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Film bellissimi da vedere

Guarda film indipendenti e cult selezionati

Vai oltre i film proposti dalle solite piattaforme commerciali. Guarda centinaia di film indipendenti e d'autore rari, cult e documentari introvabili selezionati da tutto il mondo.

Indice dei contenuti

I film bellissimi da vedere non sono un’esperienza frequente: a volte per trovare un film bellissimo e indimenticabile dobbiamo guardare prima decine e decine di film deludenti che ci lasciano la sensazione di aver perso il nostro tempo. È vero che la percezione di un film bello è qualcosa di totalmente soggettivo. Ma quando un film resiste all’oblio del tempo che passa e mette d’accordo milioni di spettatori e tutto il mondo della critica cinematografica si può affermare che è oggettivamente un film da vedere assolutamente. Un film bellissimo non è necessariamente un capolavoro ma può essere bello nel suo specifico genere e per diversi motivi. In questa lista abbiamo inserito i film bellissimi da vedere assolutamente per qualsiasi cinefilo degno di tale definizione, tralasciando la nostra opinione e basandoci sui dati e su quei film che hanno vinto totalmente la loro sfida con gli anni che passano. Sono film che anche se hanno polarizzato la critica al momento della loro uscita ma sono diventati classici senza tempo che hanno messo d’accordo tutti sul loro valore artistico. 

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Nosferatu (1922)

Thomas Hutter viene inviato in Transilvania dalla sua azienda, il rappresentante immobiliare Herr Knock, per dare un’occhiata a un nuovo cliente chiamato Conte Orlok che intende acquistare una casa identica alla casa di Hutter. Mentre inizia il suo viaggio, Hutter va in una locanda dove i proprietari sono scioccati dal semplice nominare il nome di Orlok.

La terra dei fantasmi e il richiamo dell’uccello della morte: uno dei primissimi adattamenti (sebbene non approvati) di Dracula è ancora tra i più sconvolgenti, un capolavoro del cinema espressionista. L’efficacia da insetto di Max Schreck nei panni del selvaggio conte Orlok è altrettanto inquietante come lo era un secolo prima. Le immagini inquietanti di un mondo crepuscolare del regista espressionista tedesco FW Murnau hanno effettivamente influenzato generazioni di film horror del futuro.

La corazzata Potemkin (1925)

Questo dramma imperdibile è stato ambientato nel fervore della propaganda sovietica e utilizzato dal governo federale comunista per commemorare un evento 20 anni prima. Racconta la rivolta dei marinai che avviene nella città di Odessa; il film è più popolare per un’incredibile scena di una carrozzina che cade dai gradini della scalinata di Odessa. La corazzata Potëmkin è ricca di immagini straordinarie, e il regista Sergei Eisenstein è davvero considerato tra gli inventori del linguaggio cinematografico, con il suo enorme impatto nel corso degli anni.

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Come vinsi la guerra (1926)

Per compiacere Annabelle, Johnnie digiuna per essere il primo ad arruolarsi nella guerra civile americana, tuttavia viene rifiutato perché è un molto più prezioso come ingegnere. Quando se ne va, incontra il padre e il fratello di Annabelle, che lo invitano a unirsi a loro in fila per arruolarsi, ma se ne va, lasciandoli con l’impressione che non voglia partecipare alla guerra.

Johnnie prende il treno, perde il treno, insegue le pressioni del sindacato che ha preso il treno, recupera il treno e finisce anche con direttive contrarie. Potrebbe non sembrare il tipico amore romantico, ma è proprio quello che è divertente. Tra i più celebri artisti nella storia del cinema, Buster Keaton usa fotografia, ritmo e tempismo comico, il tutto supportato da un enorme talento. 

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M, Il mostro di Dusseldorf (1931)

Una donna apparecchia la tavola per il pranzo, aspettando che la sua bambina torni a casa da scuola. Un poster avverte di un serial killer che cattura i bambini mentre una madre e un padre aspettano fuori da una scuola. La piccola Elsie Beckmann lascia il college. L’assassino le compra un pallone da un venditore ambulante cieco. Il posto di Elsie al tavolo rimane vuoto e il suo pallone si perde nel cielo.

Tra quei film bellissimi che si trovano al confine tra il cinema muto e l’era del sonoro, ma fanno uso delle virtù di entrambi, il film sul serial killer di Lang brucia con una profonda oscurità visiva eccezionale. Il tema del film è la vigilanza: dobbiamo mettere al sicuro i nostri ragazzi, ma chi può salvaguardare la società da se stessa? Opera d’arte da non perdere del celebre regista Fritz Lang.

