzionaria che parla di giovinezza, desiderio di fama e rivolta contro il sistema, ridefinendo per sempre il genere gangster.

Baci rubati (1968)

Antoine Doinel, congedato con disonore dall’esercito per instabilità di carattere, cerca il suo posto nel mondo nella Parigi del 1968. Passa da un lavoro all’altro (portiere notturno, investigatore privato, riparatore TV) con esiti disastrosi e cerca di riconquistare la fidanzata Christine. Nel frattempo, in Baci rubati, si infatua della matura e affascinante moglie di un cliente, Fabienne Tabard. Tra situazioni comiche e momenti di dolcezza, Antoine prosegue il suo accidentato percorso di educazione sentimentale.

Truffaut torna al suo alter ego Jean-Pierre Léaud con una commedia leggera, frizzante e improvvisata, girata proprio durante i moti del Maggio Francese (che però restano fuori campo). È un inno alla giovinezza, all’incertezza e alla bellezza degli amori passeggeri. Baci rubati è forse il capitolo più amabile della saga Doinel, un film che celebra la vita con un tocco di malinconia e una grazia inimitabile, suggellato dalla canzone di Charles Trenet che dà il titolo all’opera.

La mia droga si chiama Julie (1969)

Louis Mahé, ricco proprietario di una piantagione di tabacco nell’isola di Riunione, aspetta l’arrivo di Julie, una donna conosciuta per corrispondenza che ha accettato di sposarlo. Quando lei arriva, è molto più bella delle foto inviate (è Catherine Deneuve), ma nasconde un segreto. Dopo averlo sposato e derubato di tutto, fugge in Francia. In La mia droga si chiama Julie (La sirène du Mississipi), Louis, invece di denunciarla, la insegue ossessivamente, disposto a perdonarle ogni tradimento e a rovinarsi pur di stare con lei, in una discesa autodistruttiva guidata da una passione folle.

François Truffaut dirige Jean-Paul Belmondo e Catherine Deneuve in un noir atipico dedicato a Jean Renoir. È una storia di amour fou (amore folle) che sfida ogni logica e dignità, esplorando il confine tra amore e masochismo. Il film è un’analisi profonda della dipendenza affettiva: Louis sa che Julie è veleno (“la mia droga”), ma sceglie consapevolmente di “morire” d’amore piuttosto che vivere senza di lei. Un’opera elegante, dolorosa e profondamente romantica nel senso più tragico del termine.

L'amore fugge

Ora disponibile

Commedia, romantico, di Francois Truffaut, Francia, 1978.
Dopo sette anni Antoine e Christine divorziano, pur rimanendo buoni amici. Antoine ha una relazione con Liliane, amica di Christine, ha pubblicato un'autobiografia sui suoi amori e trova lavoro come correttore di bozze e inizia una relazione allegra, anche se tumultuosa, con Sabine, commessa in un negozio di dischi.

È il quinto e ultimo film della serie di 'Antoine Doinel', che segue la vita del protagonista dall'infanzia all'età adulta. Il film vinse il Premio della Giuria al Festival di Cannes di quell'anno. È una significativa rappresentazione dei rapporti umani, una riflessione intelligente e ironica sui temi dell'amore, della perdita e della crescita personale. È anche un omaggio al cinema francese degli anni '60 e '70, una sorta di sintesi di temi e stili cinematografici che Truffaut aveva esplorato nel corso della sua carriera. Léaud aveva interpretato il personaggio in tutti i film della serie "Antoine Doinel" e la sua interpretazione in "Love on the Run" era considerata una delle migliori della sua carriera. "Love on the Run" è stato ben accolto dalla critica ed è considerato uno dei migliori film di Truffaut.

LINGUA: francese
SOTTOTITOLI: italiano, inglese

GUARDA ORA

La mia notte con Maud (1969)

Jean-Louis, un ingegnere cattolico e rigoroso che ha deciso di sposare una ragazza bionda vista in chiesa (senza nemmeno conoscerla), si ritrova per caso a passare una notte di Natale a casa di Maud, una donna divorziata, libera e intelligente. A causa di una nevicata, è costretto a dormire lì. In La mia notte con Maud, i due trascorrono la notte non facendo sesso, ma parlando di filosofia, religione, morale e della scommessa di Pascal, in un gioco di seduzione intellettuale che metterà alla prova le rigide convinzioni dell’uomo.

Capolavoro di Éric Rohmer e vertice dei suoi “Racconti Morali”, il film è la dimostrazione che il cinema può essere fatto di parole e idee tanto quanto di immagini. Jean-Louis Trintignant è perfetto nel ruolo dell’uomo diviso tra i suoi principi e il desiderio. La mia notte con Maud è un film raffinato ed erotico in modo cerebrale, che cattura l’intimità che si crea tra due persone quando si mettono a nudo spiritualmente prima che fisicamente.

Non drammatizziamo… è solo questione di corna (1970)

Antoine Doinel e Christine sono ora sposati, hanno un figlio e vivono in un accogliente appartamento parigino. Antoine lavora colorando fiori in un cortile, ma la sua natura irrequieta non si è placata. La stabilità coniugale viene messa in crisi quando incontra Kyoko, una ragazza giapponese misteriosa ed esotica con cui inizia una relazione extraconiugale quasi surreale. In Non drammatizziamo… è solo questione di corna (Domicile conjugal), Antoine si trova goffamente diviso tra la moglie e l’amante, in una serie di gag che svelano l’immaturità eterna del personaggio.

Truffaut continua la cronaca della vita di Doinel virando decisamente verso la commedia burlesca e la satira della vita di coppia borghese. Il film è pieno di gag visive alla Jacques Tati e osservazioni acute sui piccoli dettagli che tengono insieme (o separano) due persone. È un ritratto affettuoso e leggero dell’adulterio, dove il dramma è bandito a favore di un’ironia che accetta le debolezze umane come parte inevitabile dell’esistenza.

