I Film Italiani che Devi Assolutamente Vedere

L’Italia è l’ambientazione cinematografica per eccellenza. Un set capace di evocare storia, bellezza e dramma. L’immaginario collettivo è segnato da opere immortali: il Neorealismo di Ladri di biciclette, la Dolce Vita di Fellini, o la potenza emotiva di La Vita è Bella. Questi capolavori hanno definito il cinema mondiale, creando un mito universale.

Ma questa è solo una parte della storia. Oltre ai teatri di posa di Cinecittà, esiste un’Italia più complessa e contraddittoria. È un cinema che nasce da un’urgenza espressiva, un bisogno di raccontare storie che il mercato considera troppo rischiose o di nicchia. È il vero laboratorio creativo della settima arte in Italia, dove nascono nuovi linguaggi e si sperimentano forme narrative audaci.

Questa non è una semplice lista, ma una geografia alternativa del Paese. È un percorso che unisce i pilastri fondamentali, dai film più famosi alle più coraggiose opere indipendenti. Un territorio fatto di borgate romane livide, paesaggi industriali alienanti e campagne magiche. È un’Italia “bellissima e perduta”, catturata solo dalla visione ostinata di questi autori.

Il primo movimento cinematografico d’avanguardia europeo, il futurismo italiano, avvenne alla fine degli anni ’10.  Dopo un periodo di contrazione negli anni ’20, i film italiani ritrovarono vigore negli anni ’30 con l’arrivo del cinema sonoro.  Un genere di film italiani di spicco durante questo periodo, i Telefoni Bianchi, includeva il genere dei film commedia. Mentre il governo fascista italiano forniva sostegno finanziario alla produzione di nuovi film italiani, e costruiva anche gli studi di Cinecittà, i più grandi d’Europa, partecipava anche alla censura, e molti film italiani realizzati alla fine degli anni ’30 furono film di propaganda. 

Un periodo del tutto nuovo si ebbe alla fine della seconda guerra mondiale con la nascita dei film italiani neorealisti, che trovarono largo consenso in tutto il mondo per tutto il periodo postbellico, e che fece conoscere i film italiani di grandi registi come Luchino Visconti, Roberto Rossellini e Vittorio De Sica.  Il neorealismo è diminuito alla fine degli anni ’50 per film più leggeri, come quelli della Commedia all’italiana e per registi italiani importanti come Federico Fellini e Michelangelo Antonioni. Attrici come Sophia Loren, Giulietta Masina e Gina Lollobrigida hanno raggiunto la fama mondiale durante questo periodo.

A metà degli anni ’60, i film italiani della Trilogia del dollaro di Sergio Leone, con le eccezionali colonne sonore di Ennio Morricone, sono diventati simboli della cultura pop del genere western.  Molta importanza hanno avuto anche i film di genere, come i thriller italiani, o gialli, che negli anni ’70 hanno influenzato la categoria horror e thriller in tutto il mondo.

Ossessione (1943)

È un film drammatico italiano del 1943 basato sul romanzo del 1934 Il postino suona sempre due volte di James M. Cain. Il primo lungometraggio di Luchino Visconti, è considerato da molti il ​​primo film neorealista italiano, anche se si discute se tale classificazione sia precisa. Ha alcuni aspetti comuni con lo stile del calligrafismo.

Gino Costa, un vagabondo, si ferma in un piccolo distributore di benzina lungo la strada gestito da Giovanna Bragana e dal marito più anziano, Giuseppe. Giovanna è disgustata dal marito, avendolo sposato solo per i suoi soldi, ed è subito attratta dal più giovane e attraente Gino. Giovanna serve da mangiare a Gino, ma vengono interrotti da Giuseppe, che butta fuori Gino. Giovanna dichiara che Gino non ha pagato, rubandogli i soldi, come motivo per il suo ritorno. Giuseppe insegue Gino, solo per scoprire che Gino non ha più soldi, quindi Gino provvede a riparare l’automobile di Giuseppe come pagamento del pasto. 

Roma, città aperta (1945)

I soldati delle SS tedesche tentano di imprigionare Giorgio Manfredi, ingegnere comunista e capo della Resistenza contro nazisti e fascisti italiani. Pensano che Giorgio sia un poliziotto, tuttavia quando gli fa capire di essere un confederato Giorgio gli chiede di mandare denaro a un gruppo di combattenti della Resistenza fuori città, poiché ora è riconosciuto dalla Gestapo e non può fare solo.

Pochi movimenti cinematografici possono vantare il successo del neorealismo italiano, un’ondata del secondo dopoguerra che ha partecipato alla battaglia della classe operaia che ha prodotto molti film d’arte. Roberto Rossellini è stato tra i registi principali del neorealismo. Questo dramma di repressione e resistenza vanta alcune scene tra le più incredibili di tutto il cinema.

Paisà (1946)

È un film drammatico di guerra neorealista italiano del 1946 diretto da Roberto Rossellini. In 6 episodi indipendenti, racconta della libertà dell’Italia dalla pressione alleata durante l’ultima fase della seconda guerra mondiale. Il film è stato presentato in anteprima al Festival Internazionale del Cinema di Venezia e ha vinto numerosi premi a livello nazionale e mondiale.

In tutto il mondo il film ha acquisito importanti riconoscimenti. Il critico francese André Bazin lo scelse come il film essenziale per rivelare il valore del neorealismo italiano, evidenziando la sua comprensione della verità con un amalgama di documentario e finzione. Ha ottenuto riconoscimenti negli Stati Uniti, in Belgio, in Giappone e in Svizzera.

Germania, anno zero (1948)

È un film del 1948 diretto da Roberto Rossellini, ed è anche l’ultimo film della trilogia di film di guerra di Rossellini, che segue Roma, Città aperta e Paisà. Germania anno zero è ambientato nella Germania occupata dagli alleati, a differenza degli altri che si svolgono nella Roma occupata dai tedeschi e durante l’invasione alleata dell’Italia.

Come in numerosi film neorealisti, Rossellini ha utilizzato principalmente attori non professioniste. Girato a Berlino l’anno dopo la sua quasi totale distruzione durante la seconda guerra mondiale, include immagini significative della Berlino in rovina e della battaglia umana per la sopravvivenza nella distruzione della Germania nazista. Molti critici cinematografici che in precedenza avevano applaudito Rossellini condannarono il film come teatrale e imprudente. Un film innovativo, definito da Charlie Chaplin come il film italiano più bello che avesse mai visto, è una produzione cinematografica molto lontana dai canoni visivi di Hollywood. 

La Terra Trema (1948)

È un film neorealista italiano del 1948 diretto, co-scritto e prodotto da Luchino Visconti. Un libero adattamento del romanzo del 1881 I Malavoglia di Giovanni Verga, il film racconta le sofferenze individuali di pescatori siciliani. Il film è in stile documentario, include un cast di attori non professionisti e un mix di serie sceneggiate e non sceneggiate. È considerato uno dei film importanti del movimento neorealista ed è tra i film più belli di sempre. 

