Le commedie americane più divertenti

Cosa rende una commedia degna di essere vista?  Forse la sceneggiatura, forse I dialoghi, forse gli attori che hanno un perfetto tempismo comico. Alcuni film commedia che non hanno avuto alcun successo alla loro uscita nelle sale cinematografiche hanno maturato con il tempo che passa in modi che i loro creatori non avrebbero mai immaginato, fino a diventare dei film classici di tutti i tempi.

🎬 Risate a Stelle e Strisce: La Nuova Commedia Americana

Dimenticate le torte in faccia e la comicità puramente demenziale dei primi anni 2000. La nuova commedia americana sta vivendo una rinascita autoriale: è diventata più intelligente, più cinica e, spesso, capace di mescolare la risata con una profonda satira sociale. Dai road movie esistenziali di Alexander Payne alle satire feroci sul mondo dello spettacolo di American Fiction, questa sezione raccoglie le opere recenti che dimostrano come gli Stati Uniti sappiano ancora ridere di se stessi, ma con una consapevolezza nuova e sferzante.

Anora (2024)

Anora è una giovane sex worker di Brooklyn che crede di aver trovato la favola moderna quando sposa impulsivamente il figlio di un oligarca russo. Ma quando la notizia arriva in Russia, la favola si trasforma in una farsa frenetica e caotica: i genitori del ragazzo inviano i loro scagnozzi a New York per annullare il matrimonio.

Vincitore della Palma d’Oro a Cannes, il film di Sean Baker è una “screwball comedy” moderna ad altissima energia. È una rilettura di Pretty Woman senza il filtro patinato di Hollywood, dove l’umorismo nasce dal caos, dalle incomprensioni linguistiche e dalla disperata vitalità dei personaggi. Divertente, sboccato e infine commovente, è il nuovo gioiello del cinema indipendente americano.

Hit Man – Killer per caso (2024)

Gary Johnson (Glen Powell) è un professore di filosofia mite e un po’ noioso che lavora part-time per la polizia come finto killer. Il suo talento nel travestirsi e nell’adattare la sua personalità ai desideri dei “clienti” lo rende imbattibile. Le cose si complicano quando si innamora di una donna che lo vuole assumere per uccidere il marito violento.

Diretto dal maestro Richard Linklater (Boyhood, La vita è un sogno), Hit Man è una commedia filosofica, sexy e brillante. Gioca intelligentemente sul concetto di identità: siamo chi fingiamo di essere? È un film che scorre leggero ma lascia il segno, mescolando il genere noir con la commedia romantica classica, sostenuto da una chimica esplosiva tra i protagonisti.

The Holdovers – Lezioni di vita (2023)

New England, 1970. Paul Hunham (Paul Giamatti) è un professore di storia antica rigido, pomposo e odiato da tutti. Durante le vacanze di Natale, è costretto a rimanere nel campus per sorvegliare un gruppo di studenti che non hanno un posto dove andare. Finirà per stringere un legame improbabile con Angus, un allievo intelligente ma problematico, e con la capocuoca della scuola che ha appena perso un figlio in Vietnam.

Alexander Payne torna con una commedia agrodolce che sembra un classico perduto degli anni ’70. Non ci sono gag sguaiate, ma un umorismo caldo, cinico e profondamente umano. È un film sulla solitudine condivisa e sulle famiglie che ci scegliamo, scritto con una grazia rara. Giamatti offre una delle performance comiche (e drammatiche) più belle della sua carriera.

American Fiction (2023)

Thelonious “Monk” Ellison è uno scrittore afroamericano frustrato: i suoi libri intellettuali non vendono, mentre il pubblico bianco brama storie piene di stereotipi sui “ghetti neri”. Per scherzo e per rabbia, scrive sotto pseudonimo un romanzo pieno di cliché offensivi e violenti. Con suo orrore, il libro diventa un bestseller immediato e acclamato dalla critica letteraria.

Premiato con l’Oscar per la Miglior Sceneggiatura Non Originale, è una satira pungente e intelligente sull’ipocrisia culturale e sul mercato dell’arte. Il film ride di come i media “bianchi” consumino il trauma nero come intrattenimento, ma riesce anche a essere una toccante commedia familiare. Jeffrey Wright è magistrale nel mantenere una faccia impassibile mentre il mondo intorno a lui impazzisce.

Dream Scenario – Hai mai sognato quest’uomo? (2023)

Paul Matthews (Nicolas Cage) è un anonimo professore universitario che, improvvisamente e senza motivo, inizia ad apparire nei sogni di milioni di sconosciuti in tutto il mondo. Diventa una celebrità virale, amato da tutti. Ma quando le sue apparizioni oniriche passano da innocue a incubi violenti, la fama si trasforma in infamia e Paul diventa l’uomo più odiato del pianeta.

Prodotto da A24, è una “cringe comedy” che scivola nell’horror surreale. È una metafora brillante e spietata della “cancel culture” e della volubilità della fama nell’era dei social media. Nicolas Cage è perfetto nel ruolo di un uomo mediocre travolto da eventi più grandi di lui, offrendo momenti di comicità fisica goffa e disperata che fanno ridere e rabbrividire allo stesso tempo.

2 Sotto zero

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Commedia, di Tim Cash, Stai Uniti, 2019.
Rusty è un poeta che ha venduto tutto quello che possedeva nella sua città, ha comprato una roulotte e si è trasferito in mezzo ad una landa deserta e innevata in un piccolo paesino della provincia americana. Egli in realtà vive una profonda crisi interiore e rifiuta di accettare che Alice sia uscita dalla sua vita, tenendola ancora vicino a sé sotto forma di manichino femminile. Rusty conosce 3 donne che sostano sempre all'ingresso dell'unico negozio della zona: Babs, Fran e Ruth-Ann. Rusty risveglia i loro desideri e ambizioni: una delle donne è anche un'aspirante scrittrice e crede che lo scrittore possa fargli pubblicare il suo primo romanzo. Ma sembra che l'uomo abbia una fidanzata e le 3 donne decidono di indagare, mentre la temperatura scende a '2 sotto zero'.

Una divertente commedia ambientata in mezzo alla neve, con colori sgargianti che bucano continuamente il bianco del paesaggio. Tim Cash racconta in modo comico e grottesco una vicenda in cui, nascosto in profondità, si consuma il dramma dell'abbandono del protagonista Rusty da parte della sua fidanzata Alice. Un modo di raccontare che già avevamo apprezzato in un altro suo film, "The Astronot", il cui finale trasformava improvvisamente una commedia in una tragedia. Ricco di spunti surreali e scene al rallentatore, questo film ribolle di vitalità rock e di una regia capace di valorizzare al massimo tutti gli elementi a disposizione. Un plauso particolare va all'attore e compositore Pennan Brae, perfetto ed empatico nel ruolo di Rusty.

LINGUA: inglese
SOTTOTITOLI: italiano

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🎬 Oltre Hollywood: Altre sfumature di comicità

La commedia americana è un universo vasto, ma la risata non ha confini. Se hai amato questi titoli, ecco altri percorsi per esplorare il lato divertente del cinema, dall’amore romantico all’umorismo più nero e scorretto.

Film Commedia Romantica

Quando la risata incontra il batticuore. Dai classici come Harry, ti presento Sally alle moderne love story, scopri i film che ti faranno innamorare sorridendo, mescolando sentimenti e gag indimenticabili.

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Black Comedy

Se preferisci l’umorismo scorretto, cinico e grottesco, dove si ride delle tragedie e dei tabù. Una selezione perfetta per chi non ha paura di scherzare sulla morte e sulle convenzioni sociali, in puro stile Coen o Tarantino.

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Film Adolescenziali

Il liceo, le feste, i primi amori e i disastri giovanili. Il “Teen Movie” è una colonna portante della commedia americana. Scopri i cult che hanno raccontato l’età più difficile, imbarazzante e divertente della vita.