Vampyr (1932)

Tra i film bellissimi del cinema horror. A tarda notte, Allan Gray si reca in una locanda vicino al quartiere di Courtempierre e prende una camera per riposare. Gray viene improvvisamente interrotto da un vecchio, che si insinua nella stanza e lascia sul tavolo una scatola quadrata: sulla copertina c’è scritto “Da aprire alla mia morte”. Gray raggiunge un vecchio castello dove vede un vecchio uomo e una vecchia signora. Osservando le finestre della casa, Gray vede il proprietario del castello, lo stesso uomo che gli ha offerto il fagotto. L’uomo viene ucciso subito dopo da un colpo di pistola.

Vampyr di Carl Theodor Dreyer è realizzato negli anni della transizione tra cinema sonoro e cinema muto, utilizzando il linguaggio visivo del precedente per portare il film horror nel nuovo periodo. In Vampyr regna una consistente sensazione di stress e ansia e impercettibili presenza metafisiche che si nascondono in ogni angolo. La fotografia di Rudolph Maté filma ogni sfumatura di buio e luce in una danza sorprendente. Immagini pittoriche entrate nella storia del cinema, come quella di un uomo con la falce che suona un campanello o l’insegna di una locanda che si protende contro un cielo cupo. Scene cult come quella in cui Allan viene messo in una bara dagli scagnozzi del vampiro, in cui Dreyer utilizza un punto di vista soggettivo claustrofobico. Un film bellissimo.

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Tempi moderni (1936)

Il vagabondo si occupa di una catena di montaggio, dove soffre notevolmente di stress e ansia a causa della velocità del lavoro. Finisce in carcere dove consuma involontariamente droga di contrabbando. Quando viene informato che sarà presto famoso per le sue azioni audaci, afferma che sceglie l’ergastolo. Tra i film bellissimi del genere commedia, creativo senza sosta, non si prende mai una pausa. Le gag arrivano rapide con lo stile di Chaplin stimolato qui da situazioni che sembrano costruite appositamente per finire in un disastro.

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La signora del venerdì (1940)

Walter Burns è l’editore del quotidiano The Morning Post che scopre che la sua ex moglie e reporter di spicco, Hildegard “Hildy” Johnson, si sposerà con il suo nuovo fidanzato, il noioso assicuratore Bruce Baldwin, per fare una vita tranquilla come moglie e madre ad Albany, New York. Walter sceglie di impedire che ciò accada e attira un’esitante Hildy per raccontare un’ultima storia giornalistica: l’imminente esecuzione di Earl Williams, un contabile condannato per l’omicidio di un agente delle forze dell’ordine afroamericano. Hildy insiste con forza che lei e Bruce prenderanno un treno notturno per Albany per sposarsi il giorno successivo, Walter cerca di motivarla affermando che lei è l’unica che può inventare una storia per salvare Williams, che è stato erroneamente dichiarato colpevole.

Tra i tanti film bellissimi diretti dal regista Howard Hawks, His Girl Friday è la commedia più accattivante e dialogato. Il laconico Hawks avrebbe creato il suo proto-femminismo per tutta la vita con questo film: donne forti che lavorano molto meglio dei giornalisti uomini erano semplicemente ciò che desiderava filmare e raccontare. Un film bello e divertente che può piacerti se ti piacciono i dialoghi.

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Rashomon (1950)

La storia inizia nel periodo Heian a Kyoto. Un prete e un taglialegna sono seduti sotto la porta della città di Rashōmon per rimanere asciutti durante un temporale quando un uomo (Kichijiro Ueda) si unisce a loro e iniziano a raccontare una storia incredibilmente inquietante relativa a uno stupro e un omicidio. Ognuno di loro fornisce resoconti molto diversi della stessa storia.

Non è esagerato affermare il film sui samurai Rashomon di Akira Kurosawa ha effettivamente ridefinito la narrazione cinematografica e che è tra i film bellissimi nella storia del cinema. Con la sua struttura narrativa mutevole e inaffidabile – in cui quattro persone forniscono vari resoconti di un omicidio – il film è eccezionalmente vibrante e serve anche come monito di come tutti possano ingannarci. Quasi 70 anni dopo il suo lancio, i cineasti stanno ancora cercando di raggiungere i risultati di questo capolavoro.