Il ginocchio di Claire (1970)

Jérôme, un diplomatico in procinto di sposarsi, trascorre l’ultima vacanza da scapolo sul lago di Annecy. Qui incontra Aurora, una vecchia amica scrittrice, che lo sfida a “vivere” una storia invece di raccontarla. L’oggetto dell’esperimento diventa Claire, una giovanissima ragazza di cui Jérôme non è innamorato, ma di cui brama ossessivamente un dettaglio fisico: il ginocchio. In Il ginocchio di Claire, il protagonista architetta una strategia complessa solo per poter sfiorare quella parte del corpo, trasformando un capriccio in una questione morale.

Éric Rohmer realizza un film luminoso e sensuale, dove il paesaggio estivo e l’ozio vacanziero fanno da sfondo a un’analisi microscopica del desiderio maschile. Non succede quasi nulla esteriormente, ma interiormente si consuma una battaglia fatta di sguardi, non detti e pulsioni feticiste. Il ginocchio di Claire è un trattato cinematografico sulla seduzione come gioco intellettuale e sull’ipocrisia degli adulti che cercano di razionalizzare i propri istinti più basilari.

Le due inglesi (1971)

All’inizio del XX secolo, il giovane francese Claude Roc incontra Ann Brown, una scultrice inglese che lo invita nel Galles per presentarlo alla sorella Muriel. Nasce un triangolo amoroso complesso e doloroso che si dipana per decenni. Claude ama entrambe le sorelle in momenti diversi: la pragmatica e libera Ann e la puritana e tormentata Muriel. In Le due inglesi, i protagonisti si rincorrono, si amano e si feriscono attraverso lettere, viaggi e incontri mancati, scoprendo che l’amore assoluto spesso non coincide con la felicità quotidiana.

Spesso definito come il “lato oscuro” di Jules e Jim, questo film di Truffaut è un’opera densa, letteraria e profondamente fisica (mostra il sangue della verginità perduta, un tabù per l’epoca). È un film sulla malattia d’amore e sulla difficoltà di sincronizzare i sentimenti. Le due inglesi è un capolavoro di malinconia che esplora come il tempo e la morale rigida possano consumare la passione, lasciando dietro di sé solo il ricordo di ciò che avrebbe potuto essere.

La signora Oyû

Ora disponibile

Dramma, di Kenji Mizoguchi, Giappone, 1951.
Lo scapolo Shinnosuke si innamora di Miss Oyu, accompagnatrice di sua sorella minore Shizu che gli fa visita come futura sposa. Il tabù familiare impedisce a Shinnosuke di sposare Oyu. Sposa Shizu senza consumare il loro matrimonio in modo che Shinnosuke possa rimanere fedele all'inconsapevole Oyu. L'l'impegno della coppia per le apparenze ha però un costo. La mancanza di sessualità e le dicerie malevoli sul ménage-a-trois porta a recriminazioni, separazione e ulteriore dolore. La signora Oyu è una radicale rielaborazione di Mizoguchi e del suo sceneggiatore Yoshikata Yoda della novella di Junichiro Tanizaki The Reed Cutter (1932). E' un film si muove nell'aura dell'alta arte e del buon gusto: titoli di testa con dipinti di nubi, composizioni di capolavori dell'arte cinese e giapponese, interni decorati con raffinati arredi e oggetti d'arte, recital di musica classica giapponese e canzoni derivate dalla poesia giapponese, riferimenti al costume, alla storia e alla letteratura Heian, bellezze storiche e naturali; rituali giapponesi come ikebana, bonsai e cerimonie del tè. Una grande rappresentazione di cultura giapponese esotica e pittoresca, La signora Oyu è stato il primo dei drammi in costume degli anni '50 che avrebbe fatto diventare famoso Mizoguchi fuori dal Giappone.

LINGUA: giapponese
SOTTOTITOLI: italiano, inglese

GUARDA ORA

Ultimo tango a Parigi (1972)

Paul, un americano di mezza età devastato dal suicidio della moglie, e Jeanne, una giovane borghese parigina in cerca di un appartamento, si incontrano per caso in una casa vuota in affitto. Senza dirsi i nomi, iniziano una relazione basata esclusivamente sul sesso violento e disperato, isolandosi dal mondo esterno dentro quelle mura. In Ultimo tango a Parigi, l’appartamento diventa un limbo dove i due cercano di annullare le proprie identità e i propri dolori attraverso i corpi, ma la realtà finirà per irrompere tragicamente quando i sentimenti inizieranno a mescolarsi alla carne.

Bernardo Bertolucci firma uno dei film più controversi e potenti del secolo, trasformando Marlon Brando e Maria Schneider in icone di un erotismo tragico ed esistenziale. La fotografia color ocra di Storaro e le scenografie ispirate a Francis Bacon creano un’atmosfera di decadenza e morte. Al di là dello scandalo, è un film straziante sulla solitudine, sull’impossibilità di conoscere davvero l’altro e sul tentativo fallito di sfuggire alle convenzioni sociali attraverso la trasgressione.

L’amore il pomeriggio (1972)

Frédéric, un avvocato parigino felicemente sposato e padre di famiglia, vive una vita borghese e ordinata, ma nel profondo coltiva fantasie innocue su altre donne. La sua routine viene interrotta dall’arrivo di Chloé, l’ex amante di un suo vecchio amico, una donna libera, instabile e seducente che entra nel suo ufficio e nella sua vita. In L’amore il pomeriggio, quello che inizia come un gioco intellettuale di conversazioni pomeridiane si trasforma lentamente in una tentazione reale che mette alla prova i principi morali dell’uomo.

