Questa guida è un’esplorazione dell’intera psiche nazionale. È un percorso che unisce i grandi capolavori che hanno definito l’isola a un cinema alternativo più crudo e personale. Esploreremo le cicatrici della storia, la solitudine dei paesaggi rurali, l’energia caotica della vita urbana e le radici profonde del folklore.
Capitolo 1: L’Eco della Storia – Conflitto, Memoria e Identità Spezzata
Il cinema irlandese non tratta la storia come un reperto da museo, ma come una ferita aperta, un trauma collettivo che pulsa sotto la pelle del presente. I film di questo capitolo non sono lezioni accademiche; sono drammi umani viscerali che utilizzano il linguaggio potente del cinema di genere – dal film di guerra al western di vendetta, dal docudrama al body horror – per deostruire e re-interrogare la narrazione nazionale. Attraverso storie personali di rottura familiare e sacrificio, questi registi rendono il peso della Guerra d’Indipendenza, della Guerra Civile, della Grande Carestia e dei Troubles un’esperienza emotiva tangibile, dimostrando che per l’Irlanda il passato non è mai veramente passato.
The Wind That Shakes the Barley (Il vento che accarezza l’erba) (2006)
Nella Contea di Cork del 1920, due fratelli si uniscono all’Irish Republican Army per combattere per l’indipendenza. Damien, un giovane medico, abbandona la sua carriera a Londra per la causa. Quando il Trattato Anglo-Irlandese divide la nazione, i due fratelli si trovano su fronti opposti nella successiva e brutale Guerra Civile, trasformando il legame familiare in una tragica linea di battaglia.
L’opera di Ken Loach, vincitrice della Palma d’Oro, è un esempio magistrale di come il conflitto storico sia, nella sua essenza, una storia di frattura personale e familiare. Lo stile crudo e social-realista del regista britannico spoglia la guerra di ogni romanticismo, concentrandosi sulle laceranti divisioni ideologiche che hanno devastato comunità e famiglie. La disputa sul Trattato Anglo-Irlandese non è presentata come un astratto dibattito politico, ma come una scelta devastante tra una pace imperfetta e una lotta idealistica, un dilemma che riecheggia in gran parte della storia irlandese. Il titolo stesso, tratto da una ballata nazionalista, radica la lotta politica nel suolo stesso della nazione, trasformando il paesaggio irlandese da sfondo idilliaco a testimone silenzioso di una tragedia fratricida.
Hunger (2008)
Il film offre una rappresentazione intensa e quasi astratta degli ultimi giorni di Bobby Sands, membro dell’IRA che nel 1981 guidò lo sciopero della fame nella prigione di Maze. La sua protesta mirava a ottenere il riconoscimento dello status di prigioniero politico da parte del governo britannico, trasformando il proprio corpo nell’ultima arma di resistenza.
L’esordio alla regia di Steve McQueen è meno un film narrativo e più un’opera di body art e resistenza politica. Trascendendo il dialogo, si concentra sull’orrore fisico e psicologico della prigionia e dello sciopero, costringendo lo spettatore a confrontarsi con i limiti estremi a cui un essere umano è disposto a spingersi per essere ascoltato. La sua potenza non risiede tanto nella pur magistrale sequenza centrale, un lungo piano sequenza di dialogo tra Sands e un prete, quanto nella sua osservazione silenziosa e inflessibile della sofferenza come atto politico definitivo. Hunger non racconta semplicemente un evento storico; ne incarna la brutalità e la disperazione, trasformando il corpo di Michael Fassbender in una tela di dolore e sfida.
Bloody Sunday (2002)
Questo docudrama ricostruisce con meticolosa precisione gli eventi del 30 gennaio 1972 a Derry, nell’Irlanda del Nord, noti come “Bloody Sunday. La narrazione segue Ivan Cooper, attivista per i diritti civili e organizzatore di una marcia pacifica che si trasformò in un massacro quando i paracadutisti britannici aprirono il fuoco sui manifestanti disarmati.
Paul Greengrass utilizza uno stile cinetico, quasi da reportage di guerra, che immerge lo spettatore nel caos e nel terrore di quella giornata. Evitando una struttura narrativa tradizionale, il film raggiunge un senso straziante di immediatezza e verità, quasi come se si stesse assistendo agli eventi in tempo reale. Cattura un momento cruciale in cui un movimento pacifico per i diritti civili fu accolto con la violenza di stato, un evento che alimentò il conflitto per decenni. Bloody Sunday è una testimonianza del potere del cinema di farsi testimone, di reclamare una narrazione storica dalle versioni ufficiali e di dare voce alle vittime.