I racconti della luna pallida d’agosto (1953)

Nella cittadina agricola di Nakanogō, sulla costa del Lago Biwa nella provincia di Ōmi per tutta la durata del Sengoku, Genjūrō, un vasaio, porta i suoi prodotti nella vicina Ōmizo. È accompagnato da suo cognato Tobei, che desidera diventare un samurai. Un venerato saggio informa il partner di Genjūrō, Miyagi, di avvertirlo delle rivolte e degli attacchi alla città. Tornato con i guadagni, Miyagi gli chiede di smettere di andare in città per vendere i vasi, tuttavia Genjūrō ​​lavora per completare le sue ceramiche. Quella notte, l’esercito di Shibata Katsuie distrugge Nakanogō.

Genjūrō ​​sceglie di portare i suoi vasi in un mercato diverso. Mentre le coppie attraversano il lago Biwa, una barca appare dalla fitta foschia. L’unico turista dice loro di essere stato effettivamente aggredito dai pirati, li allerta e muore. Gli uomini scelgono di riportare le loro donne sulla costa, ma Ohama rifiuta di tornare.

L’avidità, il rispetto per i membri della famiglia, il rispetto di sé sono alcuni dei temi di questo film bellissimo del cinema giapponese. Il film vinse il Leone d’argento alla Mostra del cinema di Venezia del 1953 insieme ad altri premi. Ugetsu è uno dei film più popolari di Mizoguchi, considerato dalla critica un’opera d’arte, accreditato per aver contribuito a promuovere il cinema giapponese in Occidente e influenzare il successivo cinema giapponese. Allo stesso modo è un film esoterico che può essere interpretato a vari livelli.

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Viaggio a Tokyo (1953)

La coppia di pensionati Shūkichi e Tomi Hirayama vive a Onomichi, nel Giappone occidentale, con la loro bambina Kyōko, un’insegnante di scuola elementare. La coppia si reca a Tokyo per vedere il figlio, la figlia e la nuora vedova. Il loro figlio maggiore, Kōichi, è un medico che gestisce un piccolo centro nella Tokyo rurale. Il loro figlio maggiore, Shige, che gestisce un parrucchiere. Kōichi e Shige sono entrambi estremamente frenetici con il lavoro e non hanno molto tempo per loro. Solo la loro nuora vedova, Noriko, la moglie del loro figlio Shōji,  trova il tempo per stare con loro.

Un film bellissimo su un dramma familiare realizzato con rigore e perfezione. Chishu Ryu e Chieko Higashiyama sono toccanti e dignitosi nel ruolo di genitori che visitano i loro figli e nipoti, solo per essere ignorati. Girato sempre con la cinepresa a un paio di centimetri da terra il capolavoro di Yasujiro Ozu è un film bellissimo grandioso e intimo. 

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Un condannato a morte è fuggito (1956)

In viaggio verso la prigione, Fontaine, un membro della Resistenza francese, tenta di scappare dai soldati tedeschi quando l’automobile che lo trasporta si ferma, tuttavia viene imprigionato, picchiato per il suo tentativo di fuga, ammanettato e condannato al carcere. All’inizio viene messo in una cella di prigione dove può parlare con 3 giovani ragazzi francesi in cortile. Gli uomini ottengono una spilla da balia per Fontaine, che gli dà la possibilità di aprire le manette.

Questo bellissimo film si basa sulle memorie di André Devigny, un membro della Resistenza francese arrestato nella prigione di Montluc dai tedeschi durante la seconda guerra mondiale. Il personaggio principale del film si chiama Fontaine. Lo stesso Robert Bresson fu messo dietro le sbarre dai tedeschi nella Resistenza francese. La seconda parte del titolo deriva dalla Bibbia. Film d’essai imperdibile: praticamente tutto girato in una cella, con un solo attore, senza scenografie. Vero e proprio rigore, vero e proprio cinema. Il meglio di Bresson insieme ad Au hasard Balthasar.

Il settimo sigillo (1957)

Il cavaliere Antonius Block e il suo scudiero Jöns tornano dalle crociate per trovare il loro paese distrutto dalla peste. Il cavaliere incontra la Morte, che sfida a scacchi, pensando di poter resistere finché il gioco continua. La partita che iniziano continua per tutto il racconto. Il cavaliere e il suo scudiero passano davanti a una carovana di attori: Jof e la sua compagna Mia, con il figlio Mikael e l’attore-manager Jonas Skat. Film bellissimo e drammatico sulla morte di Ingmar Bergman è tra i film essenziali nella storia del cinema.