Ultimo capitolo dei “Sei Racconti Morali” di Éric Rohmer, il film è un’analisi sottile e psicologica della fedeltà coniugale. Rohmer non giudica, ma osserva come il desiderio nasca dalla noia e dalla vanità. La scena finale, in cui Frédéric si trova di fronte alla scelta fisica di tradire e ha un’epifania improvvisa che lo riporta a casa dalla moglie, è uno dei momenti più commoventi e realistici del cinema francese sulla fragilità e la forza dei legami duraturi.

Io e Annie (1977)

Alvy Singer, un comico ebreo newyorkese nevrotico e ossessionato dalla morte, ripercorre la sua relazione fallita con Annie Hall, una donna svampita, vestita da uomo e aspirante cantante. Attraverso flashback non lineari, rotture della quarta parete e monologhi alla macchina da presa, il film racconta la nascita, l’evoluzione e il declino del loro amore. In Io e Annie, Alvy cerca di capire dove hanno sbagliato, analizzando le loro differenze culturali, sessuali e intellettuali in una New York intellettuale e frenetica.

Il capolavoro di Woody Allen ha ridefinito la commedia romantica, trasformandola in un genere adulto e introspettivo. Il film non ha paura di mostrare che l’amore può finire e che, a volte, le persone sono solo di passaggio nella nostra vita per insegnarci qualcosa. Con dialoghi fulminanti (“L’amore è la risposta, ma mentre aspettate la risposta, il sesso pone delle ottime domande”) e uno stile visivo innovativo, è un’opera dolceamara che celebra l’assurdità irrazionale delle relazioni umane.

L’uomo che amava le donne (1977)

Durante il funerale di Bertrand Morane, un ingegnere di Montpellier, una folla di donne di ogni età e tipo si riunisce per dargli l’ultimo saluto. Attraverso un lungo flashback, il film ricostruisce la vita di Bertrand, un seduttore seriale che ha dedicato la sua esistenza a inseguire il fascino femminile. In L’uomo che amava le donne, Bertrand non è un dongiovanni predatore, ma un adoratore sincero e malinconico che vede in ogni donna (dalle commesse alle sconosciute per strada) un mistero unico da scoprire e amare, scrivendo un libro per immortalare le sue memorie.

François Truffaut dirige una commedia drammatica elegante e letteraria che esplora l’ossessione amorosa senza moralismi. Il protagonista (interpretato da Charles Denner) è un uomo solo che cerca di colmare un vuoto affettivo (l’assenza della madre) attraverso la collezione di momenti romantici. È un film sulla fugacità del desiderio e sulla scrittura come unico mezzo per rendere eterno ciò che è destinato a svanire. Un omaggio delicato e feticista alla bellezza femminile.

La stagione del sole

Ora disponibile

Drammatico, di Ko Nakahira, Giappone, 1959.
La dolce vita dei ricchi giovani giapponesi della sottocultura Sun Tribe che si ispirava allo stile di vita occidentale alla fine degli anni '50, tra lussuria e violenza, sci d'acqua e motoscafi. Una storia di amore, passione e tradimento. Due fratelli si innamorano della stessa ragazza, che però nasconde la sua vera vita. La passione morbosa per la ragazza diventa ingestibile e il conflitto tra i due fratelli sempre più drammatico. Capolavoro quasi sconosciuto in Occidente, fece scandalo all'epoca della sua uscita. E' il film che apre la strada e ispira la Nouvelle Vague giapponese. Il regista Ko Nakahira non sopportava il modello di produzione industriale della Nikkatsu e iniziò ad abusare di alcool. Alla fine, ha dovuto espatriare in Cina e utilizzare uno pseudonimo per realizzare i suoi film successivi.

Spunto di riflessione
Ogni volta che provi attrazione sessuale verso qualcuno, può nascere la gelosia perché non sei innamorato. Se sei davvero innamorato, la gelosia non compare mai. Hai paura perché il sesso non è in realtà una vera relazione, hai paura che l'altra persona possa andare da qualcun altro. Questa paura diventa gelosia. Se c'è una relazione autentica è impossibile trovare quella ricchezza da qualche altra parte.

LINGUA: giapponese
SOTTOTITOLI: italiano

GUARDA ORA

Manhattan (1979)

Isaac Davis, uno sceneggiatore televisivo di 42 anni che odia il suo lavoro, sta frequentando Tracy, una liceale di 17 anni che lo ama sinceramente, ma che lui non prende sul serio a causa della differenza d’età. Nel frattempo, si innamora di Mary, l’amante intellettuale e nevrotica del suo migliore amico sposato. In Manhattan, sullo sfondo di una New York in bianco e nero e sulle note di Gershwin, Isaac naviga tra le sue insicurezze e il suo egoismo, finendo per ferire l’unica persona che gli offriva un affetto puro.

Woody Allen firma la sua lettera d’amore alla Grande Mela e al tempo stesso un’autocritica feroce sul narcisismo degli intellettuali. Visivamente splendido (la scena della panchina sotto il ponte di Queensboro è iconica), il film è un’amara riflessione sulla maturità emotiva. Tracy, la “bambina”, si rivela l’unica vera adulta del gruppo, e la corsa finale di Isaac per fermarla prima che parta per Londra è uno dei finali più romantici e struggenti della storia del cinema.

Prima dell’alba (1995)

Jesse, un giovane americano in viaggio in Europa, incontra Céline, una studentessa francese, su un treno diretto a Vienna. Colpito dalla sua intelligenza, la convince a scendere con lui e passare la notte in giro per la città prima del suo volo il mattino seguente. In Prima dell’alba, i due vagano per una Vienna notturna e magica, parlando di tutto: sogni, paure, amore, morte e reincarnazione. Sapendo che il loro tempo è limitato, l’intimità tra loro cresce esponenzialmente, trasformando un incontro casuale in un legame profondo.