Black ’47 (2018)
Ambientato durante l’anno più devastante della Grande Carestia, il 1847, il film segue Martin Feeney, un ranger irlandese che diserta l’esercito britannico per tornare a casa nel Connemara. Trova la sua famiglia distrutta dalla fame e dagli sfratti e intraprende un brutale percorso di vendetta contro coloro che ritiene responsabili.
Black ’47 è un film fondamentale per essere una delle poche opere di finzione ad affrontare direttamente la tragedia della Carestia. Inquadra la catastrofe storica attraverso la lente del western di vendetta, una scelta di genere che traduce l’orrore astratto della fame in una ricerca tangibile e personale di giustizia. Sebbene alcuni dettagli storici siano romanzati per esigenze drammatiche, il film descrive con potenza la crudeltà sistemica e l’indifferenza che definirono quell’era, evidenziando la complicità non solo dei proprietari terrieri britannici ma anche dei collaborazionisti irlandesi. L’uso della lingua irlandese aggiunge un ulteriore strato di autenticità e di sfida culturale, rendendo il film un western gotico radicato nel trauma nazionale.
Una visione curata da un regista, non da un algoritmo
In questo video ti spiego la nostra visione
Capitolo 2: Anima Rurale – Terra, Fede e Silenzio
Nel cinema indipendente irlandese, il paesaggio rurale è un’entità paradossale. È contemporaneamente un luogo di sbalorditiva bellezza naturale e di profondo isolamento psicologico. Non è uno spazio di fuga, ma un contenitore di traumi irrisolti, segreti inconfessabili e pressioni sociali soffocanti. Questi film sovvertono l’immagine da ufficio del turismo, rivelando la campagna irlandese come un complesso terreno psicologico dove i personaggi, spesso in silenzio, devono affrontare i propri demoni interiori. La terra stessa sembra conservare la memoria sia della comunità che della reclusione.
Garage (2007)
Josie è il custode solitario e un po’ tardo di una fatiscente stazione di servizio nella campagna irlandese. Considerato un innocuo strambo dalla comunità locale, la sua vita semplice e ripetitiva viene sconvolta quando la sua goffa ricerca di affetto e amicizia lo porta inavvertitamente a infrangere un tabù sociale, con conseguenze devastanti.
Il film di Lenny Abrahamson è un capolavoro di osservazione silenziosa. Cattura la specifica solitudine delle Midlands irlandesi, un luogo di routine e giudizi inespressi. La performance di Pat Shortt nei panni di Josie è di una sfumatura straziante, ritraendo un uomo dall’innocenza infantile in un mondo che non ha più posto per lui. Il film è una critica sottile ma potente alla crudeltà casuale delle piccole comunità e al modo in cui gli outsider sociali vengono tollerati fino a quando non diventano un problema, per poi essere ostracizzati. È uno sguardo toccante su un’Irlanda dimenticata, lontana dal boom economico della Tigre Celtica.
Calvary (Calvario) (2014)
Padre James, un prete di buon cuore in una piccola e ventosa città costiera, riceve una minaccia di morte durante una confessione: verrà ucciso la domenica successiva. L’assassino designato è una vittima di abusi da parte di un altro prete, e intende uccidere un innocente per rendere il suo gesto più scioccante. Padre James ha una settimana per mettere in ordine i suoi affari e confrontarsi con l’oscurità e il cinismo dei suoi parrocchiani.
John Michael McDonagh utilizza la struttura di un thriller-mystery per condurre una profonda disamina della fede, del perdono e dell’eredità degli scandali della Chiesa Cattolica nell’Irlanda moderna. Padre James, interpretato magnificamente da Brendan Gleeson, diventa una figura cristologica, un uomo innocente costretto a portare i peccati di un’istituzione corrotta. Il film è un potente dialogo sulla possibilità della bontà in un mondo post-fede, ambientato contro la splendida ma spietata costa atlantica, che rispecchia il tumulto spirituale del prete.
The Quiet Girl (An Cailín Ciúin) (2022)
Nell’Irlanda rurale del 1981, Cáit, una bambina di nove anni trascurata e introversa, viene mandata a vivere per l’estate con dei lontani parenti. Nella loro casa, per la prima volta, sperimenta l’affetto e la cura. Mentre sboccia lentamente in questo ambiente amorevole, scopre anche un doloroso segreto familiare che la coppia ospitante custodisce in silenzio.