I Valastro sono una famiglia di pescatori della classe operaia ad Aci Trezza, un piccolo paese di pescatori sulla costa orientale della Sicilia. La prima parte racconta lo sforzo dei pescatori per migliorare la loro vita. I pescatori chiedono un costo più alto per il loro pesce, spinti dal figlio maggiore ‘Ntoni, a ribellarsi ai grossisti. I pescatori finiscono in prigione. I grossisti capiscono che è più gratificante avere ‘Ntoni ed i suoi amici a pescare, quindi liberano i pescatori. Ntoni, che ha risieduto fuori dalla Sicilia per un certo periodo, aveva riportato al suo paese alcuni concetti nuovi, e tenta di formare una cooperativa, ma nessuno si unisce a lui. Scegliendo di farlo da solo, convince la sua famiglia a ipotecare la casa per acquistare una barca e inizia la sua nuova vita. 

Ladri di biciclette (1948)

Nel quartiere romano della Val Melaina del secondo dopoguerra, Antonio Ricci (Lamberto Maggiorani) non ha speranze di lavoro per mantenere sua moglie Maria (Lianella Carell) e il bambino Bruno (Enzo Staiola). Poiché l’attività richiede una bicicletta, avvisa Maria che non può acquistarla. Maria toglie dal letto le lenzuola della sua dote e le porta al banco dei pegni, dove vengono pagate in contanti congruo per l’acquisto della bicicletta di Antonio.

L’opera d’arte neorealista di Vittorio de Sica è radicata in un mondo in cui possedere una bicicletta è essenziale per lavorare, tuttavia potrebbe essere anche ambientata in un mondo in cui la mancanza di un’automobile, o di un asilo nido economico, o di una casa , o la sicurezza sociale sono barriere schiaccianti per mettere il cibo in tavola. Questo è ciò che lo rende un film sia per l’Italia del dopoguerra che per ogni epoca.

Appennino

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Documentario, di Emiliano Dante, Italia, 2017.
Appennino è un diario cinematografico che inizia dalla lenta ricostruzione de L’Aquila, la città del regista, e prosegue con i terremoti nell'Appennino centrale del 2016-17, fino al lunghissimo ed estenuante asilo dei nuovi terremotati a S. Benedetto del Tronto. Un racconto intimo e ironico, lirico e geometrico, dove la questione di vivere in un’area sismica diviene lo strumento per riflettere sul senso stesso del fare cinema del reale. Flusso di immagini, di racconti paralleli, di sguardi sulla realtà, riflessioni che si intersecano: il regista stesso Emiliano Dante si fa oggetto e soggetto della storia. Appennino è un film narrativo, filosofico ed esistenziale dello stesso tempo. Ed è anche un film politico. L'identificazione della vita con il film è totale: la ricostruzione senza fine dell'Aquila precede un altro terremoto, quello di Amatrice e Arquata del Tronto. Poi la vita in hotel con tutte le sue contraddizioni. Un film che oltrepassa i confini del documentario e trasforma una drammatica esperienza di vita in poesia.

Spunto di riflessione
Può un regista filmare gli eventi e viverli nello stesso tempo? È una modalità produttiva molto rara nel cinema contemporaneo. L'uomo pensa, agisce, prova emozioni e rimane coinvolto dal flusso della vita. Ma quando si diventa osservatori attraverso l'obiettivo di una telecamera gli eventi assumono un significato diverso. Tu stesso agisci, osservando, su un nuovo livello di consapevolezza.

LINGUA: italiano
SOTTOTITOLI: inglese

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Gli sbandati (1955)

È un film italiano del 1955 ambientato durante le conseguenze dell’invasione alleata dell’Italia nel 1943 durante la seconda guerra mondiale. Il film è andato al Festival del cinema di Venezia del 1955. È il lancio alla regia di Francesco Maselli. La musica è stata composta da Giovanni Fusco e allestita da Ennio Morricone.

Nell’estate del 1943, la contessa Luisa e suo figlio Andrea lasciano Milano a causa delle battaglie alleate in città e si ritirano nella loro proprietà fuori città, dove ospitano 2 coetanei di Andrea, suo cugino Carlo, il figlio di un’autorità fascista partita per la Svizzera, e l’amico Ferruccio, figlio di un ufficiale dell’esercito che ha partecipato alla guerra. I 3 giovani ammazzano il tempo nel dolce far niente, prendendo il sole lungo il fiume, appena al corrente della continua lite, grazie alle trasmissioni di Radio Londra. Cominciano a prendere coscienza della gravità dello scenario quando gli sfollati arrivano dalla città e Andrea è tenuto ad accettare di ospitarne alcuni nella proprietà, con disagio della mamma.

Il grido (The Cry, 1957) 

È un film italiano drammatico italiano del 1957 diretto da Michelangelo Antonioni e interpretato da Steve Cochran, Alida Valli, Betsy Blair e Dorian Gray. Basato su un racconto di Antonioni, il film racconta di un uomo che vaga senza meta, lontano dalla sua città, lontano dalla donna che gli piaceva, e finisce per essere mentalmente e socialmente instabile. Il Grido vinse il Pardo d’oro al Locarno International Film Festival nel 1957 e il Nastro d’argento per la migliore fotografia (Gianni di Venanzo) nel 1958. 

Aldo ha lavorato presso lo zuccherificio a Goriano per 7 anni. La sua fidanzata, Irma, scopre che il suo compagno, partito per l’Australia anni prima in cerca di un lavoro, è morto di recente lì. Irma va allo zuccherificio e porta il pranzo ad Aldo. Aldo torna a casa tua dove discutono della morte del coniuge. Aldo dice che dopo 7 anni possono finalmente sposarsi e legittimare la loro bambina, Rosina. Il giorno dopo, Irma gli rivela che le piace un’altra persona. Aldo non riesce a credere alle sue parole. Nei giorni seguenti tenta freneticamente di farle cambiare idea, ma non serve, e la relazione finisce con lui che la schiaffeggia in pubblico.

L’avventura (1960)

Il film nasce da un racconto di Michelangelo Antonioni scritto con i co-sceneggiatori Elio Bartolini e Tonino Guerra, un film d’essai sulla scomparsa di una signora (Lea Massari) durante una gita in barca nel Mediterraneo, e anche sul successivo tradimento del suo ammiratore (Gabriele Ferzetti ) con la sua compagna (Monica Vitti) Fu girato a Roma, alle Isole Eolie e in Sicilia nel 1959 in difficili condizioni economiche e logistiche. Un’opera d’arte da vedere per comprendere l’essenza del cinema di Antonioni e il suo effetto su tutti gli altri cineasti.

Mentre Claudia aspetta al piano di sotto, Anna e Sandro fanno sesso a casa sua. La mattina seguente lo yacht di lusso personale raggiunge le Isole Eolie nel nord della Sicilia. Superato Basiluzzo, Anna si tuffa d’impulso in acqua per una nuotata e Sandro le si lancia dietro. Sandro tenta di salvarla quando Anna singhiozza dicendo di aver effettivamente visto uno squalo. Anna confessa a Claudia che lo squalo era una bugia per suscitare l’interesse di Sandro. Dopo aver visto Claudia apprezzare la sua camicetta, le dice di indossarla, che sta molto meglio che a lei e che può tenerla. Anna è insoddisfatta dei lunghi viaggi di lavoro di Sandro, che ignora i suoi problemi e dorme sugli scogli.

La maschera del demonio (1960 )

Una strega e il suo malvagio servitore tornano dalla tomba e iniziano una sanguinosa strategia per recuperare il corpo del discendente della strega. Regista: Mario Bava. Protagonisti: Barbara Steele, John Richardson, Andrea Checchi, Ivo Garrani. I critici del cinema italiano moderno hanno criticato negativamente il film, anche se alcuni hanno apprezzato la cinematografia. Il film ha dei bei movimenti della macchina da presa e lo stile visivo di Bava produce poesia e sentimento oltre che paura. Bava è un autore di film pittorici e questo è tra i suoi migliori lavori.