Richard Linklater inaugura la trilogia romantica più realistica del cinema contemporaneo. Senza colpi di scena o melodrammi, il film si regge interamente sulla chimica tra Ethan Hawke e Julie Delpy e sulla bellezza del dialogo. È un’opera che cattura perfettamente l’essenza dell’innamoramento giovanile: quella sensazione di sospensione del tempo e di connessione assoluta con un altro essere umano. Un inno alla spontaneità e al coraggio di cogliere l’attimo.

Il favoloso mondo di Amélie (2001)

Amélie Poulain è una cameriera di Montmartre timida e solitaria, che vive in un mondo di piccoli piaceri sensoriali (tuffare la mano nei legumi, rompere la crosta della crème brûlée). Dopo aver ritrovato e restituito una scatola di ricordi d’infanzia a un vecchio inquilino, decide di dedicare la sua vita a raddrizzare quella degli altri tramite piccoli stratagemmi segreti. In Il favoloso mondo di Amélie, la sua missione di “angelo custode” si scontra con il suo stesso bisogno di amore quando incontra Nino, un collezionista di fototessere stracciate, e dovrà trovare il coraggio di uscire dal suo guscio per conquistarlo.

Jean-Pierre Jeunet crea una fiaba moderna visivamente esplosiva, dominata dai colori rosso e verde e da uno stile di regia veloce e inventivo. Il film è diventato un fenomeno culturale globale, celebrando la gentilezza e la fantasia come armi contro la grigia realtà. Audrey Tautou è indimenticabile nel ruolo di un’eroina introversa che ci insegna a trovare la magia nelle piccole cose e a rischiare il cuore per la felicità.

Le pagine della nostra vita (2004)

In una casa di riposo, un uomo anziano legge ogni giorno un diario a una donna affetta da demenza senile. La storia racconta l’amore travolgente sbocciato negli anni ’40 tra Noah, un operaio povero ma appassionato, e Allie, una ricca ereditiera. Il loro legame, ostacolato dai genitori di lei e dalla guerra, sopravvive agli anni e alle separazioni. In Le pagine della nostra vita, si scopre che i due anziani sono proprio Noah e Allie, e che la lettura è l’unico modo per far tornare la memoria alla donna, anche solo per pochi miracolosi secondi.

Tratto dal romanzo di Nicholas Sparks, questo film è diventato il punto di riferimento del dramma romantico moderno. La chimica tra Ryan Gosling e Rachel McAdams (e il loro bacio sotto la pioggia) è leggendaria. Nonostante il sentimentalismo, il film tocca corde profonde parlando della persistenza dell’amore di fronte alla malattia e alla morte. È una storia sull’impegno eterno (“Se sei un uccello, sono un uccello anch’io”) che commuove per la sua fede incrollabile nel potere dei sentimenti.

L'Atalante

Ora disponibile

Drammatico, di Jean Vigo, Francia, 1934.
Jean, il capitano della chiatta L'Atalante, sposa Juliette, e la coppia decide di vivere a bordo dell'Atalante insieme all'equipaggio di Jean, all'eccentrico Père Jules e al mozzo. La coppia si reca a Parigi per consegnare il carico, godendosi una luna di miele improvvisata lungo il percorso. Jules e il mozzo non sono abituati a una donna a bordo, e quando Jean scopre che Juliette e Jules stanno parlando nell'alloggio di Jules, Jean ha una crisi violenta di gelosia. Arrivato a Parigi, Jean promette a Juliette di visitare insieme la città, ma invece sbarca con il mozzo per andare a trovare un indovino.

Una delle storie d'amore più belle della storia del cinema, in equilibrio tra avanguardia surrealista e realismo poetico. Jacques Louis Nounez, il produttore del precedente film di Jean Vigo, Zero in condotta, bloccato dalla censura, accettò di produrre il secondo film del regista, L'Atalante. La sceneggiatura era gradevole e non ci sarebbe stato alcun motivo di una nuova azione della censura. E' una storia d'amore di una giovane coppia, delle prime incomprensioni subito dopo le nozze. Vigo gira L'Atalante nel gennaio 1934, in un clima gelido e umido che gli creerà l'aggravamento del suo stato di salute. Il 25 aprile 1934 il film viene proiettato al Palais Rochechouart ma viene accolto molto male sia dal pubblico che dalla critica. Il distributore chiede al produttore di consegnargli un nuovo montaggio del film. La durata viene ridotta da 89 minuti a 65. La musica di Jaubert viene sostituita da una canzone alla moda, 'La chaland qui passe', che diventa anche il nuovo titolo del film. Il film esce nuovamente a settembre. Vigo non lo vedrà mai: morirà il mese dopo. Giudicato un film mediocre, L'Atalante resta in programmazione tre settimane e poi viene tolto. Nel 1940 il film viene proiettato allo Studio des Ursulines, con il titolo e le musiche originali. Ma non riscuote più successo che in precedenza. Nel 1949 L'Atalante viene promosso tenacemente della Fédération Française du CinéClubs. Cambia l'opinione pubblica e Jean Vigo viene considerato uno dei più grandi cineasti francesi. Poi il film circola nuovamente nella sua versione tagliata. Nel 1989 il film diventa popolare con la sua versione originale ricostruita dalla Gaumont. L'opera di ricomposizione fu affidata ai registi Pierre Philippe e Jean-Louis Bompoint, che partono dalle copie disponibili alla Cinémathèque Francaise. Nel 1990 viene scoperta al British Film Institute di Londra una copia perfetta della versione del 1934. Il film viene restaurato e vengono aggiunte sequenze mancanti bloccate dalla censura degli anni '30. Si arriva così, dopo quasi 60 anni, ad una versione de L'Atalante fedele al 99%, all'originale. Ora sono tutti d'accordo: Jean Vigo, a soli 28 anni, gira un film perfetto, destinato a diventare un classico dell'arte cinematografica.

Spunto di riflessione
Alcune persone pensano che l'amore giustifichi la possessività, senza comprendere una cosa molto semplice: quando possiedi la persona che ami uccidi l'amore, e uccidi la persona. La vita di qualcun altro non può essere posseduta. Una persona gelosa non può amare, e una persona che ama non può essere gelosa. L'uomo cerca garanzie perché l'amore è fatto della sostanza dei sogni, non è affidabile. Egli vuole avere sicurezza per il futuro: una specie di assicurazione che chi ti ama adesso, ti amerà per sempre.

LINGUA: italiano

GUARDA ORA

Vicky Cristina Barcelona (2008)

Due amiche americane, la prudente Vicky (che sta per sposarsi) e l’avventurosa Cristina, passano l’estate a Barcellona. Qui vengono avvicinate da Juan Antonio, un pittore carismatico che propone loro un weekend a Oviedo. Entrambe, in modi diversi, cadono sotto il suo fascino. Ma la situazione si complica in Vicky Cristina Barcelona con l’arrivo di Maria Elena, l’instabile e geniale ex moglie di Juan Antonio. Si forma così un triangolo (e poi quadrilatero) amoroso caotico e passionale che mette in discussione le certezze di tutti.

Woody Allen esplora le diverse facce dell’amore: quello sicuro ma spento (Vicky), quello romantico ma instabile (Cristina) e quello distruttivo ma artisticamente fertile (Juan Antonio e Maria Elena). Penélope Cruz ruba la scena (vincendo l’Oscar) nel ruolo della donna “troppo” passionale. Il film è una riflessione solare e sensuale sull’impossibilità di essere felici: chi cerca la stabilità si annoia, chi cerca la passione si brucia.

(500) giorni insieme (2009)

Tom, un architetto mancato che scrive biglietti d’auguri, si innamora perdutamente di Sole (Summer), la nuova assistente del suo capo. Lui crede nel destino e nell’anima gemella; lei no. I due iniziano una relazione che dura 500 giorni, ma il film ci avverte subito: “Questa non è una storia d’amore”. In (500) giorni insieme, la narrazione salta avanti e indietro nel tempo, mostrandoci l’euforia dell’inizio e il dolore della fine, decostruendo i ricordi di Tom per fargli capire che la sua visione idealizzata di Sole gli ha impedito di vedere la realtà.

Marc Webb dirige una “anti-commedia romantica” brillante e onesta. Il film è famoso per la scena “Aspettative vs Realtà”, che illustra perfettamente la delusione amorosa. Joseph Gordon-Levitt e Zooey Deschanel incarnano una coppia moderna e credibile. È un film che insegna una lezione fondamentale: proiettare le proprie fantasie su un’altra persona non è amore, è solitudine, e a volte bisogna perdere qualcuno per ritrovare se stessi.

Blue Valentine (2010)

Dean e Cindy sono una coppia sposata della classe operaia con una figlia piccola, il cui matrimonio sta andando a pezzi. Il film alterna due linee temporali: il passato, pieno di speranza e romanticismo, quando i due si sono conosciuti e innamorati nonostante le difficoltà; e il presente, cupo e soffocante, dove l’amore si è trasformato in risentimento e incomprensione. In Blue Valentine, un tentativo disperato di salvare il rapporto passando una notte in un motel a tema “futuristico” si trasforma nel teatro della loro rottura definitiva.

Derek Cianfrance realizza un’autopsia brutale e realistica di un amore che muore. Ryan Gosling e Michelle Williams (che hanno vissuto insieme in una casa per un mese per prepararsi ai ruoli) offrono performance strazianti. Non ci sono cattivi, solo due persone che sono cambiate in direzioni opposte e non riescono più a trovarsi. È un film doloroso ma necessario, che mostra il lato oscuro del “vissero felici e contenti”, dove l’amore a volte non basta a superare le incompatibilità della vita.

Separati innamorati (2012)

Celeste e Jesse si sono sposati giovanissimi e sono sempre stati migliori amici. Ora, a 30 anni, si stanno separando perché Celeste vuole concentrarsi sulla carriera mentre Jesse è rimasto un eterno adolescente senza ambizioni. Decidono però di rimanere “migliori amici”, vivendo in una simbiosi che confonde tutti. In Separati innamorati (Celeste and Jesse Forever), l’equilibrio si rompe quando Jesse trova inaspettatamente un nuovo amore e diventa padre, costringendo Celeste ad affrontare la solitudine e a capire che il suo senso di superiorità le ha fatto perdere l’uomo che amava davvero.

Scritto e interpretato da Rashida Jones, questo film ribalta i cliché: qui è la donna a essere cinica e focalizzata sul successo, mentre l’uomo è quello emotivo. È una commedia agrodolce sulla difficoltà di lasciare andare il proprio passato e sulla maturità che arriva attraverso il dolore. Un ritratto onesto di come l’amicizia con un ex possa essere un ostacolo alla propria crescita, finché non si accetta che le strade si sono divise.

Nika

Ora disponibile

Drammatico, romantico, di Leilani Amour Arenzana, Stati Uniti, 2020.
Nika, una giovane donna di Los Angeles che ha perso entrambe i genitori in un incidente stradale, ha iniziato da un pò di tempo la carriera da modella ma sente il vuoto che circonda la sua esistenza ed il peso del tempo passa. Non è più così giovane e ripensa alla sua vita che sembra una lunga collezione di fallimenti: non è riuscita a raggiungere il successo in nessuno dei settori artistici per cui aveva studiato. Ma anche la sua amica che è diventata una popolare star non sembra felice. In preda a una grave crisi finanziaria e alla disperazione Nika affronta una scelta di vita che potrebbe riscattarla o rovinarla: diventare una escort.

Nika ci mostra un mondo di plastica, di estreme fragilità e di personaggi inconsapevoli che cercano un senso in una società che appare ostile da tutti i punti di vista. La regista Leilani Amour Arenzana, forse non sempre intenzionalmente, ci mostra personaggi prigionieri in una trappola di cui forse non conoscono neanche l'esistenza. Una trappola "occidentale" in cui i vizi, le fragilità psicologiche, il materialismo sembrano prendere inesorabilmente il sopravvento. Con accensioni surrealiste ed oniriche, incubi, dolci sogni e problemi concreti della realtà quotidiana, Nika è un film che racconta un periodo di trasformazione e redenzione di una donna, tra dramma e romanticismo.

LINGUA: inglese
SOTTOTITOLI: italiano

GUARDA ORA

Ruby Sparks (2012)

Calvin, un giovane scrittore prodigio in blocco creativo e solitario, inizia a scrivere su una vecchia macchina da scrivere la storia della sua donna ideale, Ruby Sparks. Una mattina, si sveglia e trova Ruby in carne e ossa nella sua cucina: la ragazza è reale e si comporta esattamente come lui l’ha scritta. In Ruby Sparks, Calvin scopre di poter cambiare la personalità e le azioni della fidanzata semplicemente scrivendo nuove frasi, ma questo potere divino trasforma la relazione in un incubo di controllo e manipolazione che distrugge l’autenticità dell’amore.

Diretto dai creatori di Little Miss Sunshine e scritto dall’attrice protagonista Zoe Kazan, il film è una metafora brillante sul “Mito di Pigmalione” e sul desiderio maschile di plasmare la donna perfetta. Sotto la superficie di commedia indie carina, nasconde un cuore oscuro che critica il narcisismo e la possessività. Il finale è una potente lezione sul fatto che amare significa accettare l’altro nella sua imprevedibile e incontrollabile libertà.

The Spectacular Now (2013)

Sutter Keely è l’anima della festa del liceo: carismatico, sempre con un bicchiere in mano e concentrato solo sul presente (“The Spectacular Now”). Dopo essere stato lasciato dalla fidanzata, si ubriaca e si sveglia su un prato davanti a Aimee Finicky, una ragazza introversa, studiosa e che non ha mai avuto un ragazzo. Iniziano a frequentarsi, e quella che sembra una storia improbabile diventa profonda. In The Spectacular Now, Aimee vede il dolore dietro l’allegria di Sutter, ma lui rischia di trascinarla nel suo baratro di alcolismo e autodistruzione ereditato dal padre.

James Ponsoldt dirige un teen movie che evita tutti gli stereotipi del genere. È un film crudo e autentico sull’adolescenza, che tratta l’alcolismo giovanile con serietà. Miles Teller e Shailene Woodley sono straordinariamente naturali. Non è la solita storia del “cattivo ragazzo salvato dalla brava ragazza”, ma un racconto di crescita reciproca in cui entrambi devono imparare a salvarsi da soli prima di poter stare insieme in modo sano.

C’era una volta a New York (2013)

1921. Ewa Cybulska, un’immigrata polacca, arriva a Ellis Island con la sorella malata, che viene messa in quarantena. Ewa, sola e disperata, rischia la deportazione ma viene “salvata” da Bruno Weiss, un uomo affascinante che gestisce uno spettacolo di burlesque e un giro di prostituzione. In C’era una volta a New York (The Immigrant), Ewa è costretta a vendere il suo corpo per sopravvivere e salvare la sorella, finché non incontra Orlando, il cugino illusionista di Bruno, che le offre una speranza di amore e redenzione, scatenando la gelosia possessiva di Bruno.

James Gray realizza un melodramma classico e sontuoso che ricorda l’opera lirica. Marion Cotillard è immensa nel ruolo di una donna che, pur costretta al peccato, mantiene intatta la sua purezza spirituale. Joaquin Phoenix interpreta un “cattivo” complesso e tragico, un uomo che sfrutta Ewa ma ne è disperatamente innamorato. È un film potente sulla fede, sul sacrificio e sulla brutalità del Sogno Americano, visivamente ispirato alla pittura religiosa.

The One I Love (2014)

Ethan e Sophie, una coppia in crisi che cerca di recuperare il matrimonio, seguono il consiglio del terapeuta e affittano un cottage isolato per un weekend. Scoprono presto che nella dependance della casa vivono delle versioni “migliori” di loro stessi: un altro Ethan e un’altra Sophie, più divertenti, affettuosi e ideali. In The One I Love, quello che inizia come un mistero intrigante diventa un thriller psicologico quando i protagonisti iniziano a preferire i doppelgänger ai partner reali, rimanendo intrappolati in un gioco di specchi che mette a nudo le loro insoddisfazioni.

Un piccolo film indie geniale che usa la fantascienza (alla Black Mirror) per analizzare le dinamiche di coppia. Mark Duplass ed Elisabeth Moss sono bravissimi a interpretare due ruoli ciascuno con sfumature sottili. Il film esplora la domanda: amiamo davvero la persona che abbiamo accanto o l’idea idealizzata che avevamo di lei all’inizio? Un’opera inquietante e intelligente che decostruisce il concetto di “partner perfetto”.

Primo morso

Ora disponibile

Horror, romantico, di Hunt Hoe, Canada, 2006.
Gus è un uomo affascinante che lavora come cuoco in un ristorante orientale a Montreal. Il suo capo lo manda in una sperduta isola della Thailandia per incontrare un maestro della cucina zen e migliorare la qualità delle sue pietanze. Lì incontra una misteriosa donna di nome Lake che vive in una grotta e lo informa che il maestro della cucina zen è morto. Gus va a vivere nella grotta ed inizia una storia d'amore con Lake. Ma l'equilibrio psicologico del cuoco peggiora rapidamente, tra allucinazioni, alcol e malessere. Lake non vuole che Gus se ne vada, ma Gus sente che ha bisogno di scappare dall'isola e che la sua vita è in pericolo.