Questo film, nominato all’Oscar, è una pietra miliare per il cinema in lingua irlandese. La sua forza risiede nella sua squisita delicatezza e nella sua attenzione a ciò che non viene detto. Il regista Colm Bairéad costruisce un mondo visto interamente attraverso gli occhi di una bambina, dove piccoli gesti di gentilezza diventano eventi monumentali. Il film contrappone una casa di povertà emotiva con una di amore silenzioso e nutriente, esplorando i temi del lutto, dell’affido e del potere trasformativo della cura. È una testimonianza commovente dell’idea che una casa non è un luogo, ma un sentimento di appartenenza.
The Butcher Boy (Garzone) (1997)
In una piccola città irlandese dei primi anni ’60, il dodicenne Francie Brady si rifugia in un mondo fantastico e violento per sfuggire alla realtà della sua famiglia disfunzionale. Con una madre depressa e un padre alcolista, la sua sanità mentale si deteriora progressivamente, portandolo a compiere atti di brutalità crescente che sconvolgono la comunità.
L’adattamento di Neil Jordan del romanzo di Patrick McCabe è una commedia nera surreale e profondamente disturbante che frantuma l’immagine idilliaca dell’Irlanda rurale degli anni ’60. Il film utilizza la narrazione sempre più squilibrata di Francie e le sue sequenze di fantasia – che spesso includono una Vergine Maria sboccata e cinica – per esplorare il danno psicologico causato dall’alcolismo, dalla malattia mentale e dall’ipocrisia opprimente della vita di provincia. È un’opera audace e geniale che espone il ventre oscuro di un’epoca apparentemente innocente, mostrando come la repressione e il silenzio possano incubare la follia.
Capitolo 3: Battiti Urbani – La Dublino tra Sogni Infranti e Cruda Realtà
La rappresentazione cinematografica indipendente di Dublino rivela una città di profonde dualità: è contemporaneamente un paesaggio di fallimento sociale – dipendenza, criminalità, povertà – e un crogiolo di creazione artistica e fuga. Questa dicotomia riflette la complessa realtà dell’Irlanda post-Tigre Celtica, una società che ha vissuto un rapido cambiamento economico che ha generato sia opportunità che profonde fratture sociali. In questo contesto, la musica, in particolare, emerge come il veicolo primario per la trascendenza, un atto di sfida creativa contro le forze del degrado. Dublino, in questi film, non è solo una location; è un campo di battaglia simbolico tra decadenza e creazione.
Adam & Paul (2004)
Il film segue una giornata nella vita di due eroinomani di Dublino, legati da un’amicizia di lunga data e dalla necessità. La loro esistenza è un ciclo perpetuo e desolante: svegliarsi, cercare disperatamente i soldi per la dose successiva attraverso piccoli furti e imbrogli, e ricominciare. Oggi, però, la loro fortuna sembra essere definitivamente esaurita.
Spesso descritto come un moderno Aspettando Godot, questo film offre un ritratto desolato ma tenero della vita ai margini della Dublino della Tigre Celtica. Il regista Lenny Abrahamson e lo sceneggiatore Mark O’Halloran trovano un umorismo tragico e beckettiano nella ricerca ripetitiva e senza meta del duo. Il film evita il giudizio morale, offrendo invece uno sguardo profondamente umano sulla persistenza dell’amicizia in mezzo alla devastazione più totale, catturando un lato di Dublino che il boom economico ha lasciato indietro.
Once (Una volta) (2007)
Un musicista di strada di Dublino che ripara aspirapolveri nel negozio di suo padre incontra una giovane immigrata ceca che vende fiori. Legati dal loro amore condiviso per la musica, i due trascorrono una settimana fatidica collaborando alla scrittura e alla registrazione di una serie di canzoni sentite, che raccontano le loro storie personali di amore e perdita.
Girato con un micro-budget e un’estetica cruda, quasi documentaristica, Once ha catturato il cuore del pubblico di tutto il mondo, vincendo un Oscar per la migliore canzone originale. L’autenticità del film è la sua più grande forza; la musica sgorga naturalmente dalla vita dei personaggi e le strade di Dublino diventano un personaggio a pieno titolo. È una storia d’amore tranquilla e meravigliosamente realistica che, in definitiva, parla del processo creativo e delle connessioni fugaci che possono cambiare una vita.
Intermission (2003)
Dopo una rottura sentimentale maldestra, le vite di una dozzina di abitanti di Dublino – criminali di piccolo calibro, amanti insoddisfatti, un poliziotto in cerca di fama e un impiegato di banca insicuro – si intrecciano in modo violento ed esilarante. Un piano per rapinare la banca dove lavora il nuovo fidanzato della sua ex ragazza mette in moto una caotica catena di eventi.
