Il thriller psicologico è uno dei generi che ha prodotto innumerevoli film da guardare assolutamente, capolavori della storia del cinema. E’ un sottogenere del thriller e la narrativa psicologica. Viene generalmente utilizzato per definire la letteratura o i film che ruotano attorno alla mente in un thriller. Una caratteristica distintiva di un thriller psicologico è che enfatizza gli stati mentali dei suoi personaggi: le loro percezioni, pensieri, distorsioni e lotta generale per afferrare la realtà.
Viene spesso popolato di personalità psicologicamente disturbate, raccontando personaggi psicologicamente distorti e concentrandosi sulle relazioni complicate e tormentate tra personalità patologiche e compulsive. I thriller psicologici spesso incorporano aspetti di mistero, paranoia, azione e dramma. Il genere è strettamente correlato e talvolta si sovrappone al genere horror psicologico, quest’ultimo generalmente coinvolge più elementi e temi horror e scenari più inquietanti o spaventosi.
Secondo il regista John Madden, i thriller psicologici si concentrano su racconto, crescita del personaggio, scelta e disputa etica; sia la paura che l’ansia guidano la tensione psicologica con mezzi imprevedibili. I thriller psicologici sono pieni di suspense sfruttando l’imprevedibilità sulle intenzioni, la sincerità e il modo in cui vedono il mondo dei personaggi.
James N. Frey definisce i thriller psicologici uno stile, piuttosto che un sottogenere; Frey afferma che i buoni thriller si concentrano sulla psicologia dei loro antagonisti e creano lentamente suspense attraverso l’ambiguità. I creatori e/o i distributori o gli editori di film che cercano di prendere le distanze dalle connotazioni negative dell’horror spesso classificano il loro lavoro come un thriller psicologico. La stessa situazione può verificarsi quando i critici etichettano un’opera come un thriller psicologico al fine di elevarne il valore letterario percepito.
Meccanismi del thriller psicologico
Colpo di scena: film come Psycho hanno scommesso tutto sui colpi di scena e hanno anche chiesto al pubblico di astenersi dagli spoiler.
Il narratore inaffidabile: Andrew Taylor identifica il narratore inaffidabile come un comune strumento letterario utilizzato nei thriller psicologici e lo fa risalire all’impatto di Edgar Allan Poe sul genere.
MacGuffin: Alfred Hitchcock ha creato il principio del MacGuffin, un obiettivo o una cosa che avvia o fa avanzare in altro modo la storia. Il MacGuffin è spesso solo leggermente accennato e può essere utilizzato per aumentare la suspense.
Falsa pista: la falsa pista è stata usata da William Cobbett come un tipo di equivoco che è un argomento inutile introdotto per distogliere l’attenzione dal vero conflitto. Viene utilizzata una falsa pista per indurre il pubblico a fare supposizioni errate e ingannare la loro percezione della verità.
Stili del thriller psicologico
Negli ultimi anni sono emersi molti thriller psicologici, realizzati su numerosi media. Nonostante queste forme di rappresentazione davvero diverse, le mode generali sono effettivamente apparse in tutte le storie. Alcuni di questi stili regolari includono: fatalità, identificazione, mentalità, percezione, realtà.
Nei thriller psicologici, i personaggi spesso devono combattere una lotta interiore. I romanzi di sensazioni, esempi dei primi thriller psicologici, erano considerati irresponsabili a causa dei loro temi di sesso e violenza. Peter Hutchings definisce il giallo, un sottogenere italiano dei thriller psicologici, come violenti omicidi misteriosi che si concentrano sullo stile e sullo spettacolo piuttosto che sulla razionalità.
Le mani dell’altro (1924)
Orlac, pianista famoso, è su un treno che deraglia e perde le sue preziose mani nell’incidente. Si tenta un rimedio estremo: un trapianto di due mani nuove. Sfortunatamente esse appartengono ad un assassino.
Una volta venuto a conoscenza di chi erano le sue nuove mani Orlac inizia con loro un rapporto conflittuale e si rifiuta di usarle. A complicare la situazione c’è l’assassinio del padre, a cui sua moglie si era rivolta per un prestito di denaro. Le mani dell’altro è uno degli ultimi capolavori del cinema espressionista di cui Robert Wiene aveva realizzato il film manifesto, Il gabinetto del dottor Caligari.
M – Il mostro di Dusseldorf (1931)
A Berlino, un gruppo di bambini sta giocando nel cortile di un appartamento, qualcuno intona un canto riguardante un assassino di bambini. Una donna apparecchia la tavola per il pranzo, in attesa che la figlia torni a casa da scuola. Un manifesto avverte di una serie impressionante di bambini scomparsi, mentre mamme e papà ansiosi aspettano fuori da una scuola.
La piccola Elsie Beckmann lascia la scuola, facendo rimbalzare una palla mentre torna a casa. Un uomo si offre di comprarle un palloncino da un venditore ambulante cieco, poi parla e cammina con lei. Il posto di Elsie a tavola rimane vuoto, la sua palla viene mostrata rotolare via sull’erba e il suo palloncino si perde tra le linee telefoniche sospese nella città.
Beckert invia una lettera anonima ai giornali, prendendosi il merito degli omicidi dei bambini e promettendo che ne commetterà altri; la polizia estrae indizi dalla lettera, utilizzando le nuove tecniche di rilevamento delle impronte digitali e analisi della grafia. L’ispettore Karl Lohmann, capo della squadra omicidi, incarica i suoi uomini di intensificare la ricerca e di controllare i registri dei pazienti in terapia psichiatrica recentemente rilasciati, concentrandosi su quelli con una storia di violenza contro i bambini. Organizzano frequenti incursioni per interrogare noti criminali, interrompendo così gravemente gli affari della malavita. Der Schränker (Lo scassinatore) convoca una riunione dei signori del crimine della città.
Beckert vede una ragazza nel riflesso della vetrina di un negozio e inizia anche a seguirla, ma smette quando la bambina incontra sua madre. Si imbatte in un’altra bambina e fa amicizia con lei, tuttavia il venditore cieco riconosce i suoi fischi. Il venditore informa un suo amico, che trova Beckert e lo vede all’interno di un negozio. Mentre i due escono per strada, l’uomo segna una grande “M” (per Mörder, “assassino” in tedesco) sulla sua mano e si scontra con Beckert, segnando il retro del suo soprabito in modo che altri mendicanti possano rintracciarlo. La ragazza nota il gesso e provvede a pulirlo per lui, ma prima che lei lo completi, Beckert capisce di essere visto e scappa.
Il film è incentrato sulla caccia all’uomo del personaggio di Lorre, il mostro di Dusseldorf, eseguita sia dalla polizia che dalle gang criminali.
La sceneggiatura del film è stata scritta da Fritz Lang e sua moglie Thea von Harbour ed è stato il primo film sonoro del regista. Presenta diverse innovazioni cinematografiche strepitose, incluso l’uso di lunghe inquadrature fluide, e anche un leitmotiv musicale, “In the Hall of the Mountain King”, fischiato dal personaggio di Lorre. Considerato oggi un film cult da vedere assolutamente, il film è stato considerato da Lang la sua opera più importante. È ampiamente preso in considerazione uno dei migliori film di sempre, e anche un’opera indispensabile sul reato penale moderno e anche sulla narrativa thriller.
L’ombra del dubbio (1943)
Thriller di Alfred Hitchcock. Charles Oakley vive da solo in un residence. Un giorno la padrona di casa lo informa che due ragazzi sono venuti a cercarlo; vede i due uomini che aspettano per strada davanti al suo palazzo, e decide di lasciare la città.
Charlotte (Charlie) Newton è un’adolescente annoiata che vive nella comunità di Santa Rosa, in California. Il fratello minore di sua madre, Charles Oakley, arriva per una visita. Suo zio arriva e all’inizio tutti sono felicissimi della sua visita, in particolare il giovane Charlie. Lo zio Charlie porta regali a tutti. Offre a sua nipote un anello di smeraldo con le iniziali di qualcun altro incise all’interno. Il padre di Charlie, Joseph Newton, lavora in un istituto finanziario, e lo zio Charlie gli dice che intende aprire un conto e depositare $ 40.000 ($ 0,6 milioni oggi) presso il suo istituto finanziario.
Due uomini appaiono a casa dei Newton, fingendosi intervistatori che lavorano a un sondaggio nazionale. Spiegano che suo zio è uno dei due sospetti che potrebbero essere “l’assassino di Merry Widow”. Charlie si rifiuta di crederci all’inizio, ma poi osserva lo zio Charlie comportarsi in modo strano, principalmente con un ritaglio di notizie dal giornale di suo padre che descrive un omicidio.
La strada scarlatta (1945)
Lang riprende il cast e il triangolo ambiguo di “La donna del ritratto” e realizza uno dei suoi migliori film, raccontando una storia di colpa e degradazione. Un anziano impiegato di banca, Christopher Cross, ha una moglie insopportabile ed un solo passatempo: la pittura. Un giorno incontra una donna, Kitty, che comincia a manipolarlo psicologicamente dopo che ha scoperto che i quadri che il cassiere dipinge possono essere venduti a buon prezzo.
Lo straniero (1946)
Orson Welles, autore da sempre contro il sistema Hollywoodiano, non amava questo suo film realizzato all’interno degli Studios, ma stranamente è riuscito a realizzare un prodotto commerciale oltre le sue stesse aspettative, riuscendo ad inserire in esso anche il suo stile inconfondibile, lasciandoci un film stupefacente. Nel piccolo paese di Harper, vive Charles Rankin, che sta per sposare la figlia di un importante giudice. Ma Charles Rankin è in realtà Frank Kindle, un criminale del Terzo Reich che si è creato una nuova identità. L’ispettore Wilson è però sulle sue tracce.
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Gangsters in agguato (1954)
La storia è ambientata in una piccola città della California la cui armonia va in frantumi quando il treno del capo di stato degli Stati Uniti arriva in città, e un assassino con i suoi scagnozzi prendono il controllo di una casa per uccidere il presidente.
Nell’America del dopoguerra, un treno che trasporterà il capo di stato degli Stati Uniti farà scalo nel villaggio di Suddenly, in California. Dichiarandosi agenti dell’FBI che cercano protezione prima dell’arrivo del capo di stato, tre ragazzi arrivano a casa dei Benson: Ellen, una vedova, suo figlio “Pidge” e anche suo suocero, “Pop” Benson . La casa si trova in cima a una collina vicino alla stazione in cui è previsto che il treno presidenziale si fermi, rendendolo una postazione perfetta da cui sparare al capo di stato.
Diventa presto chiaro che gli uomini non sono agenti del governo ma assassini, guidati dallo spietato John Baron, che si impossessano della casa e tengono in ostaggio la famiglia, progettando di sparare al presidente da una finestra della casa che ha una buona visuale della stazione ferroviaria.
Lo sceriffo Tod Shaw arriva con Dan Carney, l’agente dei servizi segreti incaricato dei dettagli di sicurezza del presidente. Quando arriva Baron e i suoi gangster sparano a Carney e un proiettile frattura il braccio sinistro di Shaw. Il barone si vanta della medaglia d’argento che ha vinto in guerra per aver ucciso 16 giapponesi. Il barone spiega che non ha nulla contro il presidente, ma viene pagato 500.000 ₤ per ucciderlo e il denaro è il suo unico motivo.
Pop ha danneggiato la TV in precedenza e l’uomo che ripara la televisione arriva in mezzo alla scena. Se non obbediscono, il bambino sarà ucciso. Baron manda fuori Benny, uno dei suoi due scagnozzi, per esaminare la giornata tipica del presidente, ma poco dopo viene ucciso in una sparatoria con la polizia. D’altra parte, Jud, un tecnico televisivo, è apparso a casa sua e diventa un ostaggio. Pidge va nel comò di suo nonno per prendere delle medicine e trova un revolver che sostituisce con la sua pistola giocattolo. Il film è interpretata da Frank Sinatra e Sterling Hayden, oltre a James Gleason e Nancy Gates.
I diabolici (1955)
Michel ha una relazione con Nicole Horner, un’insegnante della scuola. Piuttosto che antagonismo, le due donne hanno una relazione piuttosto stretta, basata principalmente sul loro apparente odio reciproco per Michel. È crudele con gli studenti, picchia Nicole e prende in giro Christina per le sue condizioni cardiache.
Minacciando un divorzio per attirare Michel nel condominio di Nicole a Niort, una città a diverse centinaia di chilometri di distanza, Christina lo seda. Le due donne poi lo annegano in una vasca da bagno e, tornando a scuola, scaricano il suo corpo nella piscina abbandonata. Lì l’uomo delle pulizie le dice che Michel aveva alloggiato nella stanza per un po’, ma che era stato visto raramente, se non mai, e non aveva conservato nulla lì.
Nicole vede sul giornale che la polizia ha trovato il cadavere. Quando Christina va all’obitorio, scopre che in realtà non è il corpo di Michel. Questo splendido thriller psicologico è basato sull’originale She Who Was No More (Celle qui n’était plus) di Pierre Boileau e Thomas Narcejac. Il film è stato il decimo film di maggior incasso dell’anno in Francia, ed ha anche ricevuto il Premio Louis Delluc nel 1954.
Clouzot, dopo aver completato The Wages of Fear, ha opzionato i diritti sulla sceneggiatura del film, evitando ad Alfred Hitchcock di realizzare il film. Questo film ha contribuito a motivare la realizzazione di Psycho di Hitchcock. Robert Bloch, autore di Psycho, ha menzionato in un incontro che il suo film horror preferito di tutti i tempi era Les Diaboliques.
Kiss Me Deadly (1955)
Kiss Me Deadly di Robert Aldrich è spesso visto come un cult del fantastico periodo del film noir iniziato nei primi anni Quaranta. Se è così, è anche un preambolo per una nuova generazione di eroi nevrotici che hanno dominato i film noir dei decenni successivi, come l’ex detenuto di Lee Marvin che cerca di trovare la sua sfuggente ricompensa in Point Blank (1967) di John Boorman, o Gene L’isterico detective di Hackman, che finisce per viaggiare letteralmente in tondo nel superbo Night Moves (1975) di Arthur Penn.
Come se anticipasse i futuri personaggi, Mike Hammer (Ralph Meeker), l’eroe del film di Aldrich, è un’incarnazione particolarmente odiosa del ruffiano, una variazione feroce e sgradevole di una tipologia di uomini che si vede in pericolo e sull’orlo dell’estinzione . Hammer è la creazione di Mickey Spillane, le cui storie pulp hanno assunto un tono particolarmente feroce della Guerra Fredda e della società maschilista del dopoguerra.
Hammer ride ad alta voce mentre mitraglia un branco di comunisti. Mike Hammer rappresentava perfettamente il suo creatore, un razzista e anche misogino. L’Uomo dell’Organizzazione definiva un nuovo modo di vivere per lo schiavo salariato del dopoguerra.
Hammer tortura un medico legale anziano che non svelerà informazioni e schiaffeggia un altro vecchio che non accetta una tangente. Colpisce un teppista senza senso sbattendo la sua testa contro un muro, poi, quando l’uomo stordito non si arrende, Hammer lo prende a pugni giù per una rampa interminabile di gradini di cemento. Fa parte di un gruppo di uomini viscidi e invadenti a cui piace umiliare le persone: nessuno si salva nella visione feroce del regista dell’America degli anni Cinquanta.
La donna che visse due volte (1958)
Il capolavoro di Alfred Hitchcock. Scottie va in cassa integrazione per il fatto che un evento lo ha effettivamente portato a contrarre l’acrofobia e le vertigini. Scottie lavora con un socio, Gavin Elster, come investigatore privato per seguire la moglie di Gavin, Madeleine (Kim Novak), che si comporta in modo strano.
Dopo un inseguimento su un tetto, in cui un collega poliziotto sta per morire, l’investigatore di San Francisco John “Scottie” Ferguson si ritira a causa della paura dell’altezza e delle vertigini. Scottie cerca di dominare la sua ansia, ma la sua ex fidanzata, la designer di biancheria intima Marjorie “Midge” Wood, afferma che un ulteriore shock psicologico estremo potrebbe essere l’unico trattamento.
Gavin Elster, un conoscente del college, chiede a Scottie di seguire sua moglie, Madeleine, dichiarando che in realtà si è comportata in modo strano e il suo stato psicologico è insolito. Scottie accetta con esitazione e segue Madeleine da un fioraio, poi alla Missione di San Francisco de Asís e alla tomba di Carlotta Valdes, e anche al museo d’arte della Legion d’Onore dove osserva il Ritratto di Carlotta. Scottie vede entrare la donna al McKittrick Hotel, ma al momento del check-out, lei sembra non essere lì.
Uno storico esperto del luogo chiarisce che Carlotta Valdes si suicidò: era stata la fidanzata di un benestante padre di famiglia e aveva dato alla luce il suo bambino. Gavin scopre che Carlotta è la bisnonna di Madeleine, sebbene Madeleine non ne sia a conoscenza e non ricordi i luoghi che ha visitato. Scottie segue Madeleine a Fort Point e quando lei salta nella baia, la salva.
Uno dei grandi film imperdibili della storia del cinema. Il racconto è basato sull’esclusivo D’entre les morts del 1954 di Boileau-Narcejac. La sceneggiatura è stata scritta da Alec Coppel e da Samuel A. Taylor. Il film è interpretato da James Stewart nei panni dell’ex investigatore della polizia John “Scottie” Ferguson.
Il film è stato girato nella città di San Francisco, in California, così come nella Mission San Juan Bautista, nel Big Basin Redwoods State Park, nel Cypress Point sulla 17-Mile Drive e anche nei Paramount Studios di Hollywood. È il primo film iniziale a utilizzare lo zoom combinato con il carrello, un risultato nella telecamera che deforma il punto di vista per creare disorientamento, per condividere l’acrofobia di Scottie. Come risultato del suo utilizzo in questo film, l’impatto è solitamente descritto come “l’impatto di Vertigo”.
Psycho (1960)
Durante un appuntamento di venerdì a mezzogiorno in un resort di Phoenix, la segretaria della proprietà Marion Crane e il suo ragazzo Sam Loomis rivedono il loro mancato matrimonio a causa degli obblighi finanziari di Sam. Marion ruba un pagamento in contanti di $ 40.000 che le è stato consegnato per un acconto, nonché guida verso casa di Sam a Fairvale, in California. Durante il viaggio, Marion scambia frettolosamente la sua auto, suscitando sospetti sia nel fornitore di auto che nel camion, nonché in un poliziotto.
Marion decide di passare la notte al Bates Motel, situato fuori dall’autostrada principale, e nasconde il denaro rubato all’interno di un giornale. Il proprietario Norman Bates scende da una grande casa che si affaccia sul motel, registra Marion sotto falso nome e le dà il benvenuto invitandola a cenare con lui. Dopo che Norman è tornato a casa sua, Marion sente Norman litigare con sua madre riguardo alla presenza di Marion.
Norman si scusa per le urla di sua madre e le parla del suo hobby di tassidermista, del “malessere” di sua madre e anche di come le persone abbiano una “situazione personale” che desiderano abbandonare. Marion decide di tornare a Phoenix in mattinata e restituire i soldi presi. Mentre Marion fa la doccia, un uomo misterioso si presenta e la pugnala a morte. Poco dopo, dalla casa si sente la voce di Norman che grida “Madre! Oh Dio, Madre! Sangue! Sangue!” Norman mette in ordine la scena del delitto, mette il corpo di Marion, i suoi averi e il denaro nascosto nella sua automobile, e la affonda anche in una diga.
La sorella di Marion, Lila, arriva a Fairvale una settimana dopo, racconta a Sam del furto e chiede di sapere dove si trova. Esamina il registro degli ospiti e scopre dalla sua calligrafia che Marion ha trascorso una notte al motel. Quando Arbogast viene a sapere che Marion aveva parlato con la madre di Norman, Arbogast chiede di parlarle, ma Norman si rifiuta di permetterlo.
La sceneggiatura del film, scritta da Joseph Stefano, era basata sull’omonimo romanzo del 1959 di Robert Bloch. Il film è interpretato da Anthony Perkins, Janet Leigh, Vera Miles, John Gavin e Martin Balsam. La trama racconta di una donna in fuga, Marion Crane, e il timido proprietario di un motel Norman Bates e le sue conseguenze, in cui un investigatore privato (Balsam), l’amante di Marion Sam Loomis (Gavin) e sua sorella Lila (Miles) indagano sulla causa della sua scomparsa.
Psycho è stato visto come un allontanamento dal precedente film di Hitchcock North by Northwest, poiché è stato girato con un piano a budget ridotto in bianco e nero dalla troupe della sua serie tv Alfred Hitchcock Presents. Il film è stato originariamente considerato controverso e ha ottenuto recensioni contrastanti, tuttavia la passione del pubblico e anche gli impressionanti guadagni al botteghino hanno innescato un’importante rivalutazione. Psycho è stato nominato per quattro Academy Awards, tra cui la migliore attrice non protagonista per Janet Leigh e la migliore regia per Hitchcock.
Psycho è ora considerato uno dei capolavori di Hitchcock, ed è anche il suo lavoro più popolare. In realtà è stato applaudito come una delle principali opere d’arte cinematografica da critici e studiosi cinematografici internazionali per la sua regia lucida, la suspense, l’eccezionale lavoro di ripresa, una colonna sonora notevole e le famose interpretazioni. Comunemente classificato tra i migliori film della storia del cinema, ha stabilito un nuovo livello di accettabilità per la violenza, il comportamento deviante e la sessualità nei film americani, ed è anche comunemente considerato il primo esempio della categoria dei film slasher.
Dopo la morte di Hitchcock nel 1980, la Universal Pictures ha creato altri film ispirati ad esso: 3 seguiti, un remake, uno spin-off per la televisione e una serie televisiva prequel ambientata negli anni 2010. Nel 1992, la Library of Congress ha considerato il film “culturalmente, storicamente o esteticamente considerevole” e lo ha scelto per la conservazione nel National Film Registry degli Stati Uniti.
Repulsion (1965)
Basata su un racconto scritto da Polanski e Gérard Brach, la trama segue Carol, una ragazza alienata che è soggetta a una serie di esperienze orribili. Il film si concentra sul punto di vista di Carol e delle sue allucinazioni e mal di testa mentre entra in contatto con gli uomini. Ian Hendry, John Fraser, Patrick Wymark e Yvonne Furneaux appaiono in ruoli secondari.
Un uomo, Colin, è innamorato di Carol e fa ferventi tentativi di corteggiarla, ma Carol sembra disinteressata. Carol è turbata dalla relazione di Helen con un uomo di nome Michael, che a Carol sembra non piacere.
Carol è turbata da una crepa nel marciapiede quando torna a casa dal lavoro. Colin la incontra, la accompagna a casa e tenta di baciarla diverse volte, ma lei si rifiuta, correndo al piano di sopra e lavandosi forte i denti prima di piangere. Quella notte Helen interroga Carol per aver buttato lo spazzolino da denti di Michael e anche il rasoio elettrico nel water. Al salone di bellezza, Carol diventa sempre più distratta, parlando a malapena con i suoi clienti e colleghi.
Quella notte, Helen e Michael partono per l’Italia in vacanza, lasciando Carol da sola nell’appartamento. Dopo aver provato uno degli abiti di sua sorella, Carol vede una figura scura allo specchio. L’isolamento di Carol inizia a farsi sentire su di lei: manca da tre giorni al lavoro.
Girato a Londra, è il primo film in lingua inglese di Polanski, nonché la seconda produzione di un lungometraggio, dopo Knife in the Water (1962). Il film ha debuttato al Festival di Cannes del 1965 prima di ricevere uscite nelle sale a livello internazionale. Al momento della sua uscita, Repulsion ha ricevuto notevoli consensi dalla critica e attualmente è considerata una delle più grandi opere di Polanski. Il film è stato nominato per un BAFTA Award per la fotografia di Gilbert Taylor.
Persona (1966)
Persona, anche se non è esplicitamente un thriller psicologico, potrebbe essere visto e interpretato come tale da molti spettatori. La storia è incentrata su una giovane infermiera di nome Alma (Andersson) e sulla sua paziente, la famosa attrice teatrale Elisabet Vogler (Ullmann), che ha smesso di parlare. Si trasferiscono in un cottage, dove Alma si prende cura di Elisabet, si confida con lei e inizia ad avere difficoltà a distinguersi dalla sua personalità.
Un proiettore inizia a proiettare una raccolta di foto, composta da una crocifissione, un ragno e l’omicidio di un agnello, e un ragazzino si alza in ospedale. Vede un grande schermo con un’immagine sfocata di due donne. Tra le donne potrebbe esserci Alma, una giovane infermiera nominata da un medico per prendersi cura di Elisabet Vogler.
Elisabet è una star del palcoscenico che all’improvviso ha smesso di parlare e anche di muoversi, i medici hanno stabilito che è il risultato della malattia psicologica. Nella struttura medica, Elisabet è angosciata dalle immagini televisive dell’auto-immolazione di un uomo durante la guerra del Vietnam. Alma le legge una lettera del marito di Elisabet che contiene una foto del loro bambino. Il medico ipotizza che Elisabet possa recuperare molto meglio in una casa al mare e la manda lì con Alma.
Al cottage, Alma dice a Elisabet che nessuno le ha mai prestato attenzione in passato. Discute del suo fidanzato, Karl-Henrik. Alma racconta la storia di come, mentre aveva già una relazione con Karl-Henrik, ha preso il sole nuda con Katarina, una donna che aveva incontrato. Apparvero due ragazzi e Katarina iniziò un’orgia. Alma è rimasta incinta, ha abortito e iniziò a sentirsi davvero in colpa.
Alma si reca in comunità per spedire le loro lettere e nota che quella di Elisabet non è sigillata. La legge. La lettera afferma che Elisabet sta “studiando” Alma e discute anche dell’orgia e dell’aborto dell’infermiera. Arrabbiata, Alma accusa Elisabet di usarla. Nella battaglia che ne risulta, minaccia di scottare Elisabet con acqua bollente e si ferma quando Elisabet la implora di non farlo. Questa è la prima volta in assoluto che Alma parla, anche se pensava che Elisabet le avesse mormorato qualcosa in precedenza quando Alma era mezza addormentata. Alma la informa che sa che Elisabet è una persona spregevole; quando Elisabet scappa, Alma la insegue e chiede pietà. Più tardi, Elisabet dà un’occhiata alla famosa fotografia di ebrei arrestati nel ghetto di Varsavia dal Rapporto Stroop.
L’esplorazione del film della dualità, della follia e dell’identità personale è stata interpretata come un riflesso della teoria junghiana della persona e che affronta questioni relative al cinema, al vampirismo, all’omosessualità, alla maternità, all’aborto e ad altri argomenti. È stato anche apprezzato lo stile sperimentale del suo prologo e della narrazione. L’enigmatico film è stato chiamato il Monte Everest dell’analisi psicologica cinematografica; secondo lo storico del cinema Peter Cowie, “Tutto ciò che si dice su Persona può essere contraddetto; sarà anche vero il contrario”.
Ingmar Bergman ha realizzato Persona con in mente Ullmann e Andersson per i ruoli principali e l’intenzione di scoprire le le attrici le loro identità. Ha girato il film a Stoccolma e Fårö nel 1965. Nella produzione, i tecnici realizzano effetti facendo uso di fumo e uno specchio per montare una scena e combinare i volti dei protagonisti in post-produzione in una sola inquadratura. Andersson ha voluto inserire un monologo sessualmente esplicito nella sceneggiatura del film e ha riscritto parti di esso.
Blow-up (1966)
Film d’autore esistenzialista e fuori dagli schemi del linguaggio cinematografico fino a quel momento conosciuto, è anche un thriller psicologico con un omicidio, indagini e suspense. È stato il primo film interamente in lingua inglese di Antonioni e vede come protagonista David Hemmings nei panni di un fotografo di moda londinese che crede di aver involontariamente fotografato un omicidio.
Dopo aver trascorso la notte in un dormitorio per senzatetto, dove ha scattato foto per una pubblicazione di immagini d’arte, il fotografo Thomas è in ritardo per un servizio fotografico con la modella Veruschka nel suo laboratorio, il che di conseguenza lo fa ritardare per uno shooting con varie altre modelle più tardi. Annoiato, se ne va, lasciando le modelle e lo staff di produzione. Mentre lascia il laboratorio, due ragazze, aspiranti modelle, chiedono di consultarsi con lui, ma Thomas le evita e va in un negozio di antiquariato.
Una donna, Jane, è furiosa per essere stata fotografata e insegue Thomas, chiede la sua pellicola e alla fine cerca di strappargli la macchina fotografica. Lo raggiunge di nuovo nel suo studio chiedendo disperatamente il film. Lei e Thomas hanno una conversazione e flirtano, ma lui le passa deliberatamente un rullino diverso.
Thomas, interessato al contenuto del rullino, realizza diversi zoom dei fotogrammi in bianco e nero di Jane e del suo amante. Una terza persona si nasconde tra gli alberi con una pistola. Thomas chiama Ron con entusiasmo, affermando che il suo servizio fotografico improvvisato potrebbe aver salvato la vita di un uomo. Thomas viene interrotto da qualcuno che bussa alla porta: sono ancora una volta le due ragazze, con le quali fa delle capriole nel suo studio e flirta.
Al risveglio, scopre che vorrebbero essere fotografate, ma capisce che potrebbero esserci altri indizi nel parco. Un ulteriore esame di una figura in ombra sotto un arbusto fa presumere a Thomas che l’uomo nel parco possa essere stato ucciso, mentre Thomas stava parlando con la donna dietro l’angolo.
Il film è interpretato anche da Vanessa Redgrave, Sarah Miles, John Castle, Jane Birkin, Tsai Chin, Peter Bowles e Gillian Hills, oltre alla modella degli anni ’60 Veruschka. La musica non diegetica del film è stata scritta dal pianista jazz Herbie Hancock, mentre sono presenti anche il gruppo rock degli Yardbirds.
Nella sezione principale della competizione del Festival di Cannes, Blowup ha vinto la Palma d’Oro, la più alta onorificenza del festival. Grande successo di critica e di botteghino, Blowup avrebbe ispirato grandi film successivi, tra cui L’uccello dalle piume di cristallo (1970) di Dario Argento, La conversazione di Francis Ford Coppola (1974) e Blow Out (1981) di Brian De Palma. Nel 2012, Blowup si è classificato al 144° posto nel sondaggio dei critici di Sight & Sound sui più grandi film della storia del cinema.
Rosemary’s Baby (1968)
Il film descrive una giovane donna incinta di Manhattan con il sospetto che i suoi vicini più anziani della porta accanto siano partecipanti a un culto satanico, e che la manipolano per utilizzare il suo bambino per i loro rituali. È basato sull’omonimo libro del 1967 di Ira Levin.
Man Woodhouse, un attore di teatro, e la sua compagna, Rosemary, si trasferiscono nel Bramford, un grande appartamento in stile rinascimentale a New York City. Ignorano i consigli del loro buon amico Hutch riguardo all’oscuro passato dei Bramford con la stregoneria e l’omicidio.
Rosemary conosce Terry Gionoffrio, un giovane tossicodipendente in recupero che Minnie e Roman Castevet, gli anziani vicini di casa dei Woodhouse, hanno accolto in casa loro. Una notte, Terry salta dalla finestra dell’appartamento al 7° piano dei Castevets. La coppia si avvicina a loro, ma Rosemary scopre che sono importuni e fastidiosi. Minnie offre la collana di Terry a Rosemary come appello di buona fortuna, dicendo che contiene “radice di tannis”.
Guy viene scritturato in una commedia importante dopo che l’attore protagonista è diventato inspiegabilmente cieco. Con il suo lavoro di attore che prospera, Guy vuole avere un bambino con Rosemary. La notte in cui intendono fare l’amore, Minnie porta tazze di mousse al cioccolato per la cena. Rosemary brontola, la sua mousse ha un “sottogusto” gessoso e non la finisce di mangiare. Guy la critica come ingrata. Rosemary ne mangia un po’ in più per tranquillizzarlo, poi scarta di nascosto il resto.
Non molto tempo dopo, le vengono le vertigini e perde conoscenza. In uno stato onirico, sogna di essere violentata da un’entità demoniaca e vede Guy, i Castevet e vari altri inquilini di Bramford. La mattina successiva, Guy giustifica i graffi che ricoprono il suo corpo affermando che non voleva perdere la l’occasione e che ha fatto sesso con lei mentre lei aveva perso conoscenza.
Durante il suo primo trimestre della gravidanza, Rosemary soffre di forti dolori addominali e perde peso. Rosemary, incapace di sopportare il dolore, insiste per vedere il dottor Hill, mentre Guy si oppone, dicendo che il dottor Sapirstein sarà offeso. Mentre discutono, i dolori cessano improvvisamente e Rosemary sente il bambino muoversi.
Sebbene ambientato a New York City, la maggior parte delle riprese principali di Rosemary’s Baby si è svolta a Los Angeles per tutta la fine del 1967. È stato distribuito nel giugno 1968 dalla Paramount Pictures ed è stato anche un successo al botteghino, incassando oltre $ 30 milioni negli Stati Uniti . Il film ha ottenuto innumerevoli riconoscimenti, tra cui numerose nomination ai Golden Globe e due nomination agli Oscar. Ruth Gordon ha vinto sia l’Oscar alla migliore attrice non protagonista che il Golden Globe.
Rosemary’s Baby tratta temi legati alla paura, alla libertà femminile, al cristianesimo e all’occulto. Il film ha ottenuto riconoscimenti globali da parte della critica cinematografica e ha vinto vari premi. È ampiamente considerato tra i migliori film dell’orrore mai realizzati. Nel 2014, il film è stato scelto per la conservazione nel National Film Registry degli Stati Uniti dalla Library of Congress, essendo considerato “culturalmente, tradizionalmente o esteticamente sostanziale”.
Il conformista (1970)
Nella Parigi del 1938, Marcello Clerici si prepara ad uccidere il suo ex professore universitario, Luca Quadri, lasciando la sua futura moglie Giulia nella loro stanza di soggiorno. Utilizza spesso un’automobile guidata da Manganiello poiché entrambi inseguono l’insegnante.
Una raccolta di ricordi ritrae Marcello mentre discute con il suo amico cieco Italo dei suoi piani per sposarsi, dei suoi sforzi alquanto scomodi per entrare a far parte della polizia segreta fascista e anche delle sue visite ai suoi genitori: una mamma dipendente dalla morfina nella casa di vacanza in decomposizione della famiglia, così come come suo padre ricoverato in un manicomio.
In un ulteriore flashback, Marcello è visto come un bambino che viene umiliato dai suoi compagni di scuola finché non viene salvato da Lino, un autista. Lino si offre di dargli una pistola e in seguito fa proposte sessuali a Marcello, a cui reagisce prendendo in mano la pistola e sparando su Lino, quindi scappa dalla scena di quello che pensa sia un omicidio.
Marcello, in confessione, ammette al sacerdote di aver commesso molti peccati gravi, tra cui il rapporto omosessuale e il successivo omicidio di Lino, il sesso prematrimoniale e la sua assenza di colpa per questi peccati. Il prete è scioccato, ma assolve rapidamente Marcello quando viene a sapere che attualmente lavora per la polizia segreta fascista, chiamata Organizzazione per la vigilanza e la repressione dell’antifascismo.
Il film è interpretato da Jean-Louis Trintignant, Stefania Sandrelli, Gastone Moschin, Enzo Tarascio, Fosco Giachetti, José Quaglio, Dominique Sanda e Pierre Clémenti. Il film è stato una coproduzione di società cinematografiche italiane, francesi e anche della Germania occidentale. Bertolucci ambienta il film negli anni ’30 nello stile legato all’era fascista: le sale attraenti della borghesia così come i grandi saloni dell’élite dominante.
Notte silenziosa, notte di sangue (1972)
Slasher americano del 1972 inedito in Italia, è un horror cult precursore del genere diversi anni prima di Halloween di Carpenter, con una sceneggiatura complessa e le riprese in soggettiva del killer, che hanno ispirato molti film successivi. La sua originalità e la sua narrazione sono ciò che riescono a renderlo una piccola e poco conosciuta perla del genere.
Una serie di omicidi in una piccola città del New England alla vigilia di Natale dopo che un uomo eredita una tenuta di famiglia che una volta era un manicomio. Molti dei membri del cast e della troupe erano ex superstar di Warhol: Mary Woronov, Ondine, Candy Darling, Kristen Steen, Tally Brown, Lewis Love, il regista Jack Smith e la laureata Susan Rothenberg.
La conversazione (1974)
Harry Caul (Gene Hackman), che gestisce la propria azienda a San Francisco, è ossessionato dalla propria privacy personale. La sua casa è quasi spoglia, ha la porta a tripla serratura e anche l’allarme antifurto. Harry utilizza i telefoni pubblici per effettuare chiamate, afferma di non avere un telefono di residenza e il suo posto di lavoro è racchiuso in una gabbia dietro le quinte di un struttura di stoccaggio. Non ha amici intimi, la sua compagna Amy conosce poco riguardo a lui e il suo unico passatempo è suonare con un sassofono da solo a casa sua.
Caul chiede di essere esentato dal materiale reale delle conversazioni che registra o dall’uso che i suoi clienti ne fanno. È tormentato dal senso di colpa per una passata attività di intercettazione telefonica dopo la quale tre persone sono state uccise. Questo senso di rimpianto è amplificato dalla sua fede cattolica.
Caul, il suo collega Stan e alcuni collaboratori freelance sono stati incaricati di intercettare la conversazione di una coppia mentre camminano nell’affollata Union Square a San Francisco, circondati da una cacofonia di rumori di sottofondo. L’impegnativo compito di registrare questa conversazione è svolto da un certo numero di agenti di sorveglianza dislocati in diverse posizioni intorno alla piazza.
Quando il cliente non è nel suo ufficio, Caul si rifiuta di lasciare il nastro all’assistente del suo cliente, Martin Stett (Harrison Ford). L’assistente lo avverte di non farsi coinvolgere, dicendogli che i nastri sono “pericolosi”.
Coppola ha menzionato il thriller di Michelangelo Antonioni Blowup (1966) come un impatto chiave. Considerando che il film è stato distribuito nelle sale cinematografiche solo un paio di mesi prima delle dimissioni da presidente di Richard Nixon, il pubblico ha interpretato il film come una reazione del Watergate.
The Conversation è stato presentato in anteprima al Festival di Cannes del 1974, dove ha vinto la Palma d’Oro, il premio più alto del festival, ed è stato anche lanciato nelle sale il 7 aprile 1974 dalla Paramount Pictures, guadagnando solo $ 4,2 milioni con un costo di produzione di 1,6 milioni di dollari. Il film ha ottenuto tre elezioni alla 47a edizione degli Academy Awards; Miglior film, Miglior sceneggiatura originale e Miglior suono. Nel 1995, è stato scelto per la conservazione nel National Film Registry degli Stati Uniti dalla Library of Congress come “culturalmente, tradizionalmente o visivamente significativo”.
Taxi Driver (1976)
Ambientato in una New York City in decomposizione dopo la guerra del Vietnam, il film ruota intorno al personaggio di Travis Bickle (De Niro), un tassista e veterano, e al suo cupo stato d’animo mentre vive le notti in città.
Travis Bickle è un marine statunitense di 26 anni congedato con onore e veterano della guerra del Vietnam che soffre di disturbo da stress post-traumatico e vive da solo a New York City. Travis accetta un lavoro come tassista notturno per far fronte alla sua insonnia cronica e alla sua solitudine.
Travis finisce per essere ossessionato da Betsy, una volontaria del progetto per il legislatore e candidato al governo Charles Palantine. Travis va dove Betsy lavora a chiederle di uscire per un caffè. Betsy accetta l’invito e ammette di provare un legame speciale con Travis, e accetta di rivederlo. Durante la loro giornata Travis porta Betsy in un cinema porno, cosa che la spinge ad andarsene. Tenta di riconciliarsi con lei, inutilmente. Infuriato, torna sul posto di lavoro della campagna in cui lei lavora, e la rimprovera prima che venga buttato fuori.
Vivendo una crisi esistenziale e vedendo degrado e prostituzione in tutta la città, Travis confida al collega tassista soprannominato Mago dei suoi pensieri violenti. A casa, Travis si esercita a estrarre le sue armi e ne modifica una per nasconderla e dispiegarla rapidamente dalla manica. Una notte, Travis uccide un ladro mentre tenta di rapinare un minimarket.
Con The Wrong Man (1956) e A Bigger Splash (1973) come idee, Martin Scorsese desiderava che il film sembrasse un viaggio onirico. Con il direttore della fotografia Michael Chapman, le riprese sono iniziate nell’estate del 1975 a New York City, con gli attori che hanno rinunciato ad una parte degli stipendi per assicurarsi che il film potesse essere portato a termine con un piano a basso budget di $ 1,9 milioni. La produzione si concluse esattamente nello stesso anno, con una colonna sonora composta da Bernard Herrmann, che il musicista completò solo un certo numero di ore prima della sua morte; il film è dedicato a lui.
Il film è stato distribuito nelle sale dalla Columbia Pictures l’8 febbraio 1976, dove è stato un successo commerciale e di critica, nonostante abbia generato polemiche per la sua violenza nel climax finale, così come per l’allora dodicenne Foster nel ruolo di giovane prostituta. Considerato uno dei più grandi film mai realizzati, il film ha ottenuto innumerevoli riconoscimenti tra cui la Palma d’oro del Festival di Cannes del 1976 e 4 nomination ai 49° Academy Awards, tra cui per il miglior film, il miglior attore (per De Niro), così come Miglior attrice non protagonista (per Foster).
Shining (1980)
Il protagonista del film di Stanley Kubrick è Jack Torrance (Nicholson), uno scrittore ambizioso e alcolizzato che accetta un lavoro come custode fuori stagione nello storico Overlook Hotel nelle Montagne Rocciose del Colorado, con sua moglie, Wendy Torrance (Duvall), con suo figlio, Danny Torrance (Lloyd). Danny è dotato dello shining, abilità psichiche che gli consentono di vedere nel terribile passato del resort. Dopo che un tornado invernale ha lasciato i Torrance sotto la neve, la tranquillità di Jack svanisce a causa dell’influenza delle forze malefiche che popolano il resort.
Jack Torrance ospita un custode della stagione invernale presso il remoto Overlook Hotel nelle Montagne Rocciose, che chiude ogni inverno. Dopo il suo arrivo, il manager Stuart Ullman racconta a Torrance che un precedente custode, Charles Grady, ha sterminato la sua famiglia nell’hotel.
A Boulder, il ragazzo di Jack, Danny, ha una sensazione strana. La compagna di Jack, Wendy, informa il dottore di un caso precedente quando Jack si è lussato la spalla di Danny durante una ubriacatura. L’evento ha incoraggiato Jack a smettere di consumare alcol. Prima di partire per la pausa stagionale, il capocuoco Dick Hallorann informa Danny di una capacità telepatica che i due condividono, che lui chiama “shining”. Hallorann dice a Danny che anche l’hotel ha uno “shining” a causa di spiacevoli eventi passati e lo avverte di evitare la stanza 237.
La salute mentale di Jack si deteriora; non riesce più a scrivere, è incline a esplosioni violente e sogna di uccidere la sua famiglia. Jack incontra un fantasma di una donna nella stanza, ma incolpa Danny per essersi autoinflitto i lividi. Grady informa Jack che Danny ha contattato Hallorann usando il suo “talento” e dice che Jack deve “correggere” sua moglie e suo figlio.
Wendy trova il manoscritto di Jack con “Tutto il lavoro e niente gioco rende Jack un ragazzo noioso” scritto più e più volte. Quando Jack tenta di ucciderla, Wendy gli fa perdere i sensi con una mazza da baseball e lo rinchiude nella dispensa della cucina, ma lei e Danny non possono andarsene perché Jack ha precedentemente sabotato la radio ricetrasmittente e il gatto delle nevi dell’hotel. Il film è basato sull’omonimo romanzo di Stephen King del 1977 e anche sulle star Jack Nicholson, Shelley Duvall, Scatman Crothers e Danny Lloyd.
La produzione è avvenuta esclusivamente negli EMI Elstree Studios, con set ricostruiti esattamente come i luoghi reali. Il nuovo supporto Steadicam è stato utilizzato per girare diverse scene, conferendo al film un aspetto coinvolgente e innovativo. Ci sono state molte teorie riguardo ai significati del film: variazioni, misteri, e differenze dal libro.
Velluto blu (1986)
Il film riguarda un giovane studente universitario che, tornando a casa per visitare il padre malato, scopre un orecchio umano mozzato in un campo che lo porta a scoprire una vasta cospirazione criminale e ad entrare in una relazione romantica con un cantante in difficoltà.
Jeffrey trova un orecchio umano e lo consegna al detective della polizia John Williams. La figlia di Williams, Sandy, che gli dice che l’orecchio appartiene a una cantante di nome Dorothy Vallens. Incuriosito, Jeffrey entra nell’appartamento di Dorothy fingendosi uno ladro e ruba una chiave di riserva mentre è distratta da un uomo con un caratteristico cappotto sportivo giallo, che Jeffrey soprannomina “l’uomo giallo”.
Jeffrey e Sandy assistono allo spettacolo di Dorothy, in cui canta “Blue Velvet”, e se ne vanno presto in modo che Jeffrey possa infiltrarsi nel suo appartamento. Dopo che Frank se ne va, Jeffrey sgattaiola via e cerca conforto da Sandy.
Dopo aver scoperto che Frank ha rapito il marito di Dorothy, Don, e la piccola Donnie, per costringerla alla schiavitù sessuale, Jeffrey crede che Frank abbia tagliato l’orecchio a Don per intimidirla fino alla sottomissione. Jeffrey inizia una relazione sessuale sadomasochistica in cui Dorothy lo spinge a picchiarla. Jeffrey vede Frank andare allo spettacolo di Dorothy e in seguito lo osserva mentre commercializza farmaci e una conferenza con l’Uomo Giallo.
Dopo il fallimento del suo film Dune del 1984, David Lynch tentò di sviluppare una “storia personale”, in qualche modo caratteristica dello stile surrealista mostrato nel suo primo film Eraserhead (1977). Lo studio indipendente De Laurentiis Entertainment Group, all’epoca di proprietà del produttore cinematografico italiano Dino De Laurentiis, accettò di finanziare e produrre il film.
Il film è valso a Lynch la sua seconda nomination all’Oscar come miglior regista e ha raggiunto lo status di film cult. Pubblicazioni tra cui Sight & Sound, Time, Entertainment Weekly e BBC Magazine lo hanno classificato tra i più grandi film americani di sempre. Nel 2008 è stato scelto dall’American Film Institute come uno dei più grandi film gialli mai realizzati.
Eyes Wide Shut (1999)
Il film segue le esperienze sessuali del dottor Bill Harford (Tom Cruise), che è sorpreso quando sua moglie, Alice (Nicole Kidman), rivela di aver considerato di avere una relazione con uno sconosciuto un anno prima. Dopodiché intraprende un viaggio notturno nella città, durante il quale si infiltra nell’orgia di una società segreta.
Il dottor Bill Harford e sua moglie, Alice Harford, vivono a New York con la loro figlia Helena. Un ospite ungherese più anziano tenta di sedurre Alice e due giovani modelle tentano di sedurre Bill. La sera seguente, mentre fumano marijuana, Alice e Bill discutono dei loro episodi di tentazione sessuale. Bill dice ad Alice che non è geloso dell’attrazione degli altri uomini per lei perché ritiene che le donne siano naturalmente inclini alla fedeltà.
Dopo averla lasciata, incontra in strada una prostituta di nome Domino. Alice telefona quando iniziano a baciarsi, spingendo Bill a cambiare idea. Paga Domino per l’esperienza senza sesso e incontra l’amico Nick in un jazz club. Nick descrive uno spettacolo in cui deve suonare il piano con gli occhi bendati tra donne meravigliose. Gli ospiti hanno bisogno di un vestito, una maschera e una password. Bill va in un negozio di costumi e offre al proprietario, Milich, una somma di denaro per affittare un costume. All’interno del negozio, Milich è indignato quando sorprende la sua figlia adolescente di Milich a fare sesso con 2 ragazzi.
Bill prende un taxi per il castello menzionato da Nick. Fornisce la password per entrare e scopre che si sta svolgendo un rituale orgiastico. Una donna lo avverte che è in pericolo. Bill viene portate in una stanza gremita e smascherato dal maestro delle cerimonie. La donna che aveva effettivamente cercato di consigliare Bill interferisce e insiste anche per riscattarlo, a spese personali non rivelate. Bill viene liberato con l’avvertimento di non informare nessuno dell’accaduto.
Basato sul romanzo del 1926 Traumnovelle (Dream Story) di Arthur Schnitzler, il film trasferisce la storia dalla Vienna dell’inizio del XX secolo alla New York degli anni ’90. Stanley Kubrick ha ottenuto i diritti legali per le riprese di Dream Story negli anni ’60, considerandolo un’ottima storia per un adattamento cinematografico. Quando ha assunto lo scrittore Frederic Raphael per aiutarlo con l’adattamento, ha ripreso il progetto negli anni ’90. Il film, che è stato girato principalmente nel Regno Unito, oltre ad alcune riprese in esterni, include delle scene in esterni del Greenwich Village girate ai Pinewood Studios. La produzione del film, con 400 giorni, detiene il Guinness World Record per le riprese continue più lunghe.
Mulholland Drive (2001)
Il film racconta la storia di un’ambiziosa attrice di nome Betty Elms (Watts), da poco tempo arrivata a Los Angeles, che incontra una donna (Harring) che si sta riprendendo da un incidente. La storia racconta numerose altre situazioni e personaggi, incluso un regista di Hollywood.
Una donna dai capelli scuri è l’unica sopravvissuta a un incidente automobilistico a Mulholland Drive, una strada tortuosa sulle colline di Hollywood. Ferita e sotto shock, arriva a Los Angeles e si infila in un appartamento. Più tardi, la mattina presto, un’ambiziosa attrice di nome Betty Elms raggiunge la casa, che è abitata da sua zia Ruth. Betty è sorpresa di trovare la donna, che ha una perdita di memoria e si fa chiamare “Rita” dopo aver visto un poster del film Gilda con Rita Hayworth. Per aiutare la donna a ricordare la sua identità, Betty cerca nella borsa di Rita, dove trova una grande quantità di denaro e un’insolita chiave blu.
In un ristorante chiamato Winkie’s, un uomo racconta a un altro di un problema in cui immaginava di incontrare una figura orribile dietro la tavola calda. Quando esplorano il luogo, il mostro appare improvvisamente, facendo crollare scioccato l’uomo che ha avuto l’incubo. Altrove, il regista Adam Kesher fa requisire il suo film dai mafiosi, che insistono sul fatto che abbia scelto un’attrice non identificata di nome Camilla Rhodes come protagonista. Adam ritorna a casa per scoprire che la sua partner Lorraine lo tradisce con Gene. Quando i mafiosi bloccano la sua linea di credito, Adam si organizza per incontrare uno strano cowboy, che lo esorta in modo criptico a scegliere Camilla per il suo film. Nel frattempo, un sicario pasticcione tenta di sgraffignare un libro pieno di numeri di telefono e lascia anche tre persone morte.
Un agente di casting porta Betty in un teatro di posa in cui viene scelto il film The Sylvia North Story, diretto da Adam. Betty e Rita vanno all’appartamento di Diane Selwyn, dove una vicina dice loro che ha cambiato appartamento con Diane. Preoccupati, tornano all’appartamento di Betty, dove Rita si traveste con una parrucca bionda.
La coproduzione franco-americana è stata originariamente concepita come un pilota televisivo e gran parte del film è stata girata nel 1999 con il piano di David Lynch di mantenerla aperto per una potenziale serie. Lynch ha quindi fornito un finale al progetto, rendendolo un lungometraggio. Il risultato per metà pilota e per metà lungometraggio, insieme al caratteristico stile surrealista di Lynch, ha lasciato aperto all’interpretazione il significato generale degli eventi del film.
Classificato come thriller psicologico, Mulholland Drive è valso a Lynch il Prix de la mise en scène (Premio per il miglior regista) al Festival di Cannes 2001, condividendo il premio con Joel Coen per L’uomo che non c’era. Lynch ha anche ottenuto un’elezione all’Oscar come miglior regista. Il film ha rafforzato in modo significativo la fama della Watts ed è stato anche l’ultimo lungometraggio della star di Hollywood Ann Miller.
Mulholland Drive è generalmente considerato tra le migliori opere di Lynch; è stato classificato 28 ° nel sondaggio 2012 dei critici cinematografici di Sight & Sound sui migliori film mai realizzati, oltre a classificarsi in un sondaggio della BBC del 2016 sui migliori film del 2000.
Una vita migliore (2007)
Roma: Andrea Casadei è un giovane investigatore specializzato in audio intercettazioni che fa indagini commissionate da mariti traditi dalle mogli, o da genitori preoccupati da cosa fanno i propri figli fuori casa. Ma quello che lo interessa di più è comprendere l’animo umano, ascoltare conversazioni casuali nelle strade, conoscere cosa pensa la gente.
Piccolo film indipendente italiano diventato un cult in home video negli Stati Uniti, è un racconto che ci porta in una Roma cupa e desolata, una società svuotata da quei valori morali ed etici, dove domina l’individualismo e la corruzione dell’anima. Un film di Fabio Del Greco.
Il cigno nero (2010)
La storia si concentra su una produzione del balletto Il lago dei cigni di Tchaikovsky da parte della compagnia del New York City Ballet. Lo spettacolo prevede che una ballerina interpreti l’innocente e delicato White Swan, per il quale la ballerina professionista Nina Sayers (Portman) si adatta perfettamente, oltre all’oscuro e anche sensuale Black Swan, che sono qualità meglio incarnate dalla rivale Lily (Kunis). Nina è sconcertata da una sensazione di immenso stress quando scopre di portare a termine il proprio dovere, facendole perdere il senso della realtà e cadere nella follia.