Primo morso è un film indipendente canadese molto originale che incrocia nella sua narrazione diversi generi cinematografici passando in modo repentino dal romanticismo alla suspense fino all' horror. Una regia ed un montaggio mai banale, supportato da inquadrature con obiettivi grandangolari che accrescono la tensione e da un cast di attori in ottima forma che regalano interpretazioni molto intense e realistiche. Tra misticismo, magia nera, storie d'amore e isole tropicali, Primo morso è l'odissea di un uomo che rimane prigioniero in una trappola dalla quale non riesce più ad uscire, smarrito tra passioni e cibi esotici. Una fuga da energie malefiche alla ricerca di significati spirituali ambientata tra natura selvaggia e metropoli.

LINGUA: inglese
SOTTOTITOLI: italiano

GUARDA ORA

Carol (2015)

New York, anni ’50. Therese Belivet, una giovane commessa di grandi magazzini con l’aspirazione di diventare fotografa, incontra Carol Aird, una donna elegante e benestante intrappolata in un matrimonio infelice. Tra le due nasce un’attrazione immediata che si trasforma in un amore profondo durante un viaggio in macchina verso l’Ovest. In Carol, la loro relazione sfida le convenzioni morali dell’epoca: Carol rischia di perdere la custodia della figlia a causa della “clausola di moralità”, costringendola a scegliere tra il suo cuore e il suo ruolo di madre.

Todd Haynes adatta il romanzo di Patricia Highsmith con una raffinatezza visiva assoluta. Girato in 16mm per evocare la grana delle foto d’epoca, il film è un capolavoro di sguardi, gesti trattenuti e colori caldi. Cate Blanchett e Rooney Mara offrono interpretazioni di una chimica palpabile. È una storia d’amore universale sul coraggio di essere se stessi in un mondo che impone il conformismo, raccontata con un’eleganza che spezza il cuore.

The Lobster (2015)

In un futuro distopico, essere single è illegale. Le persone sole vengono arrestate e portate in un Hotel, dove hanno 45 giorni per trovare l’anima gemella tra gli altri ospiti. Se falliscono, vengono trasformate in un animale a loro scelta e liberate nel bosco. David, un uomo mite appena lasciato dalla moglie, arriva all’Hotel accompagnato dal fratello (che è diventato un cane). In The Lobster, David fugge nel bosco per unirsi ai “Solitari”, ribelli che vietano l’amore, ma lì commette l’errore di innamorarsi di una donna miope, trovandosi perseguitato da entrambe le fazioni.

Yorgos Lanthimos dirige una satira surreale e nerissima sulle convenzioni sociali legate alla coppia. Il film attacca sia l’ossessione della società per il matrimonio (visto come un obbligo burocratico) sia l’egoismo dei single incalliti. Colin Farrell e Rachel Weisz recitano con uno stile straniato e robotico che rende l’assurdità della situazione ancora più evidente. Un film unico, divertente e disturbante, che si chiede se l’amore sia una scelta o solo una questione di sopravvivenza.

Moonlight (2016)

Il film racconta la vita di Chiron, un ragazzo afroamericano gay cresciuto nei quartieri poveri di Miami, in tre atti: infanzia (“Little”), adolescenza (“Chiron”) ed età adulta (“Black”). Bullizzato dai coetanei e trascurato dalla madre tossicodipendente, Chiron trova una figura paterna in Juan, uno spacciatore locale. In Moonlight, il protagonista lotta per accettare la propria identità sessuale e i propri sentimenti per l’amico Kevin, l’unico che lo abbia mai toccato con affetto, in un percorso di crescita segnato dal silenzio, dalla violenza e dalla ricerca di tenerezza.

Vincitore dell’Oscar per il Miglior Film, l’opera di Barry Jenkins è poesia visiva pura. La fotografia satura e la regia intima rompono gli stereotipi del cinema “urban”, mostrando la vulnerabilità maschile nera come mai fatto prima. Non è solo un film coming-of-age, ma una meditazione sull’identità e su come l’ambiente ci plasma. L’incontro finale tra Chiron e Kevin è uno dei momenti più delicati e potenti del cinema contemporaneo.

Chiamami col tuo nome (2017)

Nell’estate del 1983, il diciassettenne Elio perlman trascorre le vacanze nella villa di famiglia nella campagna cremasca, suonando musica classica e leggendo. La sua quiete viene scossa dall’arrivo di Oliver, un affascinante studente americano ospite del padre professore. Inizialmente distanti, i due sviluppano un’attrazione che cresce sotto il sole estivo. In Chiamami col tuo nome, Elio scopre per la prima volta la potenza del desiderio e dell’amore, vivendo una passione breve ma assoluta che cambierà per sempre il suo modo di vedere il mondo.

Luca Guadagnino dirige un inno alla sensualità, alla cultura e alla giovinezza. Il film è un’esperienza immersiva fatta di cibo, bagni nel fiume, pianoforti e cicale. Timothée Chalamet offre una performance rivelazione che cattura perfettamente l’inquietudine e l’estasi del primo amore. Il monologo finale del padre e lo sguardo di Elio davanti al camino sono diventati istantaneamente leggendari, ricordandoci che il dolore della perdita è il prezzo da pagare per aver vissuto qualcosa di vero.

A Star Is Born (2018)

Jackson Maine, una star del country-rock famosissima ma consumata dall’alcol e dagli acufeni, entra per caso in un drag bar e scopre Ally, una cameriera con una voce straordinaria che ha rinunciato al sogno di cantare. Jack la trascina sul palco durante un suo concerto, lanciando la sua carriera. In A Star Is Born, mentre l’ascesa di Ally verso il pop è inarrestabile, Jack sprofonda sempre più nella dipendenza e nell’autodistruzione, in una dinamica di amore e gelosia professionale che li porterà a un punto di rottura tragico.

