La Guida Definitiva ai 40 Migliori Film su Rapine

Ecco una selezione curata di film indipendenti che incarnano perfettamente il genere della rapina, ma con una deviazione cruciale: abbiamo lasciato da parte i lustrini di Hollywood, i cast stellari di Ocean’s Eleven e la spettacolarità patinata di Heat. Questa non è una lista dei colpi più grandi, ma un’immersione nei più veri. È un viaggio nel cuore pulsante dell’heist movie, dove il crimine non è un’avventura glamour, ma un atto di disperazione, un’espressione di ribellione sociale o una tragica farsa umana.

Ci allontaniamo deliberatamente dalle produzioni delle major per esplorare un territorio più aspro, autentico e innovativo. Qui, il vero bottino non è il denaro nel caveau, ma la genialità stilistica nata da budget risicati, la profondità psicologica di personaggi imperfetti e la capacità del genere di farsi specchio delle ansie di una società. Dal noir esistenzialista francese al crudo realismo del Cine Quinqui spagnolo, dalla commedia nera britannica al nichilismo del poliziottesco italiano, scopriremo come registi di ogni nazionalità abbiano usato la struttura universale del “colpo” per raccontare storie uniche e potenti.

Questa è una guida per chi cerca nel cinema non solo intrattenimento, ma anche un punto di vista. Per chi crede che l’essenza di un film di rapina non risieda nella perfezione del piano, ma nel caos, nell’umanità e nella verità che emergono quando quel piano, inevitabilmente, va a rotoli. Preparatevi a un tour globale nel lato oscuro del sogno, dove il crimine è un linguaggio universale che parla di tutto, tranne che di soldi.

Le Radici del Colpo: I Maestri del Noir Francese

Il moderno film di rapina, con i suoi codici, i suoi rituali e la sua anima fatalista, è nato nei caffè fumosi e sulle strade bagnate di pioggia della Parigi del dopoguerra. Il polar francese ha trasformato il gangster movie americano in qualcosa di più freddo, filosofico ed esistenziale. In queste opere, il colpo non è un semplice atto criminale, ma un rito, una dimostrazione di professionalità e onore in un mondo che ne è privo. I registi di questa corrente hanno codificato la grammatica del genere: la meticolosa preparazione, la squadra di specialisti, il silenzio carico di tensione e l’inevitabilità del destino che attende i protagonisti.

Rififi (1955)

Tony “le Stéphanois”, un ladro esperto appena uscito di prigione, organizza un ultimo, audace colpo a una prestigiosa gioielleria parigina. Riunisce una squadra di specialisti per un piano apparentemente perfetto. Dopo aver eseguito la rapina con precisione chirurgica, l’avidità e la fragilità umana si insinuano nel gruppo, innescando una spirale di tradimenti e violenza che porterà tutti verso un tragico epilogo.

Rififi non è semplicemente un film su una rapina; è l’archetipo, il testo sacro da cui discende quasi tutto l’heist movie moderno. Il regista americano Jules Dassin, in esilio in Francia a causa della lista nera di McCarthy, infonde nella pellicola un senso di cinismo e fatalismo palpabile, trasformando un romanzo poliziesco in un’opera di puro cinema esistenzialista. Il film è un gelido trattato sulla professionalità come unica forma di morale in un universo corrotto, dove il codice d’onore tra ladri è l’ultimo baluardo contro il caos.

Il suo cuore pulsante è la leggendaria sequenza del colpo, lunga quasi trenta minuti e completamente priva di dialoghi o musica. Dassin ci costringe a un’esperienza di tensione quasi insopportabile, dove ogni scricchiolio del pavimento e ogni respiro affannoso diventano una sinfonia di suspense. In questa sequenza, la rapina diventa un balletto mortale, un rituale di precisione e abilità che eleva il crimine a una forma d’arte. È la dimostrazione che il vero spettacolo non è l’azione, ma la procedura, la meticolosa esecuzione di un piano che, per un breve istante, impone un ordine perfetto sul disordine del mondo.

Bob le flambeur (1956)

Bob, un ex gangster e giocatore d’azzardo incallito, vive una vita di routine nel quartiere parigino di Montmartre, rispettato da tutti, compresa la polizia. Dopo una serie di perdite sfortunate, decide di tornare in azione per un ultimo, grandioso colpo: svaligiare il casinò di Deauville. Con la meticolosità di un generale, assembla una squadra e pianifica ogni dettaglio, ma la sua stessa dipendenza dal gioco minaccia di mandare tutto all’aria.

Se Rififi è un’opera di gelido realismo, Bob le flambeur è il suo corrispettivo romantico e malinconico. Jean-Pierre Melville, ossessionato dal cinema gangsteristico americano, non si limita a imitarlo, ma lo distilla in una forma puramente francese, intrisa di un’eleganza esistenziale e di un profondo amore per i suoi personaggi. Il film è meno interessato alla meccanica del colpo che all’anima del suo protagonista. Bob non è un criminale spietato, ma un aristocratico del crimine, un uomo governato da un codice d’onore personale che lo rende quasi una figura mitologica.

Lo stile di Melville è già qui inconfondibile: i trench, le sigarette perennemente accese, i dialoghi laconici e un’atmosfera notturna che trasforma Parigi in un palcoscenico metafisico. La rapina stessa diventa quasi secondaria rispetto al ritratto di un uomo che sfida il destino. Il finale, geniale e beffardo, sovverte le convenzioni del genere, suggerendo che per un giocatore come Bob, la vera vittoria non sta nel bottino, ma nel gioco stesso, nell’atto di sfidare la sorte con stile.

Le Cercle Rouge (1970)

Un ladro aristocratico appena uscito di prigione, un evaso braccato dalla legge e un ex poliziotto alcolizzato si incontrano per caso, uniti dal destino per compiere una rapina perfetta a una gioielleria parigina. Mentre pianificano il colpo con fredda professionalità, un commissario tenace e implacabile si mette sulle loro tracce. I loro percorsi, destinati a incrociarsi, li condurranno inevitabilmente all’interno del “cerchio rosso” della violenza e della morte.

Le Cercle Rouge rappresenta l’apice del minimalismo criminale di Jean-Pierre Melville, un’opera quasi astratta nella sua purezza stilistica. Il film è un poema epico sulla solitudine, il fato e il rigore professionale, dove ogni gesto e ogni silenzio hanno un peso enorme. Melville spoglia il genere di ogni sentimentalismo, riducendolo a un rituale quasi sacro, governato da un codice non detto che unisce criminali e poliziotti in una danza mortale. La tavolozza di colori freddi, dominata da grigi e blu, crea un mondo desolato e senza speranza.

Ispirandosi ancora una volta a Rififi, la sequenza della rapina è un capolavoