La New Hollywood, descritta anche come la New Wave americana o spesso chiamata Hollywood Renaissance, si riferisce a un movimento cinematografico americano dalla metà degli anni ’60 all’inizio degli anni ’80 che ha segnato la storia del cinema, quando una nuova generazione di giovani registi divenne importante negli Stati Uniti Stati. Hanno influenzato i tipi di film prodotti, la loro produzione, pubblicità e marketing, nonché i mezzi con cui si sono avvicinati alla realizzazione di film.
Nei film della New Hollywood, il regista, invece dello studio, ha affrontato un ruolo autoriale essenziale. La definizione di “New Hollywood” differisce, basandosi sull’autore, con alcuni che la definiscono come un movimento e altri come un periodo. Il periodo della durata è inoltre oggetto di controversia poiché alcuni autori, come Thomas Schatz, affermano che la New Hollywood contiene diverse attività. I film realizzati in questa attività sono stilisticamente identificati in quanto la loro storia spesso si discosta fortemente dagli standard classici. Dopo la morte del sistema degli studi e l’ascesa della televisione, il successo commerciale dei film è stato ridotto.
I film di successo della primissima era della New Hollywood includono Bonnie and Clyde, The Graduate, Night of the Living Dead, The Wild Bunch e Easy Rider, Heaven’s Gate e One from the Heart.
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Storia della New Hollywood
Con la fine delle proprietà delle catene cinematografiche da parte degli studi cinematografici e con l’arrivo della televisione (dove John Frankenheimer, Paddy Chayefsky e anche Sidney Lumet hanno lavorato nei loro primi anni), è stato danneggiato il tipico sistema di produzione degli studios. Il Technicolor ha stabilito un utilizzo ancora più diffuso, mentre processi widescreen e anche miglioramenti tecnologici, come CinemaScope, audio stereo e altri, come 3-D, sono stati creati per mantenere il mercato di riferimento in diminuzione e affrontare la televisione. Tuttavia, questi in genere non hanno avuto successo nell’aumentare i profitti. Nel 1957, la pubblicazione Life definì gli anni ’50 “il terribile decennio” di Hollywood.
Gli anni ’50 e l’inizio degli anni ’60 videro una Hollywood dominata da musical, poemi epici storici e altri film che beneficiavano di schermi più grandi, inquadrature più ampie e audio migliorato. Già nel 1957, l’era era soprannominata una “Nuova Hollywood” e i tentativi falliti di replicare il successo di The Sound of Music misero a dura prova gli studi.
Quando la generazione del baby boom divenne maggiorenne negli anni ’60, “Old Hollywood” stava rapidamente perdendo denaro; gli studios non erano sicuri di come reagire ai dati demografici del pubblico molto cambiati. Il cambiamento di mercato durante il periodo è passato da un pubblico di mezza età con istruzione superiore a metà degli anni ’60, a un pubblico più giovane, più benestante, con istruzione universitaria: a metà degli anni ’70, il 76% di tutti gli spettatori aveva meno di 30 anni , il 64% dei quali era andato al college.
I film europei, sia d’autore che commerciali (soprattutto la Commedia all’italiana, la New Wave francese, lo Spaghetti Western), e il cinema giapponese stavano facendo scalpore negli Stati Uniti: l’enorme mercato dei giovani disamorati sembrava trovare rilevanza e significato artistico in film come Blow Up di Michelangelo Antonioni, con la sua struttura narrativa obliqua e la nudità femminile a tutto campo.
L’ansia provata dagli studios durante questa durata di declino finanziario, così come dopo le perdite dovute a costosi flop, ha portato alla tecnologia e all’assunzione di rischi, consentendo un controllo maggiore da parte dei registi più giovani e dei produttori. Pertanto, nel tentativo di trovare quel mercato di riferimento che individuava un collegamento con i “film d’arte” europei, i workshop hanno impiegato una miriade di giovani registi e hanno consentito loro di realizzare i loro film con un controllo dello studio ragionevolmente scarso.
Alcuni di loro, come l’attore Jack Nicholson e il regista Peter Bogdanovich, sono stati guidati da “King of the B movie” Roger Corman, mentre altri come il famoso direttore della fotografia Vilmos Zsigmond hanno lavorato per registi di film di serie B meno noti come Ray Dennis Steckler. Nel 1962 fu realizzato Wild Guitar e anche il film musicale horror del 1963 The Incredibly Strange Creatures Who Stopped Living and Became Mixed-Up Zombies.
Questo, insieme al malfunzionamento del Codice di produzione cinematografica nel 1966 e anche al nuovissimo sistema di classificazione nel 1968 (rispecchiando la divisione di mercato in crescita) ha creato la situazione ideale per la New Hollywood.
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Bonnie e Clyde
Un film fondamentale della generazione New Hollywood è stato Bonnie e Clyde (1967). Creato e interpretato anche da Warren Beatty e guidato da Arthur Penn, il suo mix di violenza fisica e umorismo, oltre al suo stile di stravagante giovinezza disincantata, è stato un successo nei mercati target. Il film ha vinto gli Oscar come miglior attrice non protagonista (Estelle Parsons) e come miglior fotografia.
Quando Jack L. Warner, l’allora CEO della Warner Bros., vide per la prima volta Bonnie e Clyde nell’estate del 1967, lo odiava. I dirigenti della distribuzione della Warner Brothers furono d’accordo, fornendo al film una premiere di basso profilo e un’uscita limitata. Il loro approccio è apparso giustificato quando Bosley Crowther, critico cinematografico di medio livello del New York Times, ha dato al film una feroce critica.
A seguito di una delle recensioni negative, la rivista Time ha ricevuto lettere dai fan del film e, secondo il giornalista Peter Biskind, l’impatto della critica Pauline Kael nella sua recensione positiva del film (ottobre 1967, New Yorker) ha portato altri critici a seguire la sua strada e rivalutare il film (in particolare Newsweek e Time).
Kael ha richiamato l’attenzione sull’innocenza dei personaggi del film e sul merito artistico del contrasto di ciò con la violenza nel film: “In un certo senso, è l’assenza di sadismo – è la violenza senza sadismo – che sconvolge il pubblico nei confronti di Bonnie e Clyde. Kael ha anche notato la reazione del pubblico al climax violento del film e il potenziale di entrare in empatia con la banda di criminali in termini di ingenuità e innocenza che riflettono un cambiamento nelle aspettative del cinema americano .
La storia di copertina della rivista Time nel dicembre 1967, celebrava il cinema e la tecnologia nel cinema americano della New Wave. Questo importante articolo di Stefan Kanfer affermava che Bonnie e Clyde rappresentavano un “Nuovo Cinema” attraverso le sue linee di categoria oscurate, e anche negligenza per aspetti della trama e ispirazione, che “sia nella fecondazione che nell’implementazione, Bonnie così come Clyde è un’immagine spartiacque, del tipo che segnala uno stile nuovo di zecca, una nuova moda.”
Biskind specifica che questa recensione e il cambio di opinione di alcuni critici cinematografici hanno consentito la riedizione del film, verificandone così il successo industriale e rispecchiando anche l’approccio della New Hollywood. L’effetto di questo film è essenziale per comprendere il resto della New Wave americana, così come le condizioni che erano richieste per esso.
Questi successi iniziali hanno aperto la strada allo studio per cedere il controllo praticamente completo a questi giovani e ingegnosi registi. A metà degli anni ’70, film distintivi e scioccanti come Paper Moon, Quel pomeriggio di un giorno da cani (Dog Day Afternoon), Chinatown, così come Taxi Driver, tra gli altri, apprezzarono un notevole successo importante. Questi successi dei membri della New Hollywood hanno portato ciascuno di loro successivamente a fare richieste sempre più stravaganti, sia in studio che ad un certo punto anche sul mercato di riferimento.