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Film Azione Commedia

Adrenalina pura e battute fulminanti. Per chi vuole ridere ma non vuole rinunciare alle esplosioni, agli inseguimenti e alle scazzottate, in un mix perfetto di generi.

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Commedia Indie

Lontano dai blockbuster preconfezionati, il cinema indipendente offre le commedie più originali, strane e autentiche. Scopri le perle nascoste nel nostro catalogo che sfidano le regole di Hollywood.

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🎬 Le Radici della Risata: I Classici Intramontabili

Prima dello streaming e delle commedie virali, Hollywood ha insegnato al mondo a ridere. Questa sezione è un viaggio nel tempo attraverso i decenni d’oro della commedia americana: dai dialoghi a raffica della screwball comedy anni ’30 al cinismo brillante di Billy Wilder, fino all’anarchia demenziale degli anni ’80 e alla rivoluzione sentimentale degli anni ’90. Qui troverete i film che hanno scritto le regole del genere, trasformando la risata in un’arte raffinata e immortale.

Safety Last! (1923)

Il comico del cinema muto Harold Lloyd interpreta un simpatico personaggio, un ragazzo della porta accanto, e finisce in un pericolo da far rizzare i capelli. Nel suo film più noto, la sua strategia per convincere un collega atletico a scalare la facciata di una catena di negozi come trovata pubblicitaria si ritorce contro di lui, quindi Harold si occupa personalmente della pericolosa scalata. Incontra fastidiosi piccioni e un quadrante scomodo in un set strepitoso e meravigliosamente costruito, la cui prospettiva produce brividi da capogiro. 

La corsa all’oro (1925)

Il piccolo vagabondo di Charlie Chaplin si ritrova a intraprendere la corsa all’oro dell’Alaska in questo famoso film, la cui innovazione surreale, come vederlo mangiare gli stivali per la fame, è entrata nella storia del cinema.  Anche le parti romantiche e il suo innamoramento per una showgirl continuano a funzionare bene, mettendo in mostra l’eleganza di questo film di Chaplin.  Un film fantastico, da vedere soprattutto nella prima versione muta.

Come vinsi la guerra

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Commedia, di Buster Keaton, Stati Uniti, 1926.
Quando il progettista dei treni della Western & Atlantic Railroad, Johnnie Gray, arriva a Marietta, in Georgia, visita la casa di Annabelle Lee, uno dei due amori della sua vita. L'altro è la locomotiva chiamata "Il generale". La guerra civile americana è scoppiata, e il fratello di Annabelle e il papà sono entusiasti di arruolarsi nell'esercito. Per compiacere Annabelle, Johnnie si affretta ad arruolarsi, ma viene rifiutato. Annabelle dice a Johnnie che non gli parlerà più fino a quando non lo vedrà in uniforme. Passa un anno e Annabelle viene a sapere che suo padre è stato ferito. Fa un viaggio a nord per vederlo, con la locomotiva "Il generale". I viaggiatori e il personale di servizio si allontanano per pranzare quando il treno si ferma e le spie dell'Unione sfruttano l'occasione per rubare il treno.

Il film di Buster Keaton è stato ispirato da Great Locomotive Chase, un racconto di una storia realmente accaduta durante la guerra civile americana. Al momento della sua prima uscita non è stata ben accolto dal pubblico e ampiamente stroncato dai critici cinematografici, con rendimenti scarsi al botteghino. A causa del suo enorme piano di budget di $ 750.000 e non riuscendo ad avere un guadagno, Keaton ha perso la sua autosufficienza come regista ed ha dovuto iniziare a lavorare alle dipendenza degli grandi Studios. Come vinsi la guerra è stato rivalutato nel tempo, ed è attualmente inserito tra i migliori film mai realizzati. Nel 1963, Keaton dichiarò: "Ero molto più felice di quel film di qualsiasi altro che avessi fatto prima". Come vinsi la guerra è uno delle commedie più iconiche mai realizzate, con la sua fotografia di toni grigi, il suo occhio per le linee audaci della locomotiva, la sua meravigliosa continuità di azione. Un'opera d'arte comica da non perdere.

LINGUA: inglese
SOTTOTITOLI: italiano

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I figli del deserto (1933)

L’eccentrico uomo-bambino Stan Laurel e il poliziotto Oliver Hardy fanno il doppio atto comico più adorato dello schermo e si pensa che questi siano i loro 68 minuti più belli. I due fuggono dalle mogli e tutto va terribilmente male innescando un’intera serie di gag squisitamente cronometrate mentre i due sfortunati finiscono per nascondersi nella loro soffitta. Breve, delizioso e tagliente.

La guerra lampo dei Fratelli Marx (1933)

Cosa dire quando un film si sta avvicinando al suo secolo iniziale ma si sente ancora così pertinente e sovversivo come lo era al momento dell’uscita? Film perfetto dei fratelli Marx, Duck Soup li porta fuori dal loro ambiente da music hall di New York, in una specie di mini memoria di immigrati infiltrata da Mittel-Europa contorta e fiabe, dove la battaglia si sta preparando tra la gente felice di Freedonia e i criptofascisti della vicina Sylvania. Con un tocco molto più leggero del Grande dittatore di Chaplin, il film prende in giro non solo il fascismo, ma il patriottismo e la politica nel suo insieme: questa è una satira tagliente e profonda in ogni scena.

Una notte all’opera (1935)

I fratelli Marx al loro apogeo anarchico, una dissezione di mocciosi, jazz-età, burloni dell’alta società che contenevano le loro gag comiche più indimenticabili. La storia, in cui Groucho deve aiutare una compagnia d’opera in lotta, mette in scena giochi di parole, imbrogli e scioglilingua. Chico fa battute all’italiana, mentre le energiche prodezze slapstick di Harpo stupiscono costantemente. 

Way Out West (1936)

Il racconto di frontiera di Laurel e Hardy è il film che raggiunge il loro meglio in assoluto. Avendo escogitato di consegnare un atto di una casa a un proprietario di un bar, i loro sforzi per fare ammenda coinvolgono un asino in volo, uno sfortunato pianoforte e molte risate.  Tutto questo oltre a numerosi brani musicali d’altri tempi assolutamente affascinanti (“Trail of the Lonesome Pine“) e la gag unica di Ollie che usa il pollice come accendino. Capolavoro.

Festival in Cannes

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Commedia sentimentale, di Henry Jaglom, Stati Uniti, 2001.
Cannes, 1999 . Alice, un'attrice, vuole dirigere un film indipendente, ed è in cerca di finanziatori. Conosce Kaz, un affarista chiacchierone, che le promette 3 milioni di dollari se userà Millie, una star francese che ha oltrepassato la sua giovinezza e non trova più ruoli interessanti. Alice racconta la storia del film a Millie e l'attrice si innamora del progetto. Ma Rick, un importante produttore che lavora per un grande Studio di Hollywood, ha bisogno di Millie per una piccola parte in un film che deve girare in autunno, altrimenti perderà la sua star, Tom Hanks. Kaz è un vero produttore o è un ciarlatano? Rick in realtà non è più ricco come in passato e deve assolutamente convincere Alice a rinunciare a Millie per concludere l'affare del grosso progetto con Tom Hanks. Millie è indecisa su cosa scegliere: un film indipendente che ama ma senza grossi guadagni o una piccola parte nel film hollywoodiano pagata molto bene? Intanto una giovane attrice di nome Blue diventa la star del festival e Kaz scopre un nuovo amore. La ruota della vita, e dello show business, gira, tra sentimenti, bilanci esistenziali e affari cinematografici. Un film girato con grande libertà stilistica, come un documentario, durante l'edizione del festival del 1999, che si concentra sulle performance degli attori con un metodo di improvvisazione spontaneo e fluido, ispirato dal cinema di Cassavetes. Una commedia sentimentale leggera e commuovente, dove i conflitti e le fragilità delle star dello show business emergono progressivamente, portando a galla i temi importanti della vita.