Corona days

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Film drammatico, di Fabio Del Greco, Italia, 2020.
Un uomo resta in casa solo, a causa delle misure d'emergenza Corona virus. La solitudine, il tempo e lo spazio diventano i suoi nemici, l'immaginazione, i ricordi e la voglia di libertà i suoi alleati. Il regista Fabio Del Greco documenta i giorni di isolamento del corona virus in maniera intima e personale, girando gli esterni esclusivamente con uno smartphone. La cronaca di questi strani giorni diventa spunto per una riflessione sulla relatività del tempo e dello spazio e di come la libertà sia qualcosa che può trascendere la realtà per trovare casa nella nostra anima.

In tempi di Corona virus, un regista genuino e istintivo come Del Greco ha raccolto i frutti del suo eccentrico "cinediario" realizzato durante le settimane di quarantena. Ha catturato la sua stessa solitudine da vicino e, da una distanza sicura, quella dei suoi amici e parenti. Soprattutto, ha colto le scarse "ore d'aria" concesse dalle autorità per girare in un mondo svuotato di umanità e sottoposto a rigorosi controlli di polizia. Tutto visto attraverso lo sguardo di un autore che, come consueto, è giocoso, disincantato e sottilmente ironico, anche quando si mette in scena come attore. Procedendo nell'esplorazione della realtà, tra spunti malinconici e lampi di ironia, Fabio Del Greco supera questa iniziale e trasforma il suo lungometraggio in un gioco di scatole cinesi, dove convergono contributi audiovisivi diversificati, cronologicamente difformi ma tutti profondamente stimolanti e carichi di significato. L'intreccio tra presente e passato, abilmente orchestrato anche nel montaggio, crea un cortocircuito in cui il passato non è soltanto un almanacco di ricordi, ma un'altra fuga nel regno dell'immaginario. Mentre emerge una critica socio-politica, pur legittima, il racconto si sposta gradualmente verso un quadro esistenziale più ampio.

LINGUA: italiano
SOTTOTITOLI: inglese, spagnolo, francese, tedesco, portoghese

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Occhi senza volto (1960)

L’istruttore Génessier, noto chirurgo plastico che si occupa di trapianti, è responsabile di un incidente automobilistico da cui sua figlia Christiane è uscita viva ma con una faccia terribilmente mutilata. Con l’aiuto di un assistente, attira le donne nel suo laboratorio, per strappare la pelle dai loro volti e utilizzarla per le ferite della figlia. Un’operazione così difficile che è necessario replicarla sistematicamente, dopo ogni cedimento degli innesti. Christiane, una maschera sul viso, non capisce ancora assolutamente niente …

I critici francesi hanno affermato che si trattava di un’imitazione dell’espressionismo tedesco o semplicemente di un errore per il salto del regista dai documentari ai film di genere. La stampa britannica ha affermato che quando un regista come Georges Franju fa un film horror, non si può cercare di trovare allegorie o livelli di lettura. Eyes Without a Face è stato ripubblicato nelle sale nel settembre 1986 per accompagnare le retrospettive al National Film Theatre di Londra e alla Cinémathèque Française, ed il film ha iniziato a essere rivalutato. Le critiche francesi al film sono state particolarmente più incoraggianti di quanto non fossero alla sua uscita preliminare. Il pubblico ha scoperto la natura poetica del film confrontandolo con l’opera del poeta e regista francese Jean Cocteau. Franju utilizza una strana poesia in cui appare l’ispirazione di Cocteau.

Accattone (1961)

Vittorio (Franco Citti), soprannominato “Accattone”, conduce una vita da fannullone fino a quando la sua donna di strada, Maddalena, viene sfruttata dai suoi concorrenti e condannata. Senza un guadagno costante, inizialmente cerca di rimediare con la madre di suo figlio, ma viene respinto dai suoi genitori; dopodiché incontra una ragazza della borgata, Stella, e tenta di farla diventare prostituta per lui, ma quando il suo primo cliente la picchia, scappa. Accattone tenta di consolarla, ma la lascia, dopo che ha un’insolita visione della propria morte, per andare con i suoi amici.

Nonostante sia stato girato con una sceneggiatura, Accattone è una versione cinematografica dei primi racconti di Pasolini, in particolare Ragazzi di vita e Una vita violenta. È stato il primo film di Pierpaolo Pasolini come regista, e utilizza stili di regia che sarebbero stati sicuramente visti come caratteristiche del marchio Pasolini: attori non professionisti del luogo in cui è ambientato il film, è tra le eccellenti opere cinematografiche da vedere sicuramente su persone colpite dalle difficoltà.

Il Posto (1961)

È un film italiano del 1961 diretto da Ermanno Olmi. Tipicamente citata come la prima opera importante di Olmi, è un esempio di neorealismo italiano. Olmi ha vinto il David di Donatello come miglior regista per il suo accordo con il film. Il film racconta la storia di Domenico, un ragazzo che rinuncia alla scuola poiché la sua famiglia ha bisogno di soldi e deve andare a lavorare. Ottenuto un incarico presso una grande società cittadina, passa attraverso una strana serie di esami, test e interviste. Durante una breve pausa dalle prove, incontra Antonietta, una ragazza che, come lui, ha rinunciato alla sua istruzione poiché ha bisogno di soldi per mantenere se stessa e sua madre. Nel corso di questo incontro, prendono un caffè in una caffetteria e parlano delle loro vite e aspirazioni. Domenico è attratto da lei, ma vengono separati quando ottengono incarichi in vari dipartimenti.

L’Eclisse (1962)

È un film d’essai italiano del 1962 scritto e diretto da Michelangelo Antonioni e interpretato da Alain Delon e Monica Vitti. Girato tra Roma e Verona, la storia segue una ragazza (Vitti) che intrattiene una relazione con un giovane agente di cambio al mercato finanziario (Delon). Quando avviene un’eclissi solare a Firenze, Antonioni ha associato alcune delle sue ispirazioni al film. Il film è la fine di una trilogia ed è preceduto da L’Avventura (1960) e La Notte (1961). L’Eclisse vinse il Premio Speciale della Giuria al Festival di Cannes del 1962 e fu scelto per la Palma d’Oro. Definito da Martin Scorsese come il film più audace della trilogia, è tra le opere più note del regista.

Un lunedì di luglio del 1961, all’alba, Vittoria, giovane traduttrice letteraria, conclude la sua relazione con Riccardo nel suo appartamento nel quartiere immobiliare EUR di Roma, dopo una lunga notte di discussioni. Riccardo cerca di convincerla a restare, ma lei lo informa che non lo ama più e se ne va. Mentre passeggia per le strade deserte del primo mattino oltre la torre dell’acqua dell’EUR, Riccardo la raggiunge e la accompagna attraverso un luogo boscoso fino al suo appartamento, dove si salutano per l’ultima volta.