Questo film cattura perfettamente l’energia frenetica della Dublino post-boom. Il suo cast corale e le sue trame intrecciate riflettono una città in transizione, dove i valori tradizionali si sono sgretolati e tutti si trovano in uno stato di flusso. L’umorismo cinico del film e le sue improvvise esplosioni di violenza creano il ritratto di una società iper-connessa ma profondamente alienata. È un testo chiave per comprendere le ansie dell’Irlanda urbana moderna, una commedia nera che pulsa al ritmo caotico della città.
Sing Street (2016)
Nella Dublino degli anni ’80, in piena recessione economica, l’adolescente Conor viene trasferito in una rude scuola pubblica. Per sfuggire ai problemi familiari e al bullismo, e per impressionare una ragazza misteriosa e aspirante modella, decide di formare una band. Ispirato dalla musica dell’epoca, dai Duran Duran ai The Cure, trova la sua voce e un modo per sognare un futuro diverso.
Il seguito spirituale di Once di John Carney è un’ode gioiosa e nostalgica al potere della musica come forma di evasione. Ambientato sullo sfondo della crisi economica, il film mostra come la creatività possa essere un’ancora di salvezza per i giovani in un ambiente desolante. È un film “feel-good” che non ignora le dure realtà della Dublino degli anni ’80, ma celebra l’ottimismo ribelle di chi crea arte di fronte alle avversità, dimostrando che una canzone può davvero salvarti la vita.
Cardboard Gangsters (2017)
Un gruppo di giovani di Darndale, un quartiere difficile di Dublino, decide di entrare nel traffico di droga per guadagnare soldi facili e rispetto. Guidati da Jay Connelly, tentano di prendere il controllo del territorio da un boss locale, ma la loro ricerca di uno stile di vita fatto di potere e sesso li trascina rapidamente in una spirale di violenza brutale e senza ritorno.
Uno sguardo crudo e senza compromessi sulla moderna cultura delle gang nelle periferie dimenticate di Dublino. . È un’opera desolante, violenta e necessaria su una generazione lasciata a se stessa, dove il desiderio di rispetto si manifesta nei modi più distruttivi.
Kisses (2008)
Kylie e Dylan, due preadolescenti vicini di casa che vivono in famiglie disfunzionali alla periferia di Dublino, decidono di scappare insieme durante le vacanze di Natale. La loro fuga li porta a trascorrere una notte magica e allo stesso tempo pericolosa per le strade della città, alla ricerca del fratello maggiore di Dylan, la loro unica speranza.
Il film di Lance Daly è una favola moderna che contrappone la cupa realtà della vita domestica dei bambini, girata in un netto bianco e nero, con l’avventura vibrante e colorata della loro notte a Dublino. La città diventa un paesaggio fantastico di meraviglia e pericolo. È un’esplorazione toccante dell’innocenza e della resilienza infantile, che cattura la prospettiva di due bambini che navigano in un mondo di adulti che li ha delusi, trovando rifugio e forza solo l’uno nell’altro.
Capitolo 4: L’Ombra della Croce – Il Cinema che Sfida l’Istituzione
I film di questo capitolo rappresentano un cambiamento culturale cruciale in Irlanda: lo smantellamento cinematografico dell’autorità morale della Chiesa. Funzionano come atti di testimonianza storica, dando voce a coloro che sono stati messi a tacere dall’istituzione. Fondamentalmente, non si limitano a incolpare singoli individui – una suora crudele, un prete sadico – ma espongono la natura sistemica dell’abuso, implicando lo Stato e una società complice. Il cinema è diventato un forum pubblico vitale per una conversazione che la nazione era finalmente pronta ad affrontare. Questi film non sono solo arte; sono prove.
The Magdalene Sisters (2002)
Negli anni ’60, quattro giovani donne vengono rinchiuse in un “Magdalene Asylum“, una sorta di istituto penale gestito da suore. I loro “peccati” vanno dall’essere una madre non sposata, all’essere vittima di stupro, o semplicemente essere considerate troppo attraenti o ingenue. All’interno, subiscono abusi fisici e psicologici, costrette a lavorare in condizioni di schiavitù nelle lavanderie dell’istituto.
Il film di Peter Mullan è un atto d’accusa furioso e devastante contro la collusione tra Chiesa e Stato che ha permesso alle Lavanderie Magdalene di operare per decenni. Espone l’abuso sistematico subito dalle donne, mettendo in luce un periodo di intensa repressione sociale e sessuale in Irlanda. È un’opera di attivismo cinematografico, che ha costretto la nazione a fare i conti con una parte nascosta e vergognosa del suo passato, dando finalmente voce a migliaia di donne le cui storie erano state cancellate.