Spunto di riflessione
Lavorare come ingranaggio di un sistema o per la propria visione? Dipendenza o indipendenza? Entrambe non sono completamente reali: la realtà che accade ovunque, in qualsiasi settore, in qualsiasi evento naturale, è l'interdipendenza. Noi tutti siamo assolutamente interdipendenti, non solo tra uomini, non solo tra nazioni, ma tra alberi e esseri umani, tra animali e alberi, tra uccelli e sole, tra luna e oceani, tutto è intrecciato con ogni altra cosa. L'umanità del passato non ha compreso questa legge fondamentale, ed ha creato grossi problemi.

LINGUA: inglese
SOTTOTITOLI: italiano

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Il grande dittatore (1940)

Il coraggioso film di Charlie Chaplin del 1940 lo vede fare una parodia di Adolf Hitler come il despota immaginario Adenoid Hynckel. La famosa scena in cui balla con un enorme globo è una gag formidabile sull’ostentazione della megalomania, anche se c’è anche un istinto omicida nel comportamento di Hynkel, e il discorso preveggente di “campo di prigionia”.  In generale, è più un film sul potere che una semplice commedia, considerando che la sottotrama con Chaplin che interpreta un tenace barbiere non fa affatto ridere.

I dimenticati (1941)

Sullivan’s Travels è forse meglio conosciuto oggi come il film che ha ispirato i fratelli Coen di Fratello, dove sei?, tuttavia questa commedia americana d’essai sul significato della vita merita molto di più.  Allo stesso tempo spiritosa, pazza, intelligente e senza scrupoli, fu diretta dal regista Preston Sturges all’apice assoluto del suo talento, È un film hollywoodiano estremamente divertente, ma anche un’analisi tagliente e politica del perché la commedia è importante.  Un’opera geniale, semplice quanto diretta. 

Il cielo può attendere (1943)

Un ritratto satirico di un donnaiolo che rovina l’eccellente storia d’amore che ha davanti a lui, questa delizia in Technicolor del favoloso Ernst Lubitsch include la visualizzazione più elegante dell’inferno: tutte le colonne di marmo e anche i pavimenti lucidi, supervisionati dall’affabile Satana di Laird Cregar, che decide se Don Ameche deve andare ‘sotto’ o ‘sopra.  Una ironica riflessione sulla debolezza maschile.

A qualcuno piace caldo (1959)

Jack Lemmon e Tony Curtis sono famosi nei panni di Jerry e Joe, due artisti che sono costretti a decollare da Chicago dopo aver vissuto il massacro di San Valentino del 1929 e si mimetizzano come membri donne di una band che fa un viaggio in Florida. Joe soccombe alla seducente cantante della band, Sugar (Marilyn Monroe), mentre Jerry deve evitare le attenzioni lussuriose di un vecchio ricco. Billy Wilder offre una farsa pacata e vivace, carica di trucchi e travestimento.

Il Monello

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Di Charlie Chaplin, Commedia, Stati Uniti, 1921.
Charlie Chaplin scrive, produce in maniera indipendente, dirige e interpreta il suo primo lungometraggio, capolavoro della storia del cinema che dopo un secolo conserva perfettamente intatto il suo fascino. Una donna povera abbandona il figlio in un'auto lussuosa sperando che il ricco proprietario si prenda cura del bambino. Ma a trovarlo sarà il vagabondo Charlot. Rimasterizzato in alta definizione.

LINGUA: inglese
SOTTOTITOLI: italiano

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La pantera rosa (1963)

Il primo di una raccolta di 5 film sui goffi imbrogli del pasticcione investigatore pseudo-francese di Peter Sellers, l’ispettore capo Clouseau, The Pink Panther è anche uno dei più misurati, raffinati e languidi della serie. Sebbene molto divertente, il personaggio di Sellers è venuto alla ribalta solo dal secondo film, A Shot in the Dark, in poi.

Il mio amico il diavolo (1967)

Il remake con Brendan Fraser e Liz Hurley era deludente. L’iniziale Bedazzled è un classico pezzo della commedia cinematografica e anche il miglior film sul grande schermo di Dud. Dudley Moore è un cuoco triste che va in cerca di una cameriera (Eleanor Bron), mentre Peter Cook interpreta il diavolo. Quella che segue è una raccolta faustiana di gag – alcune divertenti, altre sgargianti, altre un po’ invecchiate – che offrono molte opportunità per le caratteristiche interpretazioni del duo.

La strana coppia (1968)

L’impenitente Oscar (Walter Matthau) e il nevrotico ossessionato delle pulizie Felix (Jack Lemmon) interpretano due vecchi amici spinti da difficoltà di relazione coniugale a condividere un appartamento di Manhattan. Questa versione cinematografica mette in scena il successo di Broadway di Neil Simon. La qualità teatrale consente agli attori di giocare con i loro diversi temperamenti, scatenando un’esasperazione di amore-odio sostenuta da una relazione che dura tutta la vita. È così divertente perché è così credibile: ogni persona conosce un Oscar così come un Felix.

Prendi i soldi e scappa (1969)

E’ un film del 1969 scritto, diretto e interpretato da Woody Allen. È una commedia surreale che segue la vita di Virgil Starkwell, un criminale goffo e maldestro che cerca inutilmente di compiere rapine. Il film utilizza un narratore onnisciente per prendere in giro la vita di Virgil e i suoi fallimenti, ed è noto per l’umorismo visivo e il carattere sperimentale della narrazione. Prendi i soldi e scappa” è considerato uno dei primi film di successo di Allen e ha avuto un impatto duraturo sulla cultura popolare.

La trama segue la vita di Virgil Starkwell, interpretato da Woody Allen, dall’infanzia alla maturità, concentrandosi sulla sua carriera criminale. Virgil è un ladruncolo goffo e maldestro che cerca di compiere rapine in banca e in altri luoghi, ma viene sempre catturato dalle autorità. Nonostante sia un criminale, Virgil è rappresentato come un personaggio comico e sfortunato, le cui azioni portano sempre a conseguenze imprevedibili e divertenti. Durante il film, il personaggio si sposa due volte, entra e esce di prigione, e si trova coinvolto in situazioni sempre più assurde. La narrazione è sostenuta da un narratore onnisciente che commenta e ironizza sulla vita di Virgil, e il film presenta anche alcuni elementi sperimentali, come l’uso di schermate a quadri bianchi e neri per rappresentare le azioni del personaggio.

Inseguendo le farfalle

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Commedia, romantico, di Rod Bingaman, Stati Uniti, 2009.
Nina fugge di casa qualche ora prima del suo matrimonio. Per non rimandare la cerimonia nuziale sua madre finge di essere Nina e sposa il suo fidanzato. Subito dopo iniziano le loro ricerche per trovare Nina e riportarla indietro: lo sposo di Nina è convinto che lei non lo ama più. Un ragazzino nerd di quindici anni incontra Nina per strada e tenta di fare colpo su di lei con la Corvette di suo padre che ha preso di nascosto, senza avere la patente. Nel frattempo una giovane donna ribelle ed il suo fidanzato evaso dal carcere incontrano il ragazzino e gli rubano la Corvette, seminando il panico con una serie di furti mentre si dirigono verso il Canada, in cerca di una vita migliore e di soldi per concretizzare il loro sogno d'amore. Intanto Nina incontra su un autobus un uomo in fuga da un matrimonio fallito: un famoso speaker radiofonico locale che è stato abbandonato dalla moglie. Ma l'autobus sarà il bersaglio di una rapina della coppia di fidanzati "Natural Born Killers".

Inseguendo le farfalle è una commedia romantica piena di azione popolata da personaggi destinati ad incrociare le loro strade. L'amore dà loro energia o li spaventa, tutti sono in fuga in cerca di una vita migliore o perché non sanno affrontare le responsabilità. Tutti si rifiutano di restare imprigionati nelle convenzioni sociali anche quando sono loro stessi che le hanno cercate, anche quando la convenzione sociale è quella di un matrimonio con un uomo che ami ancora. Un on the road disseminato di situazioni grottesche e di dialoghi esilaranti, spesso in slang americano, realizzato in maniera indipendente, con un cast molto interessante.

LINGUA: inglese
SOTTOTITOLI: italiano

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Il dittatore dello stato libero di Bananas – (1971)

“Bananas” è un film del 1971 scritto, diretto e interpretato da Woody Allen. È una commedia satirica che segue le avventure di un uomo insicuro di nome Fielding Mellish, interpretato da Allen, che si unisce alla rivoluzione in una piccola repubblica immaginaria dell’America Latina. Il film è noto per il suo umorismo eccentrico, i suoi colpi di scena e il suo stile comico surreale, caratteristico della filmografia di Allen.

La trama di “Bananas” segue le vicende di Fielding Mellish (interpretato da Woody Allen), un nevrotico produttore di documentari che cerca di conquistare il cuore della sua amata Nancy (Louise Lasser), attivista politica che si impegna per la causa dei poveri e degli oppressi. Dopo che Nancy lo lascia, Fielding si ritrova a sperimentare una crisi esistenziale e decide di viaggiare in una piccola repubblica immaginaria dell’America Latina. Lì, incontra un gruppo di ribelli che cercano di rovesciare il regime al potere e finisce per diventare il loro leader.

In seguito, la situazione politica nel paese diventa sempre più caotica e surreale, con Fielding che si trova coinvolto in una serie di situazioni comiche e assurde, come una partita di pallacanestro con regole stravaganti, un processo farsesco in cui viene accusato di tradimento e un colpo di stato che lo rende il nuovo dittatore del paese. Insieme a questa trama principale, il film presenta anche una serie di scene e gag umoristiche che satirizzano vari aspetti della società americana e della politica internazionale, mantenendo sempre uno stile comico surreale e paradossale.

Harold e Maude (1971)

Harold e Maude, un film sul destino e l’olocausto, è davvero una commedia?  Eppure, se non è una commedia, cos’è?  In questo, certo, sta la sua genialità: non è altro che reale. Fallimento al momento del rilascio iniziale, dimenticato per decenni e poi scoperto con piacere, Harold e Maude sono ora saldamente affermati come uno dei film cult di tutti i tempi. La trama non è convenzionale per una commedia: la vicenda di un ragazzo adolescente e un sopravvissuto di 79 anni in un campo di concentramento. Eppure i temi della scoperta di sé e dell’amore universale parlano a tutti noi.

Il rompicuori (1972)

La pioniera dell’improvvisazione Elaine May ha completamente cambiato la commedia con la sua collaborazione artistica con Mike Nichols.  In un mondo giusto, il suo Heartbreak Kid sarebbe sicuramente il suo biglietto da visita: una commedia nata dalla penna di Neil Simon che include una dei ruoli più difficili della carriera di Charles Grodin. In un capolavoro di sgradevole tensione, Grodin interpreta un venditore che inaspettatamente, come in viaggio verso la luna di miele, sa che la sua nuova sposa è la peggiore in assoluto, dopo che soccombe a un altro corteggiatore mentre il suo incauto compagno guarisce da una scottatura solare. Grodin e Shepherd fanno meraviglie nel rendere credibili i loro personaggi. Un classico della commedia americana poco conosciuto.

Frankenstein Junior (1974 )

La commedia raffinata e ricca di umorismo di Mel Brooks prospera in quanto esilarante parodia, proprio perché funge anche da sincera dichiarazione d’amore verso i leggendari film di Frankenstein degli anni ’30. Brooks riesce a mantenere un equilibrio perfetto tra parodia e omaggio, aumentando il coinvolgimento del pubblico attraverso riferimenti intelligenti e dettagli ben curati che evocano l’essenza dei capolavori originali. Il nipote del vecchio barone, interpretato magistralmente da Gene Wilder, si lancia in un ambizioso esperimento per riportare in vita una creatura dai tratti mostruosi. Brooks spinge la storia verso vette di comicità delirante e giochi visivi, culminando in un momento emblematico in cui Wilder, in un elegante smoking, si cimenta in un sorprendente e dinamico duo di canti e balli per dimostrare in maniera spettacolare che la sua creatura, interpretata brillantemente da Peter Boyle, è davvero un’opera creata da mani umane. Questo film, fonte d’ispirazione, ha dato origine a un’intera generazione di imitazioni che hanno cercato di emulare quel mix unico di comicità e affetto per i film classici.

La signora del venerdì

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Commedia, di Howard Hawks, Stati Uniti, 1940.
Walter, cerca di scombinare i piani di cambiare vita ed abbandonare il giornalismo della sua ex moglie, Hildy, per occuparsi di un ultimo scoop: la futura esecuzione di Earl Williams, un contabile ritenuto colpevole di aver ucciso un poliziotto afroamericano. Nonostante Hildy abbia affermato che lei e Bruce, il suo futuro marito, prenderanno sicuramente un treno serale per Albany per sposarsi l'indomani, Walter tenta di convincerla che è l'unica in grado di scrivere una storia per salvare Williams, ingiustamente condannato. Nel frattempo, Hildy corrompe il direttore della prigione per farle incontrare Williams in cella. Walter fa tutto il possibile per impedire a Hildy di andarsene, facendo accusare Bruce per un furto di un orologio. Esasperata, Hildy annuncia il suo ritiro dalla redazione; tuttavia il richiamo di una grande storia da raccontare la trattiene. Walter fa incolpare Bruce ancora una volta, e viene di nuovo mandato in prigione. Hildy capisce che dietro gli imbrogli c'è Walter. Williams arriva nella redazione del giornale puntando un'arma contro Hildy.

La sceneggiatura è stata scritta da Charles Lederer e Ben Hecht, non accreditato. Il principale cambiamento in questa versione, introdotto da Hawks, è che la protagonista è una donna. Le riprese iniziarono nel settembre 1939 e si conclusero a novembre, sette giorni in ritardo. La produzione è finita in ritardo perché il metodo di improvvisazione della recitazione e le numerose scene corali hanno richiesto molte riprese. Hawks ha incoraggiato i suoi attori a essere aggressivi e spontanei. Il film è stato un grande successo per i repentini colpi di scena ed i dialoghi rapidi. Hawks era determinato a battere il record per i dialoghi più veloci. Ha usato un mixer del suono sul set per aumentare la velocità. La signora del venerdì è il numero 19 nella classifica delle migliori commedie di tutti i tempi dell'American Film Institute ed è stato selezionato nel 1993 per la conservazione nella Biblioteca del Congresso degli Stati Uniti come "culturalmente, storicamente o esteticamente significativo".

LINGUA: italiano

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La Pantera Rosa colpisce ancora (1975)

Undici anni dopo l’uscita di “A Shot in the Dark”, Blake Edwards e Peter Sellers decisero di tornare sui loro passi e infondere nuova vita al rinomato franchise di Clouseau. L’attore Christopher Plummer fu scelto per vestire i panni del capace ladro di gioielli Sir Charles, portando un tocco di eleganza al personaggio, mentre Catherine Schell si dedicò con grande impegno nel mantenere intatta la sua reputazione di donna rispettabile ed onorata, creando una sottile tensione tra apparenza e realtà. Il commediante Herbert Lom, noto per la sua capacità di esprimere un nervosismo inimitabile, unì le forze con il fedele maggiordomo ninja Burt Kwouk; insieme sperimentarono interpretazioni esagerate che sfociavano in movimenti delle mani volutamente eccessivi, conferendo alle loro esibizioni un irresistibile tocco comico che catturò il pubblico. Ciononostante, le ineguagliabili e raffinate inflessioni francesi di Sellers rimasero un marchio distintivo della serie, continuando a ricevere apprezzamenti ferventi per la loro eleganza e humor distintivo, che avevano reso celebre il personaggio e affascinato gli spettatori di tutto il mondo.

Nuts In May (1976)

Tra tutte le opere cinematografiche che Mike Leigh ha creato per la televisione negli anni ’70, questa commedia che ritrae due londinesi della classe media, auto-proclamati “amici dell’ambiente”, spicca come un’opera altrettanto ben realizzata rispetto al più noto Abigail’s Party. Ambientata in un campeggio nel pittoresco Dorset, la trama segue le avventure di Keith (interpretato da Roger Sloman) e Candice Marie (interpretata da Alison Steadman), che viaggiano in campagna con una prospettiva ecologica critica e qualche pregiudizio urbano. Keith, personaggio facilmente irritabile, manifesta il suo disappunto per qualsiasi cosa che non si allinei con il suo stile di vita ideale, come le uova che non sono fresche di giornata, mentre la sua consorte, Candice Marie, dimostra di avere più carattere e determinazione di quanto appaia a prima vista. Tra momenti di comicità e introspezione, la coppia impara presto che l’armonia con la natura e con le persone che incontrano lungo il cammino non è facile da mantenere. La narrazione, con dialoghi intelligenti e un sapiente uso dell’umorismo, evidenzia il divario tra l’ideologia ambientalista e la realtà delle azioni quotidiane, offrendo al pubblico non solo intrattenimento, ma anche uno spunto di riflessione sulle proprie convinzioni e comportamenti.

Colpo secco (1977)

Paul Newman trova successo in uno dei compiti probabilmente meno eroici e meno gratificanti della sua carriera: il ruolo di ex giocatore-allenatore di una squadra di hockey su ghiaccio di una lega minore, costantemente in bilico per il licenziamento. Sebbene il film di George Roy Hill, quando uscì, fosse stato criticato per il suo linguaggio schietto, è riuscito a sviluppare un ampio seguito di culto. Oggi, viene considerato non solo come un classico film sportivo, ma anche come un ritratto incisivo della mascolinità in una società americana in declino, offrendo uno sguardo dettagliato e critico su come gli elementi della cultura sportiva riflettano le tendenze sociali dell’epoca.

National Lampoon’s Animal House (1978)

Il progetto National Burlesque, un vivace e turbolento gruppo di playboy, giovanotti e spiriti ribelli, si trova in una situazione critica poiché rischiano seriamente di essere espulsi dal severo preside della loro università. Se ti sembra di aver già sentito una storia simile, potrebbe essere perché ha avuto una grande influenza su un’intera generazione di film incentrati su ambientazioni accademiche. È paragonabile a pellicole come American Pie e fino alle commedie più recenti come Bad Neighbours con Zac Efron. Tuttavia, nessun altro film riesce a catturare la stessa coinvolgente energia o il coraggio sfacciato che gli attori del cast originale, su tutti un iconico John Belushi, riescono a trasmettere con tanta vividezza e passione.

The Astronot

Ora disponibile

Commedia, dramma, di Tim Cash, Stati Uniti, 2018.
Daniel McKovsky è un'anima perduta che vaga per l'universo. Da solo per 30 anni passa le notti a fissare il cielo con un telescopio di ottone come unico compagno. Mentre guarda verso l'alto, la sua mente torna a quel giorno in cui da ragazzo suo padre non tornò dalla seconda guerra mondiale. Avendo già perso sua madre durante il parto, questo secondo colpo manda Daniel lungo un oscuro sentiero di isolamento nelle profondità dei boschi dell'Oregon centrale. Mentre fissa la luna negli anni '50 e '60, Daniel sogna di diventare un astronauta. L'ironia però è che raramente si avventura lontano da ciò che lo circonda. L'unica scintilla nella sua vita in quel momento è la corsa allo spazio tra gli Stati Uniti e l'Unione Sovietica per diventare la prima nazione a raggiungere la luna. Nel 1969 una giovane impiegata delle poste di nome Sandy cammina lungo il suo vialetto con un pacco per lui. E' l'antitesi di Daniel; estroversa e vivace rispetto alla sua natura tranquilla e riservata.

The Astronot è la singolare storia di un personaggio ingenuo e puro che ricorda per certi aspetti il celebre Forrest Gump, ma al contrario di lui è destinato ad essere sempre tra i perdenti. Dall'infanzia all'età adulta Daniel non perde mai l'entusiasmo per la vita, anche se deve accontentarsi solo di raccattare oggetti metallici in una landa desolata e vive completamente solo dopo aver perso entrambe i genitori. The Astronot è una commedia romantica con un'estetica vintage, ambientata in una remota zona rurale degli Stati Uniti. Nonostante il tono divertente però gli eventi della vita hanno un impatto drammatico nella vita di Daniel, quasi come una maledizione, un tradimento continuo dell'esistenza che si prende gioco di un anima fragile. Un personaggio buffo che vive situazioni tragiche e crea una forte empatia con lo spettatore del film.

LINGUA: inglese
SOTTOTITOLI: italiano

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The Blues Brothers (1980)

Il dibattito attorno al film The Blues Brothers si è rivelato inebriante e complesso fin dal suo lancio. Questo progetto cinematografico rappresenta un esempio di come due uomini bianchi abbiano potenzialmente distorto il nucleo essenziale della musica spirituale e blues, un genere profondamente radicato nella tradizione afroamericana? Oppure, al contrario, potremmo considerarlo come un omaggio affettuoso e autentico verso uno dei più grandi generi della cultura musicale americana? La verità risiede probabilmente in una fusione di entrambe le interpretazioni. Tuttavia, fortunatamente, ci troviamo di fronte a una narrazione dal ritmo impeccabile, accompagnata da una sceneggiatura incisiva e un sorprendente spettacolo di automobili che intrattiene lo spettatore ogni qual volta che Belushi e le eccentricità di Aykroyd eccedono nel loro entusiasmo. Naturalmente, il nucleo vitale del film rimane imperniato sulla sua straordinaria colonna sonora: artisti iconici come Cab Calloway, Ray Charles e James Brown contribuiscono a dare vita a questo capolavoro musicale. Tuttavia, è l’interpretazione di \”Respect\” da parte di Aretha Franklin che finisce per scuoterti e farti vibrare sulla poltrona, suscitando emozioni profonde.

Re per una notte (1982)

Martin Scorsese non è noto per avere una vena comica particolarmente spiccata, ma ha dimostrato di sapere come far ridere il suo pubblico con il successo del 2013, The Wolf of Wall Street, che si è rivelato uno dei film più esilaranti di quell’anno. Tuttavia, già nel 1982, poco dopo aver diretto Toro Scatenato, Scorsese aveva esplorato il genere con un’opera che trabocca di battute e momenti comici. In quel film, Robert De Niro interpreta Rupert Pupkin, un sociopatico privo di talento ma fermamente convinto di poter diventare una celebrità nel mondo della comicità. La sua folle determinazione lo porta a compiere l’atto disperato di rapire un famoso conduttore televisivo, un ruolo interpretato magistralmente da Jerry Lewis. Questo film è di grande rilevanza e offre molteplici chiavi di lettura: si presenta come una commedia, suscitando risate, ma in realtà cela anche un aspetto profondamente inquietante. Scorsese, attraverso questa storia, riesce a sviluppare una critica incisiva sulla celebrità e sull’ossessione per la fama, mantenendo il pubblico intrappolato tra il riso e il disagio. La pellicola riesce a bilanciare perfettamente il confine tra il divertente e il disturbante, mostrando come il desiderio di successo possa spingere le persone oltre i limiti della razionalità.

Tootsie (1982)

Naturalmente, questo film vede la partecipazione di Dustin Hoffman nel ruolo principale. Tuttavia, è Bill Murray che si imprime indelebilmente nella memoria degli spettatori: egli diventa infatti la fonte di gran parte delle fragorose risate che il film suscita, rappresentando inoltre una componente significativa della sua essenza. L’idea centrale, ovvero quella di un individuo che si traveste da donna per garantirsi un’opportunità lavorativa migliore, può apparire inquietante e la sua concezione del femminismo risulta decisamente sorpassata secondo gli standard odierni. Le prestazioni degli attori sono realmente straordinarie, lo script mantiene una brillantezza intatta nel tempo e la regia essenziale di Sydney Pollack, tipica degli anni ’80, continua a esercitare un fascino irresistibile.

Local Hero (1983)

Peter Riegert, un attore considerato “comico” e spesso sottovalutato (vedi esempi come The Mask e Animal House), interpreta il ruolo di un avvocato che viene mandato in un pittoresco e tranquillo villaggio di pescatori scozzese da una potente compagnia petrolifera americana. L’obiettivo è quello di conquistare questo piccolo angolo di mondo. Tuttavia, una volta arrivato, il protagonista finisce per innamorarsi del fascino e della semplicità del luogo. La trama prende vita attraverso la storia di un semplice uomo che tenta di resistere all’enorme potere di un colosso del business. Qui, l’enorme influenza della compagnia petrolifera è rappresentata dal magnate del petrolio interpretato da Burt Lancaster. Questo conflitto di interessi e valori contrapposti cattura e coinvolge il pubblico. Esiste una parte di noi che si interroga: forse c’è davvero qualcosa di più nella vita oltre la continua corsa al denaro e al successo? Una riflessione che continua a risuonare nonostante il contesto leggero e umano della trama.

Un secchio di sangue

Ora disponibile

Commedia, Crimine, di Roger Corman, Stati Uniti, 1959.
Prodotto con un budget di $ 50.000, è stato girato in cinque giorni dal re del B movie a basso costo Roger Corman. Una notte, dopo aver ascoltato le parole di Maxwell H. Brock, un poeta che si esibisce al caffè The Yellow Door, l'ottuso cameriere Walter Paisley torna a casa per tentare di creare una scultura del volto della padrona di casa Carla, ma uccide accidentalmente il gatto della donna. Invece di dare all'animale una degna sepoltura, Walter copre il gatto con l'argilla, lasciando il coltello conficcato al suo interno. La mattina dopo Walter mostra il gatto a Carla e al suo capo Leonard. Carla è entusiasta dell'opera e convince Leonard ad esporlo nel suo bar. Walter riceve elogi da Will e dagli altri beatnik nel caffè.

Spunto di riflessione
L'arte uccide e consegna all'immortalità la vita reale. Cosa sono i personaggi di un film, di un quadro o di una scultura se non cristallizzazioni non umane, teoremi e rappresentazioni di persone che abbiamo visto, sentito, sognato, conosciuto nella vita reale?

LINGUA: inglese
SOTTOTITOLI: italiano

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Broadway Danny Rose (1984)

Broadway Danny Rose è un film del 1984 diretto da Woody Allen, che narra la storia di un manager di artisti di scarso successo, Danny Rose, interpretato da Allen stesso, che si ritrova coinvolto in una serie di disavventure con i suoi clienti e con la sua ex fidanzata. Il film è una commedia dal tono leggero, ambientata nel mondo del vaudeville e del cabaret newyorkese degli anni ’50. Broadway Danny Rose è stato molto apprezzato dalla critica per la sua ironia, la capacità di cogliere il lato comico delle situazioni più drammatiche e l’interpretazione di Woody Allen.

Woody Allen si preoccupa sia di seppellire che di lodare il suo eroe Danny Rose in questo ritratto lirico della Great White Way. Un ottimista perspicace e anche un sognatore permanente, l’ingenuo rappresentante teatrale Danny stravede per la sua triste scuderia, xilofonisti ciechi, ballerini professionisti di tip tap, pinguini pattinatori sul ghiaccio vestiti, normalmente, da rabbini chassidici. Eppure è così chiaro a tutti gli altri che un’età sta passando rapidamente. Sebbene sia certamente un semplice personaggio comico, Allen gli dà uno sguardo compassionevole, afflitto dal dolore e affettuoso.

Pee-wee’s Big Adventure (1985)

Il primo film di Tim Burton potrebbe essere solo la prova che il regista sta molto meglio con piani a budget ridotto, purché abbia un forte collaboratore. A partire da una famosa colonna sonora di Danny Elfman il racconto culmina con una satira di spionaggio. Pee-Wee è un tradizionale film on the road in cui un bambino iperattivo diventa  un profeta quasi mistico lungo la strada che illumina la vita di vagabondi e anime ribelli mentre cerca una bicicletta perduta. Lo stile caratteristico di Burton è ovunque in questo film.  È la mania finemente calibrata di Paul Reubens che rende il film vitale al momento come lo era quando ha lanciato le carriere dei suoi creatori: il comico cattura l’essenza della giovinezza deliziando una risata alla volta.

I tre amigos! (1986)

Questa commedia hollywoodiana, caratterizzata da un umorismo demenziale, narra le vicende di tre star del cinema muto ormai sul viale del tramonto. Per rilanciare la loro carriera vacillante, decidono di accettare un invito in Messico, dove sono chiamati a partecipare alla festa di compleanno di un potente signore della guerra. Tuttavia, ciò che inizia come un semplice incarico si trasforma rapidamente in un’avventura rocambolesca. In un bizzarro giro di eventi, i tre attori si trovano a diventare i leader inaspettati di una rivolta contadina, cercando di liberare un villaggio oppresso. Nonostante la trama sia ammantata di assurdità, con battute che traggono il loro effetto comico da accenti esagerati, asinelli dalle trovate imprevedibili e la comicità slapstick di Martin che esegue cadute spettacolari, uno degli elementi che spiccano è l’energica e spassosa interpretazione di Alfonso Arau nel ruolo del crudele El Guapo, che aggiunge un inaspettato livello di forza alla narrazione. Anche la breve, ma memorabile apparizione di Randy Newman, nella sua interpretazione sopra le righe, contribuisce a enfatizzare l’aspetto ironico e sorprendente della trama, andando oltre le aspettative di una commedia tradizionale.

Arizona Junior (1987)

I fratelli Coen hanno fatto un’inversione completa di 180 gradi dopo l’anarchico film noir di Blood Simple per realizzare forse la loro commedia più folle, piena di personaggi concepiti in modo selvaggio, discussioni scioglilingua e un’enorme quantità di cuore. Certo, Raising Arizona ha a che fare con una coppia – una maniaca Holly Hunter e un sottomesso Nicolas Cage – che rubano un bambino a un milionario e un motociclista forgiato nel fuoco dell’inferno nello stesso deserto dell’Arizona pieno di teppisti. Questo è un film dei fratelli Coen. Ma è anche la loro follia più dolce, supportata da una serie di interpretazioni profondamente sentite.

Fusi di testa (1992)

Un film che narra dettagliatamente la crescente sensazione di smarrimento e mancanza di uno scopo preciso tipica dell’era grunge: in un periodo in cui molti giovani cercavano il loro posto nel mondo, Wayne’s World emerge come un ritratto surreale e incredibilmente assurdo della vita quotidiana, un racconto spontaneo e genuino che possiede una straordinaria profondità d’animo. Questa pellicola ha saputo resistere nel tempo, conservando la propria rilevanza ben oltre il ciclo vitale della maggior parte delle opere cinematografiche incentrate sugli adolescenti dei primi anni ’90. Senza ombra di dubbio, senza l’esistenza di un caposaldo come Wayne’s World, non avremmo potuto vedere nascere successivi cult movie come A Night at the Roxbury o It’s Pat, che devono la loro esistenza almeno in parte all’eredità lasciata da questo film iconico.

Ragazze a Beverly Hills (1995)

Basato su Emma di Jane Austen, Clueless racconta di Cher Horowitz (Alicia Silverstone), una giovane adulta ossessionata dall’acquisto e dall’abbigliamento, mentre guida Tai (Brittnay Murphy) attraverso la scuola secondaria.  È molto più di un film per adolescenti, tuttavia: per un film che ha praticamente 30 anni, Clueless ha ancora una grande influenza sociale, che si tratti di video musicali o tendenze di moda. Principalmente, però, è l’eccezionale interpretazione di Silverstone che conferisce a questo film tanto fascino e arguzia.

Sognando Broadway (1996)

Come Nigel Tufnel, Christopher Guest ha fatto parte del successo senza tempo di This Is Spinal Tap. Ma allo stesso modo ha ottenuto la regia, dirigendo capolavori dell’improvvisazione situazionale come Best in Show, For Your Consideration e questo film. Il fantastico cast interpreta un gruppo di attori amatoriali che ripone le loro speranze su una recensione da parte di un grande critico, anche se quello che farà del concorso “Red, White and also Blaine” è purtroppo chiaro a tutti gli altri.  Tipicamente scomodo, spesso divertente, è un tributo all’aspirazione autoillusoria.

Kingpin (1996)

Kingpin vede i fratelli Farrelly immergersi profondamente in un mondo mistico e surreale della commedia, riuscendo a plasmare un’elaborata e avvincente narrazione che ruota attorno a un giocatore di bowling appartenente alla comunità Amish e al suo malinconico ma sagace consigliere, dotato solamente di una mano. Insieme, affrontano un’entusiasmante avventura mentre attraversano vari stati americani, portando con sé un bagaglio di follia per arrivare, infine, ai tanto ambiti campionati nazionali di bowling, un’epica sfida tra i migliori. Il ruolo di Lin Shaye, nel quale interpreta la grottesca e sessualmente intraprendente padrona di casa di Harrelson, si rivela essere una presenza indelebile, capace di lasciare un’impronta vivida nella memoria degli spettatori grazie alla sua caratterizzazione straordinariamente originale e ferocemente audace.

Rushmore (1998)

Alcuni film hanno la capacità straordinaria di creare interi mondi nei quali lo spettatore può immergersi completamente. Rushmore è senza dubbio uno dei migliori esempi di questo tipo di opere cinematografiche. I terreni e i dintorni della prestigiosa Rushmore Academy diventano incredibilmente familiari, un microcosmo unico popolato da personaggi variopinti: milionari annoiati che cercano distrazione dalla loro monotona esistenza, enigmatici viandanti scozzesi che sembrano usciti da un racconto epico, eroici avventurieri d’acqua che attirano l’attenzione di fan devoti che li celebrano anche in momenti di dolore e perdita, presidi burberi che lottano con la propria autorità e, infine, dolci adolescenti asiatici che navigano le acque tumultuose dell’adolescenza. Al centro di tutto ciò c’è Max Fischer, un personaggio al tempo stesso adorabile ed esasperante, la cui energia inarrestabile e inventiva sembrano plasmare il corso degli eventi. In questo film si possono percepire delle similitudini con opere come Harold e Maude, per il suo umorismo particolare, o con i lavori di Hal Hartley per la loro originale narrazione. Eppure, nonostante queste somiglianze, Rushmore riesce a rimanere sempre attuale e straordinariamente originale, portando sullo schermo una storia che sembra appartenere tanto al passato quanto al presente e futuro.

I Tenenbaum (2001)

E’ un film commedia americana del 2001 diretto da Wes Anderson. La pellicola è una commedia drammatica che segue le vicende della famiglia Tenenbaum, una famiglia di intellettuali e eccentrici di New York City. Il film ruota attorno a Royal Tenenbaum (interpretato da Gene Hackman), un padre che ha tradito e abbandonato la sua famiglia anni prima, e che ora cerca di riconciliarsi con i suoi figli, Chas (interpretato da Ben Stiller), Margot (interpretata da Gwyneth Paltrow) e Richie (interpretato da Luke Wilson). Il film è stato acclamato dalla critica per la sua scrittura brillante, la recitazione di alto livello e la regia visionaria di Anderson. Il film è stato nominato per un premio Oscar per la migliore sceneggiatura originale. Il film è considerato uno dei migliori film di Wes Anderson e un classico moderno del cinema indipendente americano.

School of Rock (2003)

Jack Black raggiunge il suo apice in questo racconto che narra la storia di un artista di talento che, per una serie di circostanze fortuite, si ritrova a vestire i panni di un insegnante supplente. Inizia la sua avventura in una classe composta da studenti spesso definiti come disadattati, ciascuno con le proprie sfide e potenzialità. Il film può ricordare, in qualche modo, il famoso Sister Act 2, tuttavia, la pellicola diretta da Richard Linklater si distingue e si presenta in tutta la sua essenza esuberante e coinvolgente. Lo schermo diventa una tempesta di battute sagaci e brillanti, accompagnate da interpretazioni audaci e piene di energia di un cast giovane e pieno di talento.

Elf (2003)

Questa coinvolgente narrazione di Buddy la “fata”, un essere umano cresciuto con amore e dedizione al Polo Nord da Babbo Natale, che lo ha accolto come uno di famiglia, e dai suoi amici elfi, si sta rapidamente affermando come un classico intramontabile delle festività natalizie. La storia racconta del suo emozionante viaggio che compie per rintracciare il suo vero padre, un viaggio che non è soltanto fisico ma anche simbolico, un cammino alla scoperta di sé stesso e delle proprie origini. La contrapposizione tra il personaggio di Will Ferrell, un sempliciotto innocente e ingenuo, le cui azioni risultano spesso in caos e disordine non intenzionali, e il suo papà imprenditore, caratterizzato da un comportamento severo e dalle labbra sempre strette, genera momenti di autentico umorismo uniti a tocchi di sentimento sincero che sanno conquistare il cuore degli spettatori. Questi due mondi opposti, il sogno e la realtà, si incontrano creando un contrasto che arricchisce la trama di toni comici ma allo stesso tempo profondi.

Mean Girls (2004)

Quando Cady (Lindsay Lohan) si trasferisce dall’Africa, dove viveva con sua madre e suo padre, a una scuola superiore negli Stati Uniti, si trova a fronteggiare un brusco cambiamento di vita che la porta a un risveglio sorprendente e inatteso. Abituata alle esperienze diverse vissute in Africa, Cady è ora sfidata dal sistema di potere complesso e intricato del liceo americano, un luogo dove antiche regole sociali definiscono ogni ruolo e posizione tra gli studenti. In questo contesto, si ritrova invischiata e costretta a infiltrarsi nel gruppo delle ragazze più popolari e superficiali conosciute come “The Plastics”, una cricca temuta e venerata allo stesso tempo. Le situazioni che ne derivano sono piene di momenti esilaranti che fanno ridere fino alle lacrime, grazie anche a una sceneggiatura brillante e sagace scritta da Tina Fey. Questo film, che si delinea non solo come una commedia leggera ma anche come un’opera dall’importante spessore ironico, offre una visione profonda e sincera sulla comprensione e sulla compassione genuina tra le persone. Inoltre, non manca di somministrare una buona dose di critiche acute e pungenti riflessioni sui comportamenti adolescenziali, offrendo agli spettatori uno specchio su cui riflettere.

Napoleon Dynamite (2004)

È possibile dichiarare senza ombra di dubbio che il liceale allampanato proveniente dall’Idaho, Napoleon Dynamite, non riesce davvero a comprendere l’universo femminile. Questo individuo, emarginato socialmente, rappresenta un insigne personaggio legato al senso della sconfitta, e quando finalmente approda alla convinzione che la sua vera abilità sia nel ballo, la situazione si evolve verso esiti esilaranti. Non perdere di vista l’esilarante e arguta performance di Efren Ramirez nel ruolo di Pedro, il compagno di Napoleon, un alunno che ottiene il successo candidandosi come presidente del corso, apportando una svolta al racconto con la sua competizione memorabile e di successo.