Festa

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Documentario, di Franco Piavoli, 2018, Italia.
Franco Piavoli, autore del capolavoro "Il pianeta azzurro", torna alla regia per immortalare la “sera del dì di festa”, tra Leopardi e Pascoli. Un viaggio tra il poetico e l’antropologico. Cos’è una “festa”? Cosa rappresenta, da un punto di vista simbolico e materiale? Quali aggravi, o quali sollievi, apporta alla mente delle persone? E quale valore assume, quando si trasforma in atto collettivo? Non ha bisogno di alcun orpello, Festa, e arriva diritto nel cuore dello spettatore senza stratificazioni, senza alcuna deviazione dal percorso, senza nessuna aggiunta.

LINGUA: italiano
SOTTOTITOLI: inglese

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I tre volti della paura (1963)

Boris Karloff recita in un trio di storie spaventose tra cui una ragazza squillo maltrattata, un vampiro che sfrutta al massimo la sua casa e un’infermiera che viene perseguitata dal legittimo proprietario del suo anello. Regista: Mario Bava. Protagonisti: Michèle Mercier, Lidia Alfonsi, Boris Karloff, Mark Damon. L’elemento più spaventoso del film è il suo stile, in particolare gli interni sporchi e pesanti di The Drop of Water, mentre la performance è meno convincente. Anche le forzature sonore e ottiche appaiono a volte troppo estreme: un maggior rigore avrebbe giovato al film.

La donna scimmia (1964)

È un film drammatico italo-francese del 1964 diretto da Marco Ferreri. Ha partecipato al Festival di Cannes del 1964. Il film è stato motivato dalla storia della vita reale di Julia Pastrana, una donna del XIX secolo. Marie, la “Donna Scimmia”, è completamente ricoperta di peli; l’imprenditore Focaccia la trova in un convento di Napoli; la sposa per condizione imposta dalle suore, e inizia a mostrarla al grande pubblico. Tenta di darla a un ragazzo che apprezza la sua verginità, ma lei è riluttante. Dopo aver assaporato il successo a Parigi, la donna muore durante il parto. Focaccia recupera il cadavere dal museo naturalistico e la mostra a Napoli.

Uccellacci e uccellini (1966)

È un film italiano del 1966 diretto da Pier Paolo Pasolini. Partecipò al Festival di Cannes del 1966 dove ricevette una “Menzione Speciale” per Totò. Il film può essere definito in parte neorealista e tratta questioni marxiste su difficoltà e conflitto di classe. Include il popolare attore comico italiano Totò accompagnato in un viaggio da suo figlio, interpretato da Ninetto Davoli. Questo è l’ultimo film con protagonista Totò prima della sua morte nel 1967.

Totò e suo figlio Ninetto vagano per la campagna di Roma. Durante la passeggiata osservano un corpo che viene portato via da una casa a seguito di un omicidio. Successivamente si imbattono in un corvo parlante, che viene spiegato nelle didascalie: “A vantaggio di coloro che non stavano prendendo atto o rimangono in dubbio, ti avvisiamo che il Corvo è – come affermi – un intellettuale di sinistra del tipo vivente prima della morte di Palmiro Togliatti. Dopo molti fallimenti i 2 personaggi trovano il linguaggio degli uccelli e riescono a predicare l’amore alle famiglie, ma i falchi continuano a eliminare e mangiare i passeri, poiché è nella loro natura. 

Dillinger è morto (1969)

È un dramma italiano del 1969 diretto da Marco Ferreri. Nel cast Michel Piccoli, Anita Pallenberg e Annie Girardot. La storia è un mix cupamente satirico di sogno e realtà. Il film segue un uomo annoiato e alienato per tutta la notte a casa sua. Il titolo trae origine da un articolo di giornale incluso nel film che dichiara la morte del gangster americano John Dillinger. Il film è apparso discutibile nella sua uscita preliminare per il suo argomento e la violenza, ma ora è generalmente considerato l’opera d’arte più importante della filmografia di Ferreri. Era ben noto all’importante pubblicazione cinematografica francese Cahiers du cinéma e in seguito Ferreri visse e lavorò a Parigi per diversi anni. 

Glauco, designer commerciale di maschere antigas di mezza età, è stanco della sua professione. Dopo aver parlato di alienazione con un socio in fabbrica, torna a casa. Sua moglie rimane a letto con il mal di testa ma gli ha lasciato la cena sul tavolo, che si è raffreddata. È deluso dal cibo e inizia a prepararsi un pasto migliore.

Il Metodo Kempinsky

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Film drammatico, di Federico Salsano, Italia, 2020.
L’introspettivo immaginario road movie di un uomo nei meandri della propria mente, i suoi ricordi di gioventù, le passioni mai sopite e le verità contraddittorie. La strada è fatta d’acqua, la destinazione è falsamente ignota. I suoi compagni di viaggio sono tre uomini misteriosi, proiezioni della sua fantasia e di differenti aspetti della sua personalità: il perenne malinconico, il creativo folle, il fanciullo introverso. Lo segue anche una presenza femminile che racconta l'ennesima vicenda umana. Ad un certo punto della traversata decide di abbandonare la barca ed i suoi fantasmi tuffandosi in mare e arriva a nuoto su una spiaggia deserta, nudo, con un piccolo pupazzo di Pinocchio chiuso da un lucchetto.

Spunto di riflessione
La vita è come un lungo viaggio per mare e l'essere umano è una piccola creatura che si confronta con l'immensità. A volte l'oceano è tranquillo, altre volte ci sono terribili tempeste. Qualche volta siamo capitani di una barca con una rotta ben definita, altre volte siamo naufraghi in cerca di una terra in cui metterci in salvo. Ma nonostante il lungo viaggio e lo spostamento nello spazio fisico sono altre le domande che risuonano nella mente: chi sono questi uomini in compagnia di cui viaggio? Qual è il mistero di questa immensa massa di acqua che sembra fatta dei miei ricordi? Puoi circumnavigare tutto il mondo ma la domanda principale rimane sempre la stessa: chi sono io veramente?

LINGUA: italiano
SOTTOTITOLI: inglese, spagnolo, francese, tedesco, portoghese

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L’uccello dalle piume di cristallo (1970)

È un film horror del 1970 diretto dal maestro del giallo italiano Dario Argento, nel suo esordio alla regia. Il film è il primo della categoria Giallo italiano che ha inaugurato un lungo periodo di successo di questo genere di film. Alla sua uscita, il film ebbe un grande successo al botteghino. Fu un successo anche fuori dall’Italia. 

Sam Dalmas è uno scrittore americano in vacanza a Roma con la sua fidanzata inglese, Julia, che sta attraversando il blocco dello scrittore ed è sul punto di tornare in America, tuttavia assiste all’aggressione di una donna in una galleria d’arte da parte di uno strano tizio con guanti neri ed impermeabile. Nel tentativo di raggiungerlo, Sam è intrappolato tra 2 porte di vetro azionate meccanicamente e può solo vedere la fuga dell’uomo. La ragazza, Monica Ranieri, è stata aggredita e le autorità hanno preso il passaporto di Sam per impedirgli di lasciare la nazione. Si ritiene che l’aggressore sia un serial killer che sta eliminando donne in tutta la città e Sam è un testimone importante.

La casa dalle finestre che ridono (1976)

Stefano, giovane restauratore di opere d’arte, viene incaricato di restaurare un affresco situato nella chiesa di un paese sperduto. Regia: Pupi Avati. Protagonisti: Lino Capolicchio, Francesca Marciano, Gianni Cavina, Giulio Pizzirani. I fan dei film horror italiani potrebbero trovare questo film gotico diverso dai tanti titoli in questa categoria di film, ma in questo davvero supera i suoi contemporanei: un senso di paura costante che si espande in modo intollerabile con il procedere della storia.

Suspiria (1977)

Una studentessa americana di una accademia di balletto tedesca capisce che la scuola è una copertura per qualcosa di minaccioso nel mezzo di una serie di macabri omicidi. Regia: Dario Argento. Protagonisti: Jessica Harper, Stefania Casini, Flavio Bucci, Miguel Bosé. Dario Argento è un regista che sa esattamente come si fa un thriller. Il film ti inchioda alla sedia, ti tiene teso, ti mette dei dubbi in testa. È un’opera affascinante, sofisticata, estremamente vibrante e bizzarra, con una superba fotografia di Vittorio Storaro. Affascinante e significativo, anche se indebolito da dialoghi poco convincenti, Suspiria è principalmente sangue e paura. La trama è ridotta al minimo e rispetto ai suoi film precedenti il ​​regista sceglie di concentrarsi sugli aspetti visivi.

L’albero degli zoccoli (1978) 

È un film italiano del 1978 scritto e diretto da Ermanno Olmi. Il film racconta la vita contadina lombarda in una fattoria di fine Ottocento. Ha alcune somiglianze con il precedente movimento neorealista italiano, e le parti sono state interpretate da veri contadini e residenti, invece che da attori professionisti. Il film ha vinto quattordici premi tra cui la Palma d’oro a Cannes e il Premio César per il miglior film straniero. La variazione iniziale del film è parlata in lombardo bergamasco.

4 famiglie contadine che lavoravano poderi per lo stesso padrone racimolano un magro guadagno nel 1898 nelle campagne bergamasche. Nel corso di un anno nascono bambini, si piantano raccolti, si macellano animali e si sposano coppie; si scambiano preghiere e storie nella fattoria condivisa delle famiglie. Le correnti sotterranee di trasformazione sono intuite dai contadini, ma per lo più ignorate, un ribelle comunista tiene un discorso a una fiera regionale e quando una coppia di sposini visita la grande città di Milano e assiste all’arresto di prigionieri politici. Arriva la primavera, il padre abbatte un albero per fare zoccoli di legno che il suo bambino può portare ai piedi per andare a scuola, tuttavia il proprietario terriero se ne accorge, e la famiglia è costretta a lasciare la terra.

Mancanza - Inferno

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Film drammatico, di Stefano Odoardi, Italia, 2014.
Un Angelo, ispirato alle Elegie Duinesi di R.M.Rilke, vaga attraverso le rovine di un Inferno contemporaneo, in una città silenziosa e abbandonata, nella quale è imprigionato un gruppo di dannati (20 abitanti dell’Aquila). Ognuno di loro condividerà i propri pensieri e le proprie disperazioni che, da frustrazioni individuali, diverranno universali. ‘Mancanza-Inferno’ è un viaggio struggente e metaforico che catapulta lo spettatore in una realtà che rimane sempre attuale: quella di un'umanità che sopravvive sulle macerie di eventi distruttivi.

Stefano Odoardi torna a parlare in maniera fortemente allegorica di argomenti tanto delicati quanto profondi; questa volta la sua attenzione va a focalizzarsi sulla tragedia che nel 2009 ha colpito la sua regione, ossia il terremoto dell’Aquila. In ‘Mancanza-Inferno’ tuttavia la catastrofe non viene raccontata ma solamente ripresa per quello che ha lasciato alle spalle, sui luoghi e sulle persone, il tutto con uno stile brillante, deciso e del tutto personale, che rende "Mancanza-Inferno" un’opera di straordinario valore, soprattutto se considerata all’interno del panorama italiano. Un viaggio dentro le macerie di ogni essere umano.

LINGUA: italiano

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Suspiria (2018)

A più di quarant’anni dalla sua uscita, l’horror classico di Dario Argento ha un remake, diretto da Luca Guadagnino. Inserito in una scuola di danza in cui accadono omicidi di donne, Suspiria utilizza Dakota Johnson per il suo ruolo principale, accompagnata da Chloë Grace Moretz, Mia Goth, Tilda Swinton e Sylvie Testud come istruttrici prepotenti e pericolose. Tra i film spaventosi più attesi del 2018 c’è un film che trasforma il film iniziale di Dario Argento in qualcosa di totalmente diverso, con un ampio linguaggio registico che lo rende molto più di un semplice horror soprannaturale: un fantastico film d’essai, che esce dai recenti del genere spaventoso. Senza dubbio tra i migliori film realizzati negli ultimi 20 anni. 

Abacuc (2015) 

Un film sperimentale che sfida il pubblico con innovazioni che davvero riesce a trovare elementi nuovi nel linguaggio cinematografico, cosa ormai rarissima in questi tempi. Il film racconta la vita quotidiana di un personaggio surreale che non si dimentica facilmente, Abacuc, un uomo condannato a vagare in una gelida città di provincia del nord Italia che sembra un inferno di ghiaccio, senza vita. Abacuc è un uomo di quasi 200 chili, che investe il suo tempo in un limbo lontano da ogni tipo di sensazione, va principalmente al cimitero, nei parchi tematici della riviera romagnola. Abacuc rappresenta l’esigenza dell’arte cinematografica di autoestinguersi e implodere in se stessa. Il lavoro del regista Luca Ferri è molto importante, perché crea nuove percorsi del cinema d’avanguardia, percorsi dimenticati e ignorati da critica e pubblico ma che sono le basi del Cinema del futuro. 

L’uomo in più

Napoli, anni Ottanta. Le vite parallele di due uomini con lo stesso nome, Antonio Pisapia, si incrociano e divergono. Uno è un cantante di successo, Tony, cocainomane e sfrontato; l’altro è un calciatore timido e rigoroso, Antonio. Entrambi sono all’apice della carriera, ma un destino beffardo li spingerà verso un inesorabile e tragicomico declino, costringendoli a confrontarsi con il fallimento, la solitudine e la ricerca di una libertà impossibile.

Con il suo folgorante esordio, Paolo Sorrentino getta le basi di tutto il suo cinema futuro. L’uomo in più non è solo un film, è un manifesto poetico. Qui nascono i temi che diventeranno la sua ossessione: la solitudine delle figure pubbliche, la dialettica tra successo e fallimento, la maschera grottesca che nasconde una profonda malinconia. Ispirato alle figure reali di Franco Califano e Agostino Di Bartolomei, il film trascende la biografia per diventare una metafora universale sull’esistenza.

È anche l’inizio del sodalizio artistico quasi simbiotico con Toni Servillo, il cui Tony Pisapia è già un perfetto archetipo sorrentiniano: un uomo che nasconde la sua fragilità dietro un’impenetrabile corazza di cinismo e ironia. Lo stile è già inconfondibile: una regia sontuosa che trova il sublime nel sordido, dialoghi folgoranti e una capacità unica di trasformare la cronaca in una parabola esistenziale.

L’imbalsamatore

Peppino, un tassidermista nano tanto abile quanto ambiguo, vive e lavora nel desolante Villaggio Coppola, un non-luogo sul litorale casertano. La sua vita solitaria viene sconvolta dall’incontro con Valerio, un giovane di straordinaria bellezza che assume come assistente. Tra i due nasce un rapporto morboso di dipendenza e controllo, un triangolo mortale che si completa con l’arrivo di Deborah, la fidanzata di Valerio, destinato a un epilogo tragico.

Prima del successo internazionale di Gomorra, Matteo Garrone aveva già dimostrato una rara capacità di scrutare gli abissi dell’animo umano con uno stile crudo e quasi tattile. L’imbalsamatore è un’opera fondamentale che segna una svolta nel nuovo cinema italiano, un noir atipico che si trasforma in un melodramma nerissimo. Ispirato a un reale fatto di cronaca, il film usa il mestiere della tassidermia come metafora potentissima: Peppino non si limita a imbalsamare animali, ma tenta di possedere e pietrificare la bellezza di Valerio, di renderla eterna e inoffensiva.

Il paesaggio spettrale del Villaggio Coppola, con la sua architettura abusiva e decadente, non è un semplice sfondo, ma lo specchio della desolazione interiore dei personaggi. Garrone filma i corpi e i luoghi con un realismo privo di filtri, rendendo il grottesco disturbante e plausibile. È un cinema fisico, che immerge lo spettatore in un’atmosfera di putrescenza morale e affettiva, segnando la nascita di un nuovo noir italiano, slegato dai modelli americani e profondamente radicato nelle ansie sociali del Paese.

Mancanza - Purgatorio

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Film drammatico, di Stefano Odoardi, Italia, 2016.
In un ipotetico Purgatorio Contemporaneo un Angelo naviga su un cargo che trasporta container in un viaggio verso l’ignoto mentre un gruppo di esseri
umani si trova in un non luogo in attesa della possibile salvezza.

LINGUA: italiano
SOTTOTITOLI: inglese, francese, tedesco, spagnolo, portoghese

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Le conseguenze dell’amore

Da otto anni, Titta Di Girolamo vive un’esistenza sterile e metodica in un anonimo albergo della Svizzera italiana. Ogni sua giornata è scandita da una routine immutabile, da un’apparente apatia che nasconde un segreto inconfessabile: sta scontando una pena per conto di Cosa Nostra. L’incontro con Sofia, la giovane e curiosa barista dell’hotel, incrina la sua corazza di solitudine, innescando una catena di eventi che lo porterà a compiere un gesto tanto romantico quanto fatale.

Se L’uomo in più era un’esplosione di talento, Le conseguenze dell’amore è la sua consacrazione stilistica. Paolo Sorrentino dirige un’opera di una perfezione formale quasi geometrica, dove ogni inquadratura, ogni movimento di macchina, ogni silenzio è calibrato per costruire una prigione esistenziale attorno al suo protagonista. Il film è un thriller dell’anima, un noir metafisico che trasforma una storia di mafia in una profonda meditazione sulla libertà, il destino e il prezzo delle emozioni.

Toni Servillo offre una delle sue interpretazioni più iconiche, incarnando la solitudine e la dignità di un uomo che ha rinunciato a tutto. La regia di Sorrentino è glaciale eppure vibrante, capace di creare una tensione insostenibile attraverso la ripetizione dei gesti e l’uso magistrale della colonna sonora. È un cinema che abbandona l’azione per concentrarsi sugli stati interiori, un’opera modernista che dimostra come l’eleganza formale possa diventare lo strumento più efficace per raccontare il caos dell’animo umano.

Gomorra

Tratto dal romanzo-inchiesta di Roberto Saviano, il film intreccia cinque storie che svelano il potere pervasivo della Camorra nell’hinterland napoletano. Dallo smaltimento dei rifiuti tossici all’alta moda, dal traffico di droga alle aspirazioni criminali di due giovani esaltati, le vicende mostrano un sistema dove la violenza è l’unica legge e la vita umana ha un prezzo irrisorio. Un affresco corale e spietato che documenta la normalità del male.

Gomorra è un punto di non ritorno per il cinema italiano e per la rappresentazione della criminalità organizzata. Matteo Garrone compie un’operazione radicale: abbandona ogni romanticismo mafioso per adottare uno stile quasi documentaristico, crudo e osservazionale. Non ci sono eroi né antieroi, solo individui intrappolati in un meccanismo più grande di loro. La macchina da presa pedina i personaggi, registrando le loro azioni con una freddezza che amplifica l’orrore.

Il film è un’esperienza immersiva e soffocante. L’uso di attori non professionisti, il dialetto stretto e le location reali contribuiscono a creare un senso di autenticità opprimente. Garrone non spiega, mostra. Rifiuta il didascalismo del cinema d’inchiesta tradizionale per restituire la realtà nella sua brutalità frammentaria. Il suo successo internazionale ha dimostrato l’esistenza di un pubblico globale affamato di storie italiane raccontate senza filtri, ridefinendo il genere e influenzando un’intera generazione di registi.

Reality

Luciano, un pescivendolo napoletano simpatico ed esuberante, arrotonda con piccole truffe e sogna una vita diversa. Spinto dalla famiglia, partecipa a un provino per il “Grande Fratello”. Quell’esperienza, apparentemente innocua, innesca in lui un’ossessione totalizzante. Convinto di essere costantemente osservato dalla produzione del reality, Luciano precipita in una spirale di paranoia che lo allontana progressivamente dalla realtà, trasformando il suo sogno di celebrità in un incubo.

Dopo la cruda realtà di Gomorra, Matteo Garrone sorprende tutti con una favola nera, grottesca e dolorosa, sull’Italia contemporanea e la sua ossessione per la fama. Reality è una critica spietata alla “spettacolarizzazione del nulla”, a una società in cui l’apparire ha sostituito l’essere. Garrone abbandona lo stile documentaristico per abbracciare un registro più felliniano, usando l’iperbole e il surreale per descrivere l’assurdità di un mondo plasmato dalla televisione.

Il film è una parabola amara sulla perdita dell’innocenza e sulla fragilità umana di fronte al miraggio del successo facile. La performance di Aniello Arena, un attore con un passato da ergastolano, è straordinaria per la sua capacità di incarnare la bonaria ingenuità di Luciano e la sua successiva discesa nella follia. Premiato con il Grand Prix a Cannes, Reality conferma la versatilità di un autore capace di leggere le patologie del presente con uno sguardo acuto e profondamente umano.

Dogman

In una desolata periferia sul litorale laziale, Marcello gestisce un negozio di toelettatura per cani, “Dogman. È un uomo mite, amato da tutti nel quartiere, che cerca di sbarcare il lunario per amore della figlia. La sua vita tranquilla è però funestata dal rapporto con Simoncino, un ex pugile violento e cocainomane che terrorizza la comunità. Sottomesso e umiliato, Marcello subirà un’ingiustizia che lo spingerà a pianificare una terribile e inaspettata vendetta.

Ispirandosi liberamente a uno dei più efferati fatti di cronaca nera italiani, il delitto del Canaro della Magliana, Matteo Garrone realizza un’opera universale sulla sopraffazione e la lotta per la dignità. Dogman è un western urbano, una parabola morale ambientata in un mondo abbandonato da Dio e dalla legge, dove vige solo la legge del più forte. Il paesaggio spettrale di Villaggio Coppola, lo stesso de L’imbalsamatore, diventa il teatro di uno scontro archetipico tra Davide e Golia.

Marcello Fonte, premiato come Miglior Attore a Cannes, offre un’interpretazione indimenticabile, incarnando la fragilità e la bontà di un uomo comune spinto al limite. La sua umanità, espressa nell’amore per i cani e per la figlia, si scontra con la violenza bestiale di Simoncino. La regia di Garrone è essenziale e potentissima, capace di creare una tensione quasi insopportabile e di esplorare, senza alcun giudizio morale, la sottile linea che separa la vittima dal carnefice.