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I 400 colpi (1959)

Il primo di una raccolta autobiografica di 5 film, I 400 colpi di Francois Truffaut è la storia di Antoine Doinel (Jean-Pierre Léaud), bloccato in una spiacevole adolescenza con i suoi genitori. Antoine trova conforto nel girovagare, nel fumare sigarette e frequentare amici. Film bellissimo su un ragazzino in difficoltà nell’accettare il mondo corrotto degli adulti poetico e genuino come raramente accade. L’opera d’arte che ha dato vita alla Nouvelle Vague.

Vertigo (1958)

Dopo un inseguimento sul tetto, in cui muore un altro poliziotto, l’investigatore di San Francisco John “Scottie” Ferguson si ritira per paura delle vertigini. Scottie cerca di vincere lo stress e l’ansia, tuttavia la sua ex ragazza, la stilista di biancheria intima Marjorie “Midge” Wood, afferma che un ulteriore estremo shock psicologico potrebbe essere l’unico rimedio.

Gavin Elster, un socio del college, chiede a Scottie di seguire sua moglie, Madeleine, specificando che si è comportata in modo strano e le sue abitudini sono insolite. Scottie accetta con riluttanza e segue Madeleine da un fioraio dove acquista una composizione floreale, alla Missione San Francisco de Asís e al luogo di sepoltura di Carlotta Valdes e alla galleria d’arte della Legion d’Onore dove dà un’occhiata al Ritratto di Carlotta. La vede entrare al McKittrick Hotel. 

Film bellissimo e thriller psicologico considerato l’opera d’arte di Alfred Hitchcock, Vertigo è pieno di suspense e temi esistenziali. Alternando gli abiti di Edith Head, Kim Novak interpreta 2 ruoli: Madeleine Elster e Judy Barton, entrambe amate dall’ex poliziotto di James Stewart. A concludere questo capolavoro thriller c’è la musica di Bernard Herrmann, che si sviluppa in un finale imperioso.

La Dolce Vita (1960)

Film bellissimo realizzato nel bel mezzo degli anni del boom italiano, il successo di Federico Fellini racconta l’aristocrazia e il suo declino. Il film ha reso Marcello Mastroianni una star con il ruolo di un giornalista coinvolto nel folle mondo della vita notturna romana. Paradossalmente, la rappresentazione del film di questo ambiente come un edonismo distruttivo per l’anima è sorprendente. A causa del fatto che Fellini filma qualunque cosa con tale vigore cinematografico e arguzia che spesso è difficile non farsi prendere dagli eventi deliranti sullo schermo. Gran parte di come vediamo la celebrità risale ancora a questo film che ha persino creato la parola paparazzi. È tra quei film che ti cambiano la vita.

L’avventura (1960)

Mentre Claudia aspetta al piano di sotto, Anna e Sandro fanno sesso a casa sua. La mattina seguente, con uno yacht di lusso, raggiungono le Isole Eolie nel nord della Sicilia. Superato Basiluzzo, Anna si tuffa in acqua per una nuotata e Sandro le si lancia dietro. Sandro tenta di salvarla quando Anna urla dicendo di aver visto uno squalo.

Anna confessa a Claudia che lo squalo era una bugia per suscitare l’interesse di Sandro. Su una delle isole minori, Lisca Bianca, Anna e Sandro discutono della loro relazione problematica. Anna è insoddisfatta dei suoi lunghi viaggi di lavoro. Sandro trascura i suoi problemi e dorme sugli scogli.

Questo bellissimo film nasce da un racconto di Antonioni scritto con Elio Bartolini e Tonino Guerra, un racconto sulla scomparsa di una donna (Lea Massari) durante una gita in barca nel Mediterraneo, e sul successivo tradimento del suo amante (Gabriele Ferzetti ) con la sua amica (Monica Vitti) Fu girato a Roma, alle Isole Eolie e in Sicilia nel 1959 in condizioni economiche e fisiche difficili. Un’opera d’arte da vedere per comprendere l’essenza del cinema di Antonioni e il suo effetto su tutti gli altri cineasti.

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Accattone (1961)

Vittorio (Franco Citti), soprannominato “Accattone”, conduce una vita da fannullone fino a quando la sua donna di strada, Maddalena, viene sfruttata dai concorrenti e condannata. Senza un guadagno stabile, inizialmente cerca di sfruttare la madre di suo figlio, ma viene respinto dai suoi genitori; dopodiché incontra Stella e tenta di farla diventare una donna di strada. Vuole provare, ma quando il suo primo cliente inizia a picchiarla, piange e scappa. Accattone tenta di sostenerla, ma dopo aver avuto un’insolita visione della propria morte, se ne va con i suoi amici.