Lo stile della New Hollywood
Questa nuova generazione di registi hollywoodiani è stata molto significativamente, dal punto di vista degli studios, giovane, di conseguenza in grado di raggiungere il mercato target dei giovani che stavano perdendo. Questo gruppo di giovani registi – attori, registi e scrittori – chiamato dalla stampa la “Nuova Hollywood”, ha trasformato brevemente l’attività dal sistema hollywoodiano del passato guidato dai produttori.
Todd Berliner ha effettivamente scritto delle insolite tecniche narrative. Gli anni ’70, afferma Berliner, segnano il miglioramento formale più significativo di Hollywood. I nuovi film di Hollywood si discostano dagli standard narrativi senza tempo più dei film di Hollywood di qualsiasi altra epoca o movimento. Berliner sostiene che cinque principi controllano le strategie narrative caratteristiche dei film hollywoodiani degli anni ’70: i film degli anni Settanta rivelano una propensione a integrare, con mezzi narrativi incidentali, dettagli del racconto e strumenti stilistici dannosi per gli obiettivi narrativi necessari del film .
I registi di Hollywood degli anni ’70 collocano spesso le loro pratiche di produzione cinematografica tra quelle della Hollywood classica e quelle del cinema d’arte europeo e asiatico. I film degli anni Settanta innescano reazioni degli spettatori più sconfortanti e incerte di quelle dei più normali film hollywoodiani. Le narrazioni degli anni Settanta pongono un’attenzione insolita sull’irrisolvibilità, in particolare sul momento culminante o negli epiloghi, quando i film più standard di Hollywood risolvevano questioni in sospeso.
Il cinema degli anni Settanta ostacola la linearità narrativa così come l’energia e affonda le sue possibilità di creare suspense e anche divertimento. Thomas Schatz indica un’altra differenza con l’età dell’oro di Hollywood, che si occupa del rapporto tra i personaggi e la trama. Sostiene che la trama nei film classici di Hollywood (e in alcuni dei primi film di New Hollywood come Il Padrino) “tendeva ad emergere in modo più organico in funzione delle pulsioni, dei desideri, delle motivazioni e degli obiettivi dei personaggi centrali”.
Durante l’apice del sistema degli studi, i film sono stati realizzati praticamente appositamente sul set in studi isolati. Il contenuto dei film era limitato dal Codice di produzione cinematografica e, sebbene i registi dell’età dell’oro trovassero tecnicismi nelle sue linee guida, le scene più proibite dei film furono limitate. Il cambiamento verso un “realismo nuovo di zecca” è stato reso possibile quando è stato presentato il sistema di colonne sonore dei film della Motion Picture Association of America e l’acquisizione stava diventando molto più fattibile. New York City era il luogo preferito per questa nuovissima generazione di registi a causa della sua atmosfera vivace.
A causa delle innovazioni nella tecnologia cinematografica (ad es. la fotocamera Panavision Panaflex, introdotta nel 1972), i cineasti di New Hollywood hanno potuto girare con pellicole da 35 mm in esterni con relativa facilità. I film documentari di DA Pennebaker, Maysles Brothers e Frederick Wiseman, tra gli altri, hanno influenzato anche i registi di quest’epoca.
Nel montaggio, i registi della New Hollywood hanno aderito al realismo in modo più liberale rispetto alla maggior parte dei loro predecessori della Hollywood classica, spesso utilizzando il montaggio per scopi artistici piuttosto che per la sola continuità, una pratica ispirata ai film d’arte europei e ai registi classici di Hollywood come DW Griffith e Alfred Hitchcock.
Il completamento del codice di produzione ha permesso ai film della New Hollywood di presentare temi politici anti-establishment, facendo uso del rock-and-roll, nonché della libertà sessuale considerata “controculturale” dagli studios. Il movimento per i giovani degli anni ’60 ha trasformato antieroi come Bonnie e Clyde così come Cool Hand Luke in idoli della cultura pop, e la rivista Life ha definito le personalità di Easy Rider “parte del mito fondamentale principale della controcultura della fine degli anni ’60”.