Le quattro volte

In un piccolo e antico borgo della Calabria, la vita scorre secondo ritmi immutabili. Un vecchio pastore, malato, trascorre i suoi ultimi giorni accudendo le sue capre. La sua anima, secondo la dottrina pitagorica, si reincarnerà in un capretto appena nato, poi in un abete maestoso e infine nel carbone prodotto da quell’albero. Un ciclo eterno di trasformazione che unisce il regno umano, animale, vegetale e minerale in un’unica, silenziosa sinfonia.

Michelangelo Frammartino realizza un’opera radicale e poetica, un film quasi privo di dialoghi che si affida unicamente alla potenza delle immagini e dei suoni della natura. Le quattro volte è un esempio purissimo di “slow cinema”, un cinema contemplativo che invita lo spettatore a rallentare, a osservare, a percepire le connessioni invisibili che legano ogni forma di vita. Non è un documentario, ma un poema visivo che esplora concetti filosofici complessi con una semplicità disarmante.

La regia di Frammartino è rigorosa e paziente. La macchina da presa, spesso fissa, cattura la bellezza austera del paesaggio calabrese e la ritualità dei gesti quotidiani, trovando l’universale nel particolare. È un cinema che rifiuta le convenzioni narrative per diventare un’esperienza sensoriale e spirituale, un’opera coraggiosa che dimostra la capacità del cinema indipendente di esplorare territori linguistici inediti e di raggiungere una profondità rara.

Cesare deve morire

Nel braccio di massima sicurezza del carcere di Rebibbia, a Roma, un gruppo di detenuti, molti dei quali condannati per crimini di mafia, mette in scena il “Giulio Cesare” di William Shakespeare. Durante le prove, le parole del drammaturgo inglese si fondono con le loro vite, i loro ricordi e i loro codici d’onore. Il confine tra finzione e realtà si assottiglia, e il teatro diventa uno specchio in cui riflettere su temi come il tradimento, il potere e la libertà.

Vincitore dell’Orso d’Oro al Festival di Berlino, Cesare deve morire è un’opera straordinaria che ibrida documentario, finzione e teatro. I fratelli Taviani, maestri del cinema italiano, realizzano un film potente e commovente, in cui la forza del testo shakespeariano viene amplificata dalla verità dei volti e delle esperienze dei detenuti-attori. La scelta di girare quasi interamente in bianco e nero all’interno delle mura del carcere crea un’atmosfera claustrofobica e senza tempo.

Il film esplora la funzione catartica dell’arte. Per questi uomini, recitare non è solo un’evasione, ma un modo per confrontarsi con il proprio passato e con la propria condizione. La celebre battuta finale di uno dei protagonisti – “Da quando ho conosciuto l’arte, questa cella è diventata una prigione” – racchiude il paradosso del film: l’arte libera la mente, ma rende ancora più acuta la consapevolezza della prigionia fisica. Un’opera di rara intelligenza e umanità.

Sacro GRA

Lontano dal centro monumentale di Roma, un’altra città pulsa lungo i margini del Grande Raccordo Anulare, l’autostrada che cinge la capitale. Qui, in questo territorio invisibile ai più, vivono e lavorano personaggi straordinari: un botanico che studia le palme infestate da un parassita, un pescatore di anguille che vive su una chiatta sul Tevere, un nobile decaduto, un paramedico che soccorre le vittime di incidenti stradali. Un mosaico di vite ai confini della metropoli.

Primo e unico documentario a vincere il Leone d’Oro al Festival di Venezia, Sacro GRA è un’opera che ridefinisce i confini del cinema del reale. Gianfranco Rosi, con il suo sguardo paziente e curioso, si immerge per anni in questo mondo sommerso, trovando l’epica nel quotidiano e la poesia nell’ordinario. Il film non ha una tesi da dimostrare né una storia da raccontare in senso tradizionale; è piuttosto un affresco umano, un “mistero laico” che svela l’umanità nascosta in luoghi apparentemente anonimi.

La regia di Rosi è precisa e pittorica. Ogni inquadratura è composta con cura, trasformando i paesaggi marginali del Raccordo in scenari carichi di significato. Il regista non intervista i suoi personaggi, ma li osserva vivere, catturando momenti di intimità, ironia e malinconia. È un cinema che richiede allo spettatore di abbandonare le aspettative narrative per lasciarsi trasportare da un flusso di immagini e incontri, scoprendo la bellezza inaspettata che si cela ai margini del visibile.

A Ciambra

A Gioia Tauro, in Calabria, vive la Ciambra, una comunità rom stanziale. Pio Amato è un quattordicenne che vuole crescere in fretta. Fuma, beve e segue come un’ombra il fratello maggiore Cosimo, imparando i trucchi del mestiere: piccoli furti e truffe. Il suo mondo è un complesso equilibrio tra la sua famiglia, gli italiani del luogo e i migranti africani. Quando Cosimo viene arrestato, per Pio arriva il momento di dimostrare di essere un uomo.

Jonas Carpignano, regista italo-americano, si immerge completamente nella realtà che racconta, realizzando un’opera di un’autenticità sconvolgente. Secondo capitolo della sua trilogia su Gioia Tauro, A Ciambra è un film che sfuma i confini tra finzione e documentario. Il regista lavora con la vera famiglia Amato, che interpreta se stessa, costruendo una narrazione che nasce direttamente dalla loro vita. La macchina da presa, a mano e nervosa, pedina Pio, facendoci entrare nel suo mondo con una fisicità e un’immediatezza rare.

Il film è un potente racconto di formazione ambientato in un contesto di marginalità sociale, ma rifugge da ogni stereotipo. Carpignano non giudica i suoi personaggi, ma li osserva con empatia, mostrando la complessità dei loro legami, dei loro codici d’onore e della loro lotta per la sopravvivenza. È un cinema immersivo, che ci porta in un luogo specifico per raccontare una storia universale sulla famiglia, l’amicizia e le difficili scelte che segnano il passaggio all’età adulta.

L’intrusa

Giovanna gestisce “La Masseria”, un centro ricreativo per bambini in un quartiere difficile di Napoli, un’oasi di legalità e speranza strappata al degrado. L’equilibrio precario della sua comunità viene messo in crisi quando Maria, la giovane moglie di un boss della camorra appena arrestato, cerca rifugio nel centro con i suoi due figli. La sua presenza scatena la paura e la rabbia degli altri genitori, costringendo Giovanna a un’impossibile scelta tra accoglienza e sicurezza.

Leonardo Di Costanzo, con un passato da documentarista, realizza un’opera di straordinaria finezza psicologica e rigore morale. L’intrusa non è un film sulla camorra, ma su chi è costretto a convivere con la sua ombra, sulle complesse dinamiche di una comunità che cerca di costruire un’alternativa. Il film si svolge quasi interamente all’interno delle mura del centro, uno spazio chiuso che diventa il teatro di un dilemma etico universale.

La regia è minimalista e osservazionale, attenta ai gesti, agli sguardi, alle tensioni non dette. Di Costanzo non offre soluzioni facili, ma esplora le zone grigie della solidarietà, della paura e della responsabilità. È un cinema civile nel senso più nobile del termine, che si interroga sulle fondamenta della convivenza e sulla difficoltà di tracciare un confine netto tra giusto e sbagliato in un contesto dove ogni scelta ha conseguenze imprevedibili.