Song for a Raggy Boy (2003)
Basato su una storia vera, il film è ambientato nel 1939 in una brutale scuola-riformatorio cattolica irlandese. Un nuovo insegnante laico, William Franklin, veterano della Guerra Civile Spagnola, si scontra con il regime sadico e violento imposto dai preti e dai frati che gestiscono l’istituto, cercando di proteggere i ragazzi e di insegnare loro il valore della dignità e della ribellione.
Quest’opera getta luce sulla cultura violenta delle scuole industriali irlandesi, un altro capitolo oscuro di abusi istituzionali. Il personaggio di Aidan Quinn, con la sua visione del mondo secolare e umanista, si scontra direttamente con la crudeltà autoritaria e basata sulla fede del prefetto della scuola. È una potente storia di coraggio individuale contro un sistema oppressivo e apparentemente intoccabile, che mostra come un singolo uomo possa tentare di fare la differenza anche nelle circostanze più disperate.
Breakfast on Pluto (2005)
Negli anni ’70, Patrick Braden, un giovane ragazzo abbandonato alla nascita sulla soglia della casa del prete locale, cresce sentendosi una ragazza. Ribattezzatasi “Kitten”, lascia la sua piccola e conservatrice città per la vibrante Londra, alla ricerca della madre perduta e di un posto nel mondo. Il suo viaggio picaresco si snoda attraverso il glamour del rock e la violenza dei Troubles, affrontati con un’arguzia e un’innocenza incrollabili.
Sebbene non sia incentrato esclusivamente sulla Chiesa, il vibrante film di Neil Jordan usa le origini della sua protagonista (figlia di un prete) come punto di partenza per una critica all’ipocrisia e alla rigidità dell’Irlanda cattolica. L’identità sgargiante e impenitente di Kitten è una ribellione diretta contro i costumi sociali e sessuali repressivi della sua educazione. Il film è una celebrazione della resilienza e dell’auto-creazione di fronte a una società che cerca di definirla e condannarla, un inno alla libertà individuale in un’epoca di rigidi confini.
Capitolo 5: Radici Mitiche e Incubi Moderni – Il Folklore Irlandese Rivisitato
I registi di genere irlandesi contemporanei stanno utilizzando il ricco patrimonio mitologico e folcloristico della nazione non come fonte di nostalgia, ma come un potente quadro allegorico per esplorare ansie distintamente moderne: la salute mentale, le paure materne, il processo del lutto e le pressioni sociali. Il folklore non è una reliquia; è un linguaggio vivo che i cineasti stanno adattando per articolare le paure inespresse del XXI secolo. L’antica figura del “changeling“, ad esempio, non è più solo una favola, ma un potente simbolo dell’esperienza terrificante e alienante di vedere una persona cara soccombere alla malattia mentale.
The Secret of Kells (2009)
![The Secret of Kells [Official Trailer, GKIDS] - Out now on Blu-ray, DVD & Digital!](https://blogs.indiecinema.it/wp-content/plugins/wp-youtube-lyte/lyteCache.php?origThumbUrl=https%3A%2F%2Fi.ytimg.com%2Fvi%2FtMPhHTtKZ8Q%2F0.jpg)
Nel IX secolo, il giovane monaco Brendan vive nella remota Abbazia di Kells, fortificata per resistere alle incursioni vichinghe. Quando arriva un maestro miniatore con un antico libro incompiuto, Brendan viene trascinato in un’avventura in una foresta incantata. Lì, con l’aiuto di una creatura fatata, deve affrontare antiche divinità pagane per completare il leggendario Libro di Kells.
Il film d’esordio dello studio Cartoon Saloon è un capolavoro visivamente sbalorditivo che fonde storia, mitologia e uno stile di animazione unico, ispirato al manoscritto stesso che celebra. L’opera crea un mondo in cui la magia pagana e la fede cristiana coesistono, e in cui l’atto della creazione artistica è presentato come la difesa definitiva contro l’oscurità dell’ignoranza e della violenza. È stato fondamentale per stabilire uno stile di animazione nazionale radicato nel patrimonio culturale irlandese, un vero e proprio gioiello del cinema indipendente.
A Dark Song (2016)
Una donna in lutto affitta una casa isolata e assume un cinico occultista per eseguire un estenuante rituale magico che dura mesi. Il suo obiettivo è contattare il figlio morto, ma il processo, che richiede un’enorme disciplina fisica e psicologica, scatena forze oscure e mette a dura prova la sua sanità mentale e la sua determinazione.
Un raro esempio di film horror sull’occulto trattato con una serietà quasi documentaristica. L’opera prima di Liam Gavin è un’esperienza claustrofobica e psicologicamente intensa che tratta il suo rituale magico con un realismo snervante. Il film è meno interessato ai “jump scares” che al processo estenuante del lutto, usando la struttura occulta come una potente metafora del viaggio disperato e pericoloso di una donna attraverso il proprio inferno personale per trovare una qualche forma di catarsi.
The Hole in the Ground (2019)
Dopo essersi trasferita in una casa isolata nella campagna irlandese, una giovane madre, Sarah, inizia a notare comportamenti inquietanti nel figlio Chris, specialmente dopo che il bambino scompare brevemente vicino a un’enorme voragine nella foresta. Sarah si convince sempre più che il bambino tornato da lei non sia suo figlio, ma un’entità sinistra che ne ha preso il posto.
Questo film attinge magistralmente all’antico folklore irlandese del “changeling” (il bambino sostituito), aggiornandolo come un moderno horror psicologico sull’ansia materna. La narrazione gioca abilmente con l’ambiguità: il bambino è un’entità soprannaturale o la madre soffre di un crollo psicologico come la sindrome di Capgras? L’inquietante foresta e la voragine del titolo diventano potenti simboli delle paure sconosciute della genitorialità, creando un’atmosfera di paranoia e terrore palpabile.
You Are Not My Mother (2021)
In un complesso residenziale di North Dublin, nella settimana che precede Halloween, la madre della giovane Char scompare. Quando ritorna, è stranamente cambiata, con un’energia e un comportamento che inquietano la famiglia. Char deve affrontare la terribile possibilità che sua madre sia stata sostituita da qualcosa di malvagio, legato a oscuri segreti del folklore irlandese.
L’esordio di Kate Dolan traspone brillantemente gli antichi miti del “changeling” in un contesto urbano e operaio contemporaneo. Il film utilizza i tropi del folk horror per esplorare temi di trauma ereditario e malattia mentale. Gli elementi soprannaturali diventano una potente allegoria della lotta di una figlia per comprendere la grave depressione della madre, dando vita a un horror unico, inquietante ed emotivamente risonante, che dimostra come le antiche paure possano ancora perseguitarci nei luoghi più moderni.
Sea Fever (2019)
L’equipaggio di un peschereccio irlandese, bloccato in una zona di esclusione nell’Atlantico, si imbatte in una misteriosa e gigantesca creatura marina. Presto scoprono che un parassita bioluminescente proveniente dalla creatura ha infettato la loro riserva d’acqua, minacciando le loro vite. La protagonista, una studentessa di biologia marina, deve usare la sua conoscenza scientifica per combattere la minaccia.
Un horror fantascientifico teso e intelligente che funziona come un’affascinante variazione su classici come Alien e La Cosa. La protagonista, una studentessa socialmente impacciata, porta una prospettiva scientifica e razionale all’orrore che si sta svolgendo, creando un avvincente conflitto tra superstizione, pragmatismo e il terrore dell’ignoto. È un “creature feature” claustrofobico e atmosferico, con un sapore marittimo distintamente irlandese, che esplora la paura del contagio e l’isolamento in mare aperto.
Grabbers (2012)
Quando una remota isola irlandese viene invasa da mostri tentacolari assetati di sangue, gli abitanti scoprono per caso l’unica debolezza delle creature: sono allergiche all’alcol. Per sopravvivere, l’intera comunità non ha altra scelta che barricarsi nel pub locale e ubriacarsi fino a perdere i sensi, sperando di diventare impalabili per gli invasori alieni.
Una commedia horror brillante ed esilarante che abbraccia e sovverte amorevolmente gli stereotipi irlandesi. Il film è una miscela perfetta di brividi da “creature feature” e umorismo tagliente e basato sui personaggi. È una premessa geniale eseguita con fascino e arguzia, che si traduce in uno dei film di genere irlandesi più puramente divertenti mai realizzati. Grabbers dimostra che a volte la soluzione più irlandese è anche la più efficace.
Vivarium (2019)
Una giovane coppia in cerca della prima casa visita un misterioso complesso residenziale chiamato Yonder, dove tutte le case sono identiche. Dopo che lo strano agente immobiliare svanisce, si ritrovano intrappolati in un labirinto suburbano senza fine. La loro unica speranza di fuga, a quanto pare, è crescere un bambino non umano che viene loro consegnato in una scatola.