Easy Rider ha inoltre influenzato il metodo che gli studi volevano per raggiungere il mercato giovanile. Il successo di Midnight Cowboy, nonostante il suo punteggio “X”, era la prova dell’interesse, oltre a rivelare anche la debolezza del sistema di rating e anche la divisione del mercato di riferimento.
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Cos’è la New Hollywood?
Per Peter Biskind, la nuova ondata è stata prefigurata da Bonnie e Clyde ed è iniziata sul serio anche con Easy Rider. La pubblicazione di Easy Riders e Raging Bulls afferma che il movimento di New Hollywood ha segnato un notevole cambiamento verso opere prodotte separatamente e all’avanguardia da una nuova era di registi, ma che questo cambiamento ha iniziato a invertirsi quando il successo industriale di Jaws e Star Wars hanno portato alla consapevolezza da parte degli studios dell’importanza dei film indipendenti, del marketing e del controllo sulla produzione.
Scrivendo nel 1968, la critica cinematografica Pauline Kael ha affermato che il significato di Il Laureato (The Graduate) era nella sua importanza sociale nei confronti di un nuovo pubblico giovane, e anche nel dovere dei mezzi di informazione, in opposizione a qualsiasi tipo di elemento fantasioso. Kael ha affermato che anche la comprensione da parte degli studenti universitari di The Graduate non era diversa dal pubblico che comprendeva i personaggi dei film drammatici degli anni precedenti.
John Belton indica il gruppo in trasformazione verso mercati target anche più giovani e più conservatori a metà degli anni ’70 (50% di età compresa tra 12 e 20 anni) e il trasferimento a motivi meno politicamente sovversivi nel cinema mainstream, che ha visto la metà e la fine degli anni ’70 con la diminuzione dell’attività dei cinema d’arte come una sostanziale pressione del settore con il suo massimo nel 1974-75 con Nashville e Chinatown.
Secondo l’autore e critico cinematografico Charles Taylor, ha affermato che “gli anni ’70 rimangono il 3°e ultimo periodo formidabile nei film americani”. L’autore AD Jameson ha dichiarato che Star Wars è stato il miglior risultato di New Hollywood che in effetti simboleggiava le caratteristiche dei “film per adulti importanti e innovativi”.
Critiche alla New Hollywood
Questa era del cinema americano è stata anche criticata per la sua estrema decadenza e anche per le disavventure sul set. Persino Steven Spielberg, che ha co-diretto/co-prodotto Twilight Zone: The Movie del 1983 con John Landis, si è vergognato così tanto della gestione da parte di quest’ultimo del pericoloso incidente in elicottero che ha portato alla morte dell’attore Vic Morrow e dei giovani Myca Dinh Le e Renee Shin-Yi Chen, che ha rotto ogni rapporto. Quando è stato contattato dalla stampa in merito all’incidente, ha dichiarato: “Nessuno merita di morire in un film. Penso che le persone si oppongano molto più ora che mai a registi e produttori che chiedono troppo. Se qualcosa non è privo di rischi, è diritto oltre che obbligo di ogni star o partecipante dello staff gridare: ‘Taglia!’
Patrimonio della New Hollywood
I film di Steven Spielberg, Brian De Palma, Martin Scorsese e Francis Ford Coppola hanno influenzato sia il genere Poliziotteschi in Italia che, un anno dopo, anche l’attività del Cinéma du look in Francia. Il Cinema Eccentrico Americano è stato influenzato da quest’epoca. Entrambe le tradizioni hanno temi e narrazioni simili dell’esistenzialismo e del bisogno di interazione umana. In confronto, il cinema eccentrico americano non ha un contesto distinto, i suoi film mostrano personaggi che sono molto individualisti e le loro preoccupazioni riguardano la propria personalità.