Anime nere

Tre fratelli originari di Africo, in Aspromonte, incarnano tre diversi destini legati alla ‘Ndrangheta. Luigi è un narcotrafficante internazionale che vive tra Milano e Amsterdam. Rocco è un imprenditore che ricicla il denaro sporco, cercando un’impossibile rispettabilità borghese. Luciano, il più anziano, è rimasto in Calabria, aggrappato a un’illusione di purezza pastorale. Una bravata del giovane figlio di Luciano riaccenderà una vecchia faida, trascinando tutti in una spirale di violenza ineluttabile.

Francesco Munzi realizza un’opera potente e austera, che eleva il film di mafia alla statura della tragedia greca. Lontano dalla spettacolarizzazione di Gomorra, Anime nere è un film che scava nelle radici antropologiche e psicologiche della criminalità, esplorando il peso del sangue, della terra e di un passato che non si può cancellare. Il paesaggio aspro e arcaico dell’Aspromonte non è solo uno sfondo, ma un personaggio che incombe sui destini degli uomini.

La regia è rigorosa, quasi ritualistica, attenta ai silenzi e ai gesti di un mondo governato da codici antichi. Munzi evita i cliché del genere per concentrarsi sul dramma interiore dei suoi personaggi, sulla loro lotta impossibile per sfuggire a un fato già scritto. È un film che non offre speranza, ma una lucida e terribile comprensione della logica della vendetta, un capolavoro di tensione e profondità che ha lasciato un segno indelebile nel cinema italiano.

Non essere cattivo

Ostia, 1995. Vittorio e Cesare sono amici da sempre, “fratelli di vita”. Le loro giornate scorrono tra spaccio di droghe sintetiche, risse e notti in discoteca. Vivono in un mondo marginale e violento, dove il futuro sembra non esistere. Quando Vittorio, dopo un’esperienza di pre-morte, decide di cambiare vita e trovare un lavoro onesto, cerca di trascinare con sé anche Cesare, ma salvarlo dal suo demone autodistruttivo sarà un’impresa quasi impossibile.

Testamento spirituale di Claudio Caligari, regista di culto scomparso poco dopo la fine delle riprese, Non essere cattivo è un’opera potente e disperata, un pugno nello stomaco che chiude idealmente la trilogia sulla marginalità romana iniziata con Amore tossico. Il film è un racconto pasoliniano, crudo e lirico allo stesso tempo, che guarda ai suoi personaggi senza giudizio, ma con una profonda e dolente umanità.

La produzione stessa del film è un atto di cinema indipendente, portato a termine grazie alla tenacia dell’attore Valerio Mastandrea e di un’intera comunità cinematografica. Alessandro Borghi e Luca Marinelli, in due interpretazioni straordinarie, danno corpo e anima a una generazione perduta, intrappolata in un presente senza speranza. È un cinema viscerale, che non fa sconti e che ci restituisce un pezzo di realtà italiana con una sincerità brutale e commovente.

La paranza dei bambini

Napoli, Rione Sanità. Nicola e i suoi amici sono un gruppo di quindicenni che passano le giornate tra motorini, videogiochi e primi amori. Stanchi di subire le angherie dei clan locali e di vedere le loro famiglie pagare il pizzo, decidono di prendere in mano la situazione. Si procurano delle armi e formano una loro “paranza”, un gruppo criminale di adolescenti, per conquistare il controllo del quartiere. Ma il gioco si trasformerà presto in una spirale di violenza senza ritorno.

Tratto dall’omonimo romanzo di Roberto Saviano, il film di Claudio Giovannesi è un ritratto lucido e agghiacciante della “generazione Gomorra. A differenza dei boss navigati, i protagonisti de La paranza dei bambini sono adolescenti che inseguono i miti del consumismo – abiti firmati, tavoli nei locali alla moda, soldi facili – attraverso il linguaggio della criminalità. La loro è una ribellione che si trasforma in una tragica imitazione del potere che vorrebbero combattere.

Giovannesi adotta uno stile realista e immersivo, seguendo i ragazzi con una camera a spalla che ne cattura l’energia, l’ingenuità e la spaventosa incoscienza. Il film non giudica, ma osserva con empatia il processo di corruzione dell’innocenza, mostrando come il desiderio universale di appartenenza e riscatto possa essere deviato in un percorso di autodistruzione. Premiato per la Miglior Sceneggiatura a Berlino, è un’opera necessaria per comprendere il presente.

Vergine giurata

Per sfuggire a un destino di sottomissione in una società arcaica e patriarcale sulle montagne dell’Albania, la giovane Hana si appella a un’antica legge, il Kanun. Giura di rimanere vergine per sempre e diventa un uomo, Mark, ottenendo gli stessi diritti e le stesse libertà degli altri uomini. Anni dopo, Mark si trasferisce in Italia dalla sorella e qui, in un mondo completamente diverso, inizia un difficile e doloroso percorso per riscoprire il suo corpo e la sua femminilità repressa.

L’opera prima di Laura Bispuri è un film intenso e delicato che esplora con grande sensibilità i temi dell’identità di genere, della memoria e della libertà. La storia delle “vergini giurate” albanesi diventa una metafora universale sulla costruzione dell’identità e sulla possibilità di reinventarsi. Il film si muove costantemente tra due temporalità e due luoghi: il passato nelle aspre montagne albanesi e il presente in una moderna città italiana, riflettendo il conflitto interiore della protagonista.

Alba Rohrwacher offre una performance straordinaria, tutta giocata sulla sottrazione e sulla fisicità. Il suo corpo rigido e impacciato, i suoi gesti maschili e il suo sguardo smarrito raccontano, meglio di qualsiasi dialogo, la prigione in cui si è rinchiusa. La regia di Bispuri è intima e sensoriale, attenta ai dettagli e alle piccole epifanie che segnano il percorso di Hana/Mark verso la riconquista di sé.

Le otto montagne

Pietro è un ragazzo di città, Bruno è l’ultimo bambino di un villaggio di montagna dimenticato. Le loro estati trascorse ai piedi del Monte Rosa danno vita a un’amicizia profonda e indissolubile. Ma mentre Pietro viaggerà per il mondo, Bruno rimarrà fedele alla sua montagna. Le loro vite prenderanno strade diverse, ma un legame invisibile li riporterà sempre lì, in quel luogo che è stato la culla della loro amicizia e il riflesso delle loro anime.

Tratto dal romanzo di Paolo Cognetti, il film dei registi belgi Felix Van Groeningen e Charlotte Vandermeersch è una struggente e maestosa meditazione sull’amicizia, sul rapporto tra padre e figlio e sul nostro posto nel mondo. Premiato dalla Giuria a Cannes, Le otto montagne è un’opera di respiro universale, che usa la montagna come metafora della vita: c’è chi, come Pietro, ha bisogno di esplorare le otto montagne del mondo, e chi, come Bruno, si accontenta di raggiungere la vetta della più alta, il suo Sumeru.

La regia cattura la bellezza imponente e la durezza della natura con un formato quasi quadrato (4:3) che esalta la verticalità delle montagne. Alessandro Borghi e Luca Marinelli, in perfetta sintonia, danno vita a un’amicizia maschile raccontata con una delicatezza e una profondità rare. È un film che commuove e fa riflettere, un’epica intima che ci ricorda l’importanza delle radici e dei legami che ci definiscono.