Sebbene non sia esplicitamente basato sul folklore irlandese, questo surreale horror fantascientifico, una coproduzione irlandese, attinge a un incubo universale di conformismo suburbano e alle ansie della genitorialità. L’ambiente sterile e artificiale del film è una terrificante metafora della perdita di identità nella ricerca di una vita convenzionale. È un’allegoria inquietante e originale sulle trappole del “sogno” della casa di proprietà e della famiglia nucleare, un tema che risuona con le pressioni della società moderna.
Capitolo 6: Lo Spirito Indomabile – Commedia Nera e Surreale Irriverenza
La diffusa vena di commedia nera e surreale nel cinema indipendente irlandese è più di una scelta stilistica; funziona come una forma di resilienza culturale. È un meccanismo di difesa che permette ai personaggi (e al pubblico) di affrontare argomenti oscuri – morte, criminalità, malattia mentale – senza soccombere alla disperazione. In un paese con una storia intrisa di tragedia, l’umorismo nero diventa uno strumento di sopravvivenza e di sfida, un modo per guardare l’assurdità in faccia e ridere. Questa irriverenza è anche una forma di ribellione contro l’autorità e le convenzioni, una caratteristica chiave dello spirito indipendente che questi film incarnano.
The Guard (Un poliziotto da happy hour) (2011)
Il sergente Gerry Boyle è un poliziotto di una piccola città della contea di Galway, con una personalità conflittuale, un senso dell’umorismo sovversivo e una morale decisamente ambigua. Quando un omicidio locale lo mette sulla strada di un agente dell’FBI senza senso dell’umorismo che indaga su un traffico internazionale di droga, Boyle deve decidere se gli importa abbastanza da fare il suo lavoro.
Una lezione magistrale di commedia nera, guidata da una performance monumentale di Brendan Gleeson. Il film è una “commedia violenta e scoppiettante con un forte sapore irlandese” che sovverte le convenzioni del genere “buddy-cop” con il suo umorismo politicamente scorretto e la sua visione del mondo cinica. È un film esilarante e intelligente, profondamente e specificamente irlandese nella sua arguzia, nella sua attitudine e nel suo rifiuto di prendersi troppo sul serio.
Waking Ned Devine (Svegliati Ned) (1998)
Nel minuscolo villaggio irlandese di Tulaigh Mhór, due amici anziani, Jackie e Michael, scoprono che uno dei loro compaesani, Ned Devine, ha vinto alla lotteria nazionale. Quando si precipitano a casa sua per congratularsi, lo trovano morto per lo shock, con il biglietto vincente ancora in mano. Per evitare che la fortuna vada persa, l’intero villaggio cospira per impersonare Ned e reclamare il premio.
La quintessenza della “village comedy”, un film pieno di fascino stravagante e di personaggi eccentrici e amabili. Celebra la comunità, l’amicizia e un sano disprezzo per la burocrazia. È una farsa “feel-good” che attinge alla fantasia della fortuna collettiva, guidata da un umorismo gentile e bizzarro che l’ha resa un successo indipendente a livello internazionale. Waking Ned Devine è un promemoria del fatto che a volte la cosa più logica da fare è la più assurda.
Frank (2014)
Jon, un aspirante musicista senza particolare talento, si unisce per caso a una band pop d’avanguardia. Il leader del gruppo è l’enigmatico Frank, un genio musicale che nasconde perennemente il suo volto all’interno di un’enorme testa di cartapesta. Trascinato in un isolato cottage irlandese per registrare un album, Jon si ritrova in un mondo di creatività caotica e instabilità mentale.
Un’ode divertente, toccante e profondamente eccentrica all’arte outsider e al processo creativo. Liberamente ispirato al musicista della vita reale Frank Sidebottom, il film esplora il confine tra genio e follia con uno “slapstick delicato” e una sorprendente profondità emotiva. Satirizza la moderna fame di fama sui social media, pur essendo una tenera esplorazione della malattia mentale e della fragile natura della collaborazione artistica. Michael Fassbender, nascosto per quasi tutto il tempo, offre una performance straordinariamente espressiva.
Capitolo 7: Identità ai Margini – Storie di Outsider e Ribelli
L’ “outsider” nel moderno cinema indipendente irlandese è spesso un personaggio intrappolato dal suo ambiente e dalla sua reputazione. La sua lotta non è solo contro forze esterne, ma contro un’identità predefinita impostagli dalla sua piccola comunità. La loro ribellione è un tentativo di reclamare la propria narrazione. Questo riflette un tema più ampio in un paese dove l’identità – nazionale, religiosa, politica – è stata spesso fonte di conflitto e costrizione. Questi film suggeriscono che la lotta irlandese più importante oggi è quella dell’individuo per l’autodefinizione contro il peso delle aspettative della comunità e i fantasmi del passato.