Indipendentemente dal fatto che sia stato girato da una sceneggiatura cinematografica, Accattone è un adattamento cinematografico dei primi racconti di Pasolini, in particolare Ragazzi di vita e Una vita violenta. È stato il primo film di Pasolini come regista, e utilizza una regia eccezionale che in seguito diventò il marchio di fabbrica di Pasolini Girato con attori non professionisti del luogo in cui è ambientato il film, è tra i film bellissimi della storia del cinema da vedere assolutamente.

L’angelo sterminatore (1962)

Durante una cena ufficiale nell’elegante castello del Señor Edmundo Nóbile e di sua moglie Lucía, i servi lasciano inspiegabilmente i loro compiti finché rimane solo il maggiordomo. Dopo cena, gli ospiti si incontrano nel salone dove una donna suona un pianoforte. Più tardi, quando è previsto il loro ritorno a casa, i visitatori si tolgono stranamente i cappotti, si allentano i vestiti e scelgono di dormire su divani, sulle sedie e sul pavimento.

I visitatori consumano quel poco di cibo e bevande rimasti dalla notte precedente. Solo il dottor Carlos Conde mantiene la calma e guida il gruppo impaurito. L’anziano Sergio Russell, muore e il suo corpo viene messo in un grande armadio. Film bellissimo da non perdere, tra le vette del cinema surrealista.

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Carnival of Souls (1962)

Carnival of Souls è un film bellissimo e artisticamente autentico di un regista esordiente, ma per lo più dimenticato nella sua lancio preliminare fino alla sua riscoperta anni dopo averlo trasformato in un vero e proprio film di culto. È un piccolo film indipendente straordinario e inquietante di demoni, lutto e spiriti inquieti. La trama racconta di una ragazza (Candace Hilligoss) in fuga dal suo passato che è perseguitata dalle visioni di un uomo pallido e demoniaco, interpretato dal regista Herk Harvey. Carnival of Souls è un film di fantasmi realizzato con un basso budget, ed è stato persino descritto come un film di culto da registi come David Lynch.

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8 1/2 (1963)

Guido Anselmi, un popolare regista italiano, sta affrontando il “blocco del regista”. Bloccato nel suo nuovo film di fantascienza che consiste in velati riferimenti autobiografici, non gli piace la vita che conduce, tra preoccupazioni creative e coniugali. Durante il tentativo di riprendersi dallo stress e dalle ansie alle terme di Chianciano, Guido contatta un famoso critico cinematografico per valutare la sceneggiatura del suo film, ma il critico la fa a pezzi.

Guido ha visioni ripetute di una donna angelica vestita di bianco vitale per la sua storia. La sua amante Carla si prepara a fargli visita, ma Guido la mette in un altro albergo per non farsi scoprire. Il gruppo di produzione del film si trasferisce nell’hotel di Guido nel tentativo di convincerlo a occuparsi del film. Guido ammette all’amica di sua moglie, Rosella, che voleva fare un film che fosse puro e genuino: sta difendendo qualcosa di sincero da dire.

Dopo il successo de La dolce vita, Federico Fellini realizza quest’opera d’arte autobiografica su un regista che vive un blocco creativo. Prendendo il titolo dal numero di film che Fellini aveva di fatto concluso fino a quel momento, Otto e mezzo mostra Guido assediato da adulatori, giornalisti, attrici e produttori mentre fa fatica a iniziare un film di fantascienza. Film cult dei più famosi registi di tutto il mondo, il film di Fellini è stato imitato in diversi film successivi. Un film bellissimo e inarrivabile per comprendere le più grandi vette del cinema.

Au Hasard Balthazar (1966)

Nella campagna francese vicino ai Pirenei, un asino viene abbracciato da dei bambini: Jacques e sua sorella, che risiedono in una fattoria. Quando una delle sorelle di Jacques muore, la sua famiglia lascia la fattoria e la famiglia di Marie prende la proprietà dell’asino. Il padre di Marie viene coinvolto in cause legali sulla fattoria con il padre di Jacques e l’asino viene relegato in un panificio per lavori di spedizione.

Influenzato da L’idiota di Fyodor Dostoevskij del 1868-69, questo bellissimo film racconta di un asino che passa attraverso diversi proprietari, alcuni dei quali lo trattano con violenza. La regia formidabile di Robert Bresson ne fa uno dei migliori film di tutti i tempi.

2001: Odissea nello spazio (1968)

In un’epoca antica, individui scimmieschi vengono respinti dalla loro pozza d’acqua da una tribù in competizione. Il giorno successivo, scoprono che un monolite alieno è apparso tra loro; li aiuta a comprendere esattamente come utilizzare un osso come arma e respingere i loro nemici. Innumerevoli anni dopo, il dottor Heywood Floyd, presidente del Consiglio nazionale di astronautica degli Stati Uniti, si reca alla base Clavius, una stazione lunare degli Stati Uniti. Il suo obiettivo è esaminare un un monolite sepolto 4 milioni di anni prima vicino al cratere lunare Tycho. Lui e altri fanno un viaggio su un Moonbus fino al monolite.

2001: Odissea nello spazio è un capolavoro del cinema di fantascienza, una storia di progresso tecnologico e catastrofe umana con molteplici significati. Un film di fantascienza essenziale e sbalorditivo, con effetti visivi psichedelici, uno dei migliori film mai realizzati. La spaventosa visione del futuro di Stanley Kubrick – AI e tutto il resto – sembra ancora profetica dopo più di 50 anni. Un film bellissimo che devi assolutamente vedere se ti piace l’arte delle immagini in movimento: estasi sonora e visiva.

Arancia meccanica (1971)

I 4 criminali protagonisti del film entrano in una casa, picchiano un vecchio scrittore e violentano anche sua moglie, che poi muore. Quando un tentativo di furto fallisce e Alex uccide una signora anziana con un grosso fallo di marmo, viene condannato a 14 anni di prigione. Immerso in un’Inghilterra da film distopico, è il racconto in prima persona di un giovane delinquente che attraversa una riabilitazione psicologica sponsorizzata dallo stato. Opera d’arte cinematografica, film bellissimo da vedere e rivedere, è una straordinaria satira sul potere politico e la manipolazione.

Il Padrino (1972)

Dai saggi di Goodfellas a The Sopranos, tutti gli imperi criminali che seguirono Il Padrino sono ragazzi dei Corleones: l’opera magnum di Francis Ford Coppola è tra le influenti opere d’arte dei film sulla mafia. Una considerevole battuta d’apertura (“I Believe in America”) mette in moto il dramma di Mario Puzo, prima che il film epico di Coppola diventi un racconto agghiacciante che distrugge il sogno americano.

La storia intrisa di corruzione racconta di una famiglia di immigrati che affronta i valori paradossali del potere e della fede; quelle opposizioni etiche prendono forma in una serie leggendaria di battesimi, perfettamente curati in parallelo con l’uccisione di 4 personaggi di potere tra i clan. Con molte scene famose – la testa mozzata di un cavallo, la voce ansimante di Marlon Brando, il valzer di Nino Rota – questo bellissimo film sopravvive nel tempo.

Roma (1972)

Federico Fellini racconta la sua giovinezza a Roma. Il film si apre con una folla chiassosa e sbalorditiva che invita il ragazzo che scende da un treno alla stazione Termini. Fellini (Gonzales) si trasferisce in un grande appartamento romano popolato da individui grotteschi (con un sosia di Benito Mussolini) e gestito da una donna sovrappeso. Il giovane visita 2 bordelli – uno minuscolo e sovraffollato e l’altro più grande ed elegante – e fa sesso con una prostituta che lavora in quest’ultimo. C’è un teatro di vaudeville a basso costo, strade, tunnel e un’antica catacomba con affreschi che vengono danneggiati dall’aria fresca subito dopo che gli escavatori l’hanno trovata.

Tra le scene più note si vede una nobildonna anziana che tiene uno stravagante sfilata in stile ecclesiastico per un cardinale e diversi altri visitatori con suore e sacerdoti che sfilano in tutti i tipi di abiti insoliti. È un omaggio alla città, mostrato in una serie di sequenze autonome vagamente collegati, ambientato sia nell’oggi che nel passato di Roma. La trama è estremamente ridotta, e l’unico “personaggio” ad affermarsi in modo significativo è la stessa Roma. Peter Gonzales interpreta il giovane Fellini e il film è composto da numerosi attori non professioniste. Film bellissimo, visionario, psichedelico, delirante. Ogni scena è un’opera d’arte, un film nel film. Ogni inquadratura, anche quelli che durano solo 2 secondi, è un dipinto degno di una galleria d’arte predtigiosa. Tra i più fantastici viaggi visivi del ‘900.

Amarcord (1973)

A Borgo San Giuliano, un paese vicino a Rimini, l’arrivo dei semi di pioppo portati dal vento preannuncia l’arrivo della primavera. Al calar della notte, i cittadini si dirigono verso la piazza del paese per un falò in cui viene bruciata la Vecchia Strega dell’Inverno. Le persone si giocano brutti scherzi, innescano fuochi d’artificio.