Nina Sayers è una giovane donna che vive con la madre iperprotettiva, Erica, un’ex ballerina, e balla con una compagnia di New York City. Nina fa un’audizione per i ruoli e fa una prova impeccabile nei panni di Odette, ma non riesce a interpretare Odile. Nina chiede a Thomas di rivalutare il suo ruolo. Quando lui la bacia con la forza, lei lo morde e scappa dal suo posto di lavoro.
Più tardi quel giorno, Nina vede la lista di controllo del cast e scopre con sopresa di aver ricevuto i ruoli principali. A un gala che celebra il nuovo spettacolo, una Beth ubriaca l’accusa di aver fornito favori sessuali a Thomas in cambio del ruolo. Thomas crede che Beth stesse tentando il suicidio. Nina vede Beth dopo un incidente in ospedale e vede anche che le sue gambe sono state gravemente ferite, il che implica che sicuramente non avrà più la capacità di esibirsi come ballerina.
La sceneggiatura è stata scritta da Mark Heyman, John McLaughlin e Andres Heinz, basata su una storia iniziale di Heinz. Il film è interpretato da Natalie Portman, Vincent Cassel, Mila Kunis, Barbara Hershey e anche Winona Ryder.
Il regista ha considerato Black Swan un pezzo da accompagnamento al suo film del 2008 The Wrestler, con entrambi i film che raccontano di performance impegnative per diversi tipi di arte. Portman e Kunis si sono formati in danza classica per diversi mesi prima dell’inizio delle riprese.
Babycall (2011)
Anna e suo figlio di 8 anni Anders fuggono da un tragico passato famigliare: il padre del bambino è un uomo violento e pericoloso. Si trasferiscono in una casa segreta e Anna compra un babycall per tenere sotto controllo Anders mentre dorme. Una notte Anna si sveglia di soprassalto: dalla camera di Anders provengono dei rumori, sembra stia avvenendo un omicidio.
Noomi Rapace interpreta con bravura un personaggio inquieto e ossessionato del controllo. Una donna che non sorride mai, ombrosa, che cerca di salvare il suo fragile equilibrio mentale. Storia d’amore, maternità e violenza, tra grigi esterni cittadini e interni claustrofobici.
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Mio figlio (2017)
Julien è sempre in viaggio per lavoro. Le sue continue assenze da casa e l’incapacità di occuparsi di suo figlio Mathys hanno distrutto il suo matrimonio con Marie. Mentre si trova in Francia riceve un’inquietante chiamata dalla sua ex moglie: il loro bambino, che ora ha sette anni, è scomparso mentre faceva un campeggio sulle Alpi.
Partendo da uno spunto narrativo ben consolidato nel genere thriller, Mio figlio del regista francese Christian Carion è un film da non perdere soprattutto per lo stile con cui è stato girato. Concepito fin dall’inizio come un progetto da realizzare quasi in tempo reale, nell’arco di 6 giorni di riprese, il regista utilizza con il suo attore protagonista Guillaume Canet un metodo di improvvisazione radicale: non gli fa leggere nessuna sceneggiatura e gli chiede di vivere la tensione, la suspense e gli imprevisti della finzione come fossero avvenimenti reali, momento dopo momento.
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L’affido – una storia di violenza (2017)
Miriam Besson e Antoine Besson sono una coppia divorziata. Hanno una figlia che sta per compiere diciotto anni, Joséphine, e un figlio di undici anni, Julien. Miriam vuole tenere il figlio più piccolo lontano da suo padre, che lei accusa di essere un uomo violento. Chiede l’affidamento esclusivo di Julien: il bambino è traumatizzato non vuole più rivedere il padre.
In L’affido – una storia di violenza Xavier Legrand racconta i personaggi con grande umanità. Una vicenda drammatica in cui il piccolo Julien è destinato a perdere l’ingenuità della sua fanciullezza in una battaglia di sopravvivenza. Il film, girato con una stile sobrio ed intimista, mette in luce una visione amara e senza speranza della natura umana, con gli uomini che pur di sfuggire alla solitudine ed al fallimento, diventano persecutori violenti e assassini.
Guarda L’Affido – Una storia di violenza
Parasite (2019)
Il film, interpretato da Song Kang-ho, Lee Sun-kyun, Cho Yeo-jeong, Choi Woo-shik, Park So-dam, Jang Hye-jin e Lee Jung-eun, segue una famiglia povera che ha intenzione di essere utilizzata dai membri di una famiglia benestante e penetrare nella loro casa fingendosi individui competenti ed estremamente qualificati.
La famiglia Kim, il padre Ki-taek , la madre Chung-sook, la figlia Ki-jung e il figlio Ki-woo, vive in un piccolo appartamento seminterrato a Seoul, hanno un lavoro temporaneo a bassa retribuzione nel piegare scatole della pizza e lottano per sbarcare il lunario. Partendo per studiare all’estero e sapendo che il suo amico ha bisogno di soldi, un amico suggerisce a Ki-woo di fingere di essere uno studente universitario per assumere il suo lavoro di tutor di inglese per la figlia della ricca famiglia Park, Da-hye.
La famiglia Kim progetta di trovare un lavoro a ciascun membro della famiglia fingendosi lavoratori indipendenti e altamente qualificati per diventare servitori dei Park. Ki-jung finge di essere “Jessica” e, usando Ki-Woo come riferimento, diventa un’arte-terapeuta del giovane figlio dei Park, Da-song.
Quando i Park partono per una gita in campeggio, i Kim si divertono nei lussi della residenza prima che Moon-gwang appaia bruscamente alla porta, dicendo a Chung-sook di aver lasciato qualcosa nel seminterrato. Moon-gwang li filma sul suo telefono e minaccia di esporre il loro stratagemma ai Park.
Un temporale estremo porta presto a casa i Parks, così i Kim si affrettano a riordinare la casa e imprigionare Moon-gwang e Geun-sae prima del loro ritorno. I Kim nascondono Geun-sae e Moon-gwang nel seminterrato. La signora Park espone a Chung-sook che Da-song ha avuto un’esperienza traumatica che gli ha provocato convulsioni in una precedente festa di compleanno, quando ha visto un “fantasma” – in realtà Geun-sae – emergere dal seminterrato durante la notte. Prima che i Kim decidano di uscire allo scoperto, sentono i commenti sbrigativi del signor Park sull’odore di Ki-taek. I Kim trovano la loro casa allagata dall’acqua del sistema fognario a causa del forte temporale e sono costretti a rifugiarsi in una palestra con vari altri sfollati.
Parasite è stato presentato in anteprima al Festival di Cannes 2019 il 21 maggio 2019, dove è stato il primo film sudcoreano a vincere la Palma d’Oro. Il film è considerato da molti critici come il miglior film del 2019 e anche tra i migliori film del 21° secolo. Ha guadagnato oltre $ 263 milioni in tutto il mondo con un budget di $ 15,5 milioni. Tra i suoi numerosi riconoscimenti, Parasite ha vinto ben 4 premi alla 92a edizione degli Academy Awards: miglior film, miglior regista, miglior sceneggiatura originale e miglior film internazionale, diventando il primo film in lingua non inglese a vincere l’Oscar per il miglior film.
Parasite è il primo film sudcoreano a ottenere il riconoscimento dell’Oscar e uno dei 3 film a vincere sia la Palma d’Oro che l’Oscar per il miglior film. Ha vinto il Golden Globe Award per il miglior film in lingua straniera e anche il BAFTA Award per il miglior film non in lingua inglese, ed è anche diventato il primo film in lingua non inglese a vincere lo Screen Actors Guild Award per la performance eccezionale di un cast in un film.