Bradley Cooper (regista e attore) e Lady Gaga rivitalizzano un classico di Hollywood rendendolo moderno, sporco e reale. La prima parte del film, con l’innamoramento e i concerti dal vivo, è elettrizzante. La chimica tra i due è esplosiva e la canzone Shallow è diventata un inno. È un melodramma potente che esplora il costo della fama e come le dipendenze possano distruggere anche l’amore più puro, lasciando chi resta a raccogliere i pezzi attraverso l’arte.

Se la strada potesse parlare (2018)

Harlem, anni ’70. Tish, 19 anni, e Fonny, 22 anni, sono amici da sempre e innamorati da poco, pronti a costruire una vita insieme. Il loro sogno viene spezzato quando Fonny viene arrestato ingiustamente per uno stupro che non ha commesso, vittima di un sistema giudiziario razzista. Tish scopre di essere incinta e, insieme alla sua famiglia, inizia una corsa contro il tempo per provare l’innocenza del compagno prima che nasca il bambino. In Se la strada potesse parlare, l’amore dei due giovani diventa un rifugio spirituale e una forza di resistenza contro l’ingiustizia del mondo.

Barry Jenkins adatta James Baldwin creando un film di una bellezza visiva commovente. I colori caldi, i primi piani intensi e la colonna sonora jazz avvolgono lo spettatore in un abbraccio emotivo. Non è un film legal thriller, ma una storia sull’amore incondizionato e sulla solidarietà familiare. Jenkins mostra come l’amore nero in America sia un atto politico di sopravvivenza, capace di mantenere la dignità e la speranza anche dietro le sbarre di una prigione.

I sottogeneri del film romantico 

I temi più frequenti nei film romantici sono il colpo di fulmine, l’amore tra persone con una grande differenza di età, l’amore tra persone dello stesso sesso. L’amore non corrisposto, la passione amorosa ossessiva e distruttiva che spesso può sfociare nel sottogenere del film romantico drammatico. La storia d’amore tragica, l’amore autodistruttivo  e l’amore che richiede un estremo sacrificio sono tutti temi del film romantico drammatico. 

In alcuni casi il sottogenere del film romantico drammatico può generare un’ulteriore sottogenere, che potremmo definire film romantici strappalacrime. Un tipo di film che attraversa gran parte della storia del cinema: dai melodrammi sentimentali degli anni 30 fino ad oggi. La bravura del regista e dello sceneggiatore ad evocare emozioni tristi fino alle lacrime non è qualcosa di comune: a volte è frutto di un artificio ben costruito, altre volte si tratta dell’autenticità della vita vissuta che il regista ha saputo trasmettere nel film. 

Film romantici drammatici

I film drammatici romantici sono il filone principale del genere dei film romantici. Questo sottogenere è quello che offre i maggiori spunti agli scrittori ed ai registi perché è più ricco di conflitti. Sono di solito i film romantici che fanno piangere di più il pubblico di entrambi i sessi. Relazioni extraconiugali scene di sesso e tradimenti sono gli ingredienti principali dei film romantici drammatici. La colonna sonora è usata spesso con modi più drammatici rispetto ai film commedia, sottolineando gli stati emotivi intensi dei protagonisti. 

L’isolamento e le difficoltà che la coppia deve affrontare di solito acquistano sfumature più estreme e non mancano scene estremamente drammatiche. Spesso i film romantici drammatici anche se lasciano intuire un lieto fine non lo mostrano direttamente al termine del film. Resta al pubblico la possibilità di interpretazione dell’evoluzione della storia. 

Film romantici femminili 

I film romantici femminili hanno uno sguardo sul mondo tipicamente femminile. La protagonista è una donna e lo spettatore vive i suoi tormenti e le sue gioie amorose attraverso un punto di vista femminile. Potremmo associare il film romantico femminile a quello che nella letteratura è definito romanzo rosa. 

La trama si concentra principalmente sulle vicissitudini sentimentali, ma non esplora i territori del dramma puro, come nei film romantici drammatici. Anche se ci sono momenti del racconto in cui il conflitto che la protagonista affronta può essere drammatico, esso, solitamente, rimane ancorato alle vicende sentimentali ed erotiche, e non allarga il raggio d’azione ad altri eventi. 

Film romantici commedia

Le commedie romantiche invece esplorano le vicissitudini sentimentali ed amorose dei protagonisti con un tono più leggero e spensierato. Non ci sono quasi mai scene drammatiche e se ci sono sono ammorbidite dall’ironia. In alcuni casi l’evento drammatico diventa fonte di comicità. 

Film romantici thriller

I film romantici thriller sono un sottogenere dei film romantici in cui si si inserisce l’elemento del brivido e dell’intrigo. La storia d’amore quindi si miscela con eventi drammatici e violenti, come misteri e omicidi. In alcuni casi prevale nettamente l’elemento thriller come nel capolavoro di Alfred Hitchcock la donna che visse due volte. Pur essendo un film con una forte componente romantica e passionale rimane principalmente un opera cinematografica del maestro del genere thriller, in cui l’elemento misterioso e l’intrigo rappresentano la parte più importante della storia. In film, come ad esempio in Il fantasma dell’Opera e The Tourist, la storia d’amore rappresenta il racconto principale, pur avendo come trama secondaria gli elementi tipici del genere thriller e mistero. 

Film romantici adolescenziali

I film romantici adolescenziali hanno invece per protagonisti gli adolescenti. Le loro vicende amorose sono spesso collegate al gruppo sociale di cui fanno parte, alla scuola e alla famiglia. In queste storie sono quasi sempre presenti le figure dei genitori, degli insegnanti, o dell’autorità in genere. 

Personaggi che creano ostacoli e incomprensioni con i sentimenti dei protagonisti. I film romantici adolescenziali hanno di solito un vasto pubblico tra i più giovani. Raramente usano lo stile dei film d’essai, ma piuttosto utilizzano un linguaggio più standard, tipico dei film commerciali.