La scuola sotto il fascismo è una noia di istruttori grotteschi e giornate fredde. Titta non rivela don Balosa in confessione delle sue attività masturbatorie pensando alla Gradisca, una signora seducente. Le autorità fasciste arrivano in città e gli scolari vengono contattati per svolgere la preparazione atletica. Il buon amico di Titta, Ciccio, ho visioni di essere sposato con Aldina, con la faccia enorme di Mussolini che celebra il matrimonio. 

Il titolo del film è una parola creata dell’espressione romagnola am ‘arcôrd (“mi ricordo”) Il personaggio di Titta è ispirato al compagno di gioventù di Fellini, Luigi Titta Benzi, riminese. Benzi finì per essere un avvocato e continuò a rimanere in stretto contatto con Fellini per tutta la vita. Un’opera d’arte piena di umanità e poesia, è un film bellissimo e imperdibile per tutti, anche per coloro che non comprendono del tutto i film più intricati di Fellini.

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Jeanne Dielman, 23, Quai du Commerce, 1080 Brussels (1975)

Questo non è semplicemente un film d’essai, ma una finestra su una condizione universale, rappresentata in un disegno strutturalista. Portandoci nella normalità del quotidiano, Chantal Akerman e l’attrice Delphine Seyrig sviluppano un incredibile senso di compassione raramente eguagliato da altri film. Jeanne Dielman rappresenta una dedizione totale alla vita di una donna, ora per ora, minuto per minuto.

Taxi Driver (1976)

Travis Bickle è un veterano della guerra del Vietnam di 26 anni alle prese con problemi psichici. Vive da solo a New York City. Travis trova lavoro come tassista di notte per gestire i suoi disturbi del sonno e solitudine. Va spesso nei cinema pornografici sulla 42nd Street e tiene un diario in cui tenta di annotare le sue idee. Si ribella al crimine e alla degenerazione della città di cui è testimone, ed è ossessionato dal pensiero di ripulire le strade dai criminali.

Un viaggio in una New York perduta e ritratto di un ragazzo problematico, Taxi Driver è un film bellissimo che ha influenzato la New Hollywood degli anni ’70. La visione di Martin Scorsese è sospesa tra dramma e noir, e anche la sceneggiatura del film di Paul Schrader sonda le profondità dell’animo umano fornite dalla notevole interpretazione di Robert De Niro.

Apocalipse Now (1979)

Durante la guerra del Vietnam, il colonnello delle forze speciali dell’esercito degli Stati Uniti Walter E. Kurtz è impazzito e sta conducendo una guerriglia violenta contro gruppi locali senza approvazione dei suoi capi. In una stazione in Cambogia, comanda soldati americani che lo vedono come un semidio. Il capitano Benjamin L. Willard, viene mandato presso la sede centrale della I Field Force a Nha Trang. Il suo obiettivo è porre fine al comando di Kurtz. La guerra del Vietnam è inesorabile mentre Martin Sheen cerca di trovare il colonnello perduto Marlon Brando. Lungo la strada, ci sono ricerche, un meraviglioso raid in elicottero, l’odore del napalm, tigri e coniglietti di Playboy, fino a che Sheen non lascia la barca sul fiume. 

Film bellissimo e forse il più importante film di guerra mai realizzato. Il regista Francis Ford Coppola ha dovuto affrontare una lavorazione travagliata per mesi nella giungla delle Filippine. Ma la guerra in questo film non è una messa in scena spettacolare fine a se stessa ma ha diverse implicazioni metaforiche. È una lenta ed inesorabile discesa all’inferno, un viaggio nel Cuore di tenebra del pianeta Terra. 

Alien (1979)

L’astronave Nostromo sta tornando sulla Terra con un gruppo di 7 persone: il capitano Dallas, l’ufficiale esecutivo Kane, il maresciallo Ripley, il navigatore Lambert, l’ufficiale scientifico Ash, i tecnici Parker e persino Brett. Identificando una trasmissione da una luna vicina, il sistema informatico della nave, la Madre, mette gli astronauti in allarme. Ripley trova il contenuto della trasmissione, identificandolo come richiesta di aiuto, ma non può comunicare le informazioni a quelli sull’isola deserta.