Vite da popstar (2016)

Il film satirizza abilmente le celebrità pop contemporanee mettendo in luce il loro smisurato ego attraverso una narrazione che mescola critica sociale e commedia. Con un umorismo tagliente, l’opera si destreggia con eleganza tra vari temi, spaziare dalla politica nazionale, analizzando le sue dinamiche intricate e spesso ridicole, alle boyband, smascherando i talenti costruiti e la loro musica prefabbricata. Non mancano riferimenti ai pericoli delle esorbitanti celebrazioni nuziali delle star, che spesso si rivelano più spettacolari che sincere. In questo contesto, il ruolo del PR di Connor emerge con notevole forza, delineandosi come uno dei personaggi più incisivi e affilati della narrazione, capace di cogliere con arguzia le assurdità del mondo dello spettacolo.

The Big Sick (2017)

Non ci sono molte commedie moderne con la faccia tosta per fare gag sull’11 settembre. Ce ne sono ancora meno che ci offrono un amore scioccante per la cultura pachistano-americana che non è inondato di cliché.  Emily V Gordon e Kumail Nanjiani, la coppia nella vita reale che ha scritto una gemma ispirata alla vita reale fa entrambe le cose… e molto di più.  Emily e Kumail fanno tutte le cose normali: uscire insieme, fare l’amore, godersi i film di Vincent Price.  Quando entra in coma Kumail, c’è angoscia, centri sanitari e genitori da affrontare. Saggio e divertente, The Big Sick è una di quelle commedie insolite con qualcosa di veramente innovativo.

La rivincita delle sfigate (2019)

Amy (Kaitlyn Dever) e Molly (Beanie Feldstein) sono due grandi amiche del liceo, sempre concentrate sullo studio e decise a mettere il massimo impegno per assicurarsi un futuro di successo nelle prestigiose università della Ivy League. Il giorno della loro tanto attesa laurea, però, viene loro rivelata una verità sconvolgente e inaspettata: il loro impegno esclusivamente accademico e la rinuncia ad ogni forma di divertimento sociale non sono l’unico percorso verso i vertici dell’istruzione superiore. Con grande sorpresa, scoprono che anche le loro compagne di classe, apparentemente più disinvolte, più attraenti e animate da uno spirito di festa contagioso, stanno per varcare le porte di atenei di grande rinomanza. Dopo il successo di “Lady Bird,” Beanie Feldstein si afferma ancora una volta come una delle attrici più brillanti e sorprendenti nel panorama cinematografico contemporaneo, confermando il suo talento in questa esilarante commedia.

Approfondimenti

Le commedie americane nei primi decenni del ‘900

I film indipendenti e d’autore di commedia americani rappresentano uno dei primi e più influenti generi all’interno della storia del cinema americano. Questi film iniziarono a ottenere popolarità significativa durante l’era del cinema muto, un periodo che va all’incirca dal 1895 fino al 1930. Durante questo periodo, l’umorismo visivo, essenziale nei film muti, si fondava prevalentemente su elementi di farsa e burlesque, dove la comicità fisica assumeva un ruolo di primo piano. La slapstick comedy, un genere particolarmente influente, si affidava esclusivamente a gag visive, non essendoci alcuna necessità di dialoghi o suoni per suscitare il riso. Con l’avvento del sonoro alla fine degli anni ’20 e l’inizio degli anni ’30, il dialogo arricchì ulteriormente la commedia, elevando il prestigio di importanti comici cinematografici come WC Fields e i fratelli Marx, che divennero delle vere icone. Successivamente, negli anni ’60, ci fu un’espansione del genere, con una varietà crescente di commedie che iniziarono a includere numerose star di Hollywood, ampliando ulteriormente il loro richiamo e il loro pubblico. Negli anni ’70, le commedie nere divennero predominanti, con figure di spicco come Woody Allen e Mel Brooks che guidavano il movimento, esplorando temi più maturi e satirici attraverso un umore peculiare. Infine, un’evoluzione importante avvenne negli anni ’90, quando l’umorismo demenziale guadagnò popolarità, segnando una nuova era in cui il genere della commedia americana continuò a reinventarsi attraverso l’uso di battute assurde e situazioni surreali, catturando l’attenzione di una nuova generazione di spettatori.

Charlie Chaplin, usando il suo iconico personaggio del vagabondo Charlot, rappresenta il “simbolo più universale” del cinema comico, accanto a Buster Keaton e Harold Lloyd. Verso la fine degli anni ’20, con l’avvento del sonoro, il cinema esplorò nuove possibilità artistiche, introducendo l’umorismo verbale in un contesto che fino ad allora era dominato dal linguaggio visivo. Chaplin, autore talentuoso e regista innovatore del periodo del cinema muto, fu uno dei pochi ad adattarsi con successo a questa trasformazione. Anche durante gli anni ’30, egli mantenne i suoi film privi di dialoghi, sfruttando invece sound effects per arricchire le sue opere. Contemporaneamente, le commedie Screwball, come quelle di Frank Capra, a partire dagli anni ’40 dipinsero un panorama cinematografico che idealizzava la vita quotidiana attraverso una rappresentazione ottimistica e rassicurante dei valori sociali. Questi film riuscirono a coniugare con maestria il dialogo e il tradizionale umorismo slapstick, dimostrando che l’evoluzione del cinema non aveva cancellato il linguaggio universale della commedia fisica.

La commedia americana dagli anni ’50 in poi

Quando la televisione si è riempita di commedie per famiglia, negli anni ’50, rimasero solo gli studi Walt Disney a produrre commedie. I film commedia diminuirono drasticamente durante questo decennio. Nel 1947 quasi un film indipendente su 5 era una commedia, ma nel 1954 le commedie erano solo del dieci percento. Grazie a star come Marilyn Monroe e Tony Curtis, la commedia sexy divenne popolare alla fine degli anni ’50. Il decennio successivo ha visto un numero crescente di commedie realizzate a Hollywood. Cominciò anche ad emergere un umorismo più oscuro e impegnato nella critica sociale come Il dottor Stranamore (1964) o L’appartamento (1960).

Nell’anno 1970, le commedie nere Catch 22 e M * A * S * H ​​riflettevano la convinzione contro la guerra allora diffusa, oltre ad affrontare il delicato tema del suicidio. Tra i protagonisti dei film commedia degli anni successivi c’erano Woody Allen e Mel Brooks. Entrambi hanno scritto, interpretato e diretto i loro film. Altri straordinari comici cinematografici che sono apparsi più avanti nel decennio sono stati Richard Pryor, Steve Martin e Burt Reynolds. Nel 1980 fu lanciato il divertente Airplane!, una parodia della raccolta di film catastrofici del decennio precedente, oltre ad aprire la strada a molti altri, incluso Top Secret! (1984). Le famose star della commedia degli anni ’80 includevano Dudley Moore, Tom Hanks, Eddie Murphy, Robin Williams e Dan Aykroyd. Numerosi avevano effettivamente avuto importanza nello show televisivo americano Saturday Night Live.

Inoltre popolari erano i film di John Hughes come National Lampoon’s Vacation. In seguito sarebbe diventato famoso per la collezione Home Alone dei primissimi anni ’90. Tra le crescite significative degli anni ’90 c’è stato il riemergere della commedia americana romantica, incoraggiato dal successo di Harry ti presento Sally, nel 1989. Altri esempi sono stati anche Sleepless in Seattle (1993 ), Clueless (1995). Un’ulteriore crescita è stata l’uso crescente di umorismo demenziale generalmente rivolto a un pubblico più giovane, in film come Austin Powers, American Pie e i suoi sequel, e anche Freddy Got Fingered. A metà degli anni 2000, la moda dei film “demenziali” continua, con le commedie per adulti che conquistano il botteghino. Tuttavia, anche la commedia nera stava funzionando bene: The Weather Man, Broken Flowers e Shopgirl. La commedia americana, spesso considerata spesso un genere minore, attraversa livelli di intrattenimento: dalla commedia sofisticata alle commedie per adolescenti, fino alla commedia demenziale con personaggi folli. Ogni senso dell’umorismo, dal più intellettuale al più greve, è soddisfatto, non importa quanto sciocco o innovativo.