A Date for Mad Mary (2016)
Appena uscita di prigione, “Mad” Mary torna nella sua città natale, Drogheda, e scopre che tutto è cambiato. La sua migliore amica, Charlene, sta per sposarsi e sembra averla lasciata indietro. Quando Charlene si rifiuta di darle un “più uno” al matrimonio, convinta che Mary non riuscirà a trovare un accompagnatore, Mary si imbarca in una disastrosa ricerca di un appuntamento, che la porta a un primo amore inaspettato e a una dolorosa resa dei conti con se stessa.
Un film duro, tenero ed esilarante sull’amicizia femminile, la sessualità e la lotta per sfuggire a una reputazione in una piccola città. La performance di Seána Kerslake è un tour de force, che cattura perfettamente l’esterno aggressivo e il cuore vulnerabile di Mary. Il film è una brillante esplorazione di quella difficile transizione verso l’età adulta, quando le amicizie di una vita si fratturano e si deve capire chi si è veramente, da soli.
Calm with Horses (L’ombra della violenza) (2019)
Nell’Irlanda rurale, Douglas “Arm” Armstrong, un ex pugile, lavora come temuto “enforcer” per la famiglia criminale Devers. Mentre cerca di essere un buon padre per suo figlio autistico, si ritrova diviso tra la lealtà verso la sua famiglia criminale e il desiderio di una vita diversa. La sua fedeltà viene messa alla prova quando gli viene chiesto di uccidere per la prima volta.
Un crime drama brutale e immersivo sulla mascolinità tossica e la ricerca di redenzione. Il film contrappone la violenza senza sconti del mondo criminale a momenti di quieta tenerezza tra il protagonista e suo figlio. È la storia potente e tragica di un uomo intrappolato tra due famiglie, che lotta per spezzare un ciclo di violenza che ha definito tutta la sua vita, ambientata in un paesaggio rurale che offre tanto isolamento quanto bellezza.
The Killing of a Sacred Deer (Il sacrificio del cervo sacro) (2017)
Steven Murphy è un carismatico chirurgo la cui vita idilliaca con la moglie e i due figli inizia a sgretolarsi quando prende sotto la sua ala Martin, un adolescente sinistro e senza padre. Quando Martin rivela le sue vere intenzioni, Steven è costretto a fare una scelta impensabile, un sacrificio straziante per espiare una colpa passata, basato su una maledizione che sembra provenire da un’antica tragedia greca.
Il film di Yorgos Lanthimos, una coproduzione irlandese, è un horror psicologico agghiacciante e profondamente inquietante che reimmagina una tragedia greca in un ambiente moderno e sterile. Il dialogo rigido e impassibile e l’atmosfera snervante creano un profondo senso di angoscia. Sebbene i suoi temi siano universali, il suo contesto produttivo lo colloca all’interno della moderna ondata di cinema irlandese artisticamente ambizioso e finanziato a livello internazionale. È un’opera profondamente scomoda e indimenticabile sulla colpa, le conseguenze e la terrificante logica della retribuzione.
Conclusione: Un Mosaico di Voci – Il Futuro del Cinema Irlandese
Questa esplorazione del cinema irlandese rivela un panorama artistico di una vitalità e diversità straordinarie. Dal realismo sociale di Lenny Abrahamson alla maestria nel genere di Cartoon Saloon, dall’umorismo nero dei fratelli McDonagh all’attivismo storico di Peter Mullan, emerge un corpo di opere che forma una conversazione collettiva e continua su cosa significhi essere irlandesi nel XXI secolo. Questa conversazione è complessa, contraddittoria e infinitamente affascinante.
La forza di questo cinema risiede nel suo rifiuto di offrire risposte semplici. È un cinema “impegnato con le politiche dell’identità” nel senso più ampio, che costantemente mette in discussione e ridefinisce se stesso. Non esiste un’unica “voce” irlandese, ma un mosaico di voci che raccontano storie di conflitto, fede, follia, resilienza e speranza. Il futuro, come suggerito dalla variegata produzione finanziata da Screen Ireland, è quello di una continua esplorazione attraverso tutti i generi, assicurando che il ritratto cinematografico dell’Irlanda rimanga dinamico e poliedrico come il paese stesso. L’invito finale è per voi, lettori e cinefili: cercate questi film, andate oltre la cartolina e scoprite la vera Irlanda, un fotogramma alla volta.
Una visione curata da un regista, non da un algoritmo
In questo video ti spiego la nostra visione