Film bellissimo di fantascienza di Ridley Scott è un’avventura horror claustrofobica senza precedenti, interpretata dall’attrice Sigourney Weaver. Effetti speciali e il mostro a doppia mascella di HR Giger sono uno spettacolo terribile, è tra i pezzi più notevoli di puro terrore nel cinema di fantascienza. Tra i film da vedere assolutamente. 

C’era una volta in America (1984)

C’era una volta in America di Sergio Leone è leggendario come Goodfellas e saggio come Mean Streets. Un’opera d’arte vera e propria, classica come Il Padrino, ma inclusa in una epica riflessione sulla vita che passa e sulla dimensione mitica della narrazione. 

Il film di Leone dura 4 ore e gli stessi produttori credevano che fosse troppo lungo per il pubblico. La versione iniziale di Leone era di 2 film di 180 minuti che sarebbero stati mostrati uno dopo l’altro. Dopo l’uscita iniziale, il regista si prepara a modificare le due parti in un’unica versione di 4 ore e 29 minuti. Un film da vedere sull’amicizia virile e sullo scorrere del tempo, dove il genere dei film di gangster è solo un pretesto per fare grande cinema esistenziale, per entrare nella dimensione del mito dei film di Sergio Leone.

Stand by Me (1986)

L’autore Gordie Lachance legge un articolo giornalistico su un accoltellamento mortale. Ricorda un’evento giovanile quando lui, il suo amico, Chris Chambers, e altri 2 amici, Teddy Duchamp e Vern Tessio, fecero un viaggio per trovare il corpo di un ragazzo scomparso vicino al quartiere di Castle Rock, nell’Oregon, durante un fine settimana nel settembre 1959.

Per molti nati negli anni ’70 o ’60 Stand By Me è il film cult degli anni ’80 che ha unito cinefili e spettatori comuni. Il film ha un fascino e una profondità che sembrano risuonare con ogni generazione. Una sensazione accattivante ed estrema di vibranti ricordi affettuosi che finisce per essere un’ampia riflessione sul significato della vita umana. Stand by Me è un film sul l’adolescenza con un seguito di fan che lo commemorano ogni anno, un punto fermo per il passaggio iniziatico tra gli anni della giovinezza e l’età adulta, un film insolito che migliora costantemente con il passare del tempo.

Essi vivono (1988)

They Live è un film horror degli anni ’80 di John Carpenter. Nada (Roddy Piper), un vagabondo senza meta, scopre un paio di occhiali da sole che gli permettono di vedere gli intrusi alieni nascosti tra le classi sociali più alte dell’umanità. L’obiettivo di Nada di smascherare questi mostri con la faccia di teschio alimenta sia un’intensa visione politica che alcune delle più divertenti battute di Carpenter mai scritte. Si tratta di una riflessione politica e sociale agghiacciante da film distopico, in cui Carpenter con una semplicità estrema ed efficace arriva al cuore degli spettatori. Bellissimo film horror sugli alieni da non perdere assolutamente.

Goodfellas (1990)

Nel 1955 il giovane Henry Hill finisce per essere sedotto dalla vita criminale e dai mafiosi nel suo quartiere operaio italo-americano a Brooklyn. Henry inizia come assistente di Jimmy, salendo gradualmente in attività criminali molto più importanti. Henry inizia a frequentare Karen Friedman, una donna ebrea inizialmente turbata dalle attività criminali di Henry.

Un film bellissimo senza età che è ancora pura adrenalina cinematografica: il film gangster del regista italo-americano Martin Scorsese è un’opera magistrale su eroi che hanno i piedi d’argilla e le mani sporche di sangue. È popolare per molte cose: il famoso Copacabana, le scene di violenza, la morte di Billy Batts, i colletti delle magliette di Joe Pesci. Ma se c’è un motivo principale è la disavventura dell’antieroe di Ray Liotta, Henry Hill.

Mulholland Drive (2001)

Betty è stupita di trovare in casa sua una donna alle prese con l’amnesia che si fa chiamare “Rita” dopo aver visto un poster del film Gilda con Rita Hayworth. Per aiutare la donna a ricordare la sua identità, Betty controlla la borsetta di Rita, dove trova una grande quantità di denaro e anche un strana chiave blu.

Potresti vedere Mulholland Drive, senza dubbio tra i migliori thriller psicologici e tra i film più importanti del nuovo secolo, cento volte e percepire comunque qualcosa di diverso a ogni visione. Il complesso film ambientato a Los Angeles di David Lynch è un film di mistero e di inquietante sensualità, temi sempre presenti nel lavoro dell’autore, ma che proprio qui hanno raggiunto la loro apoteosi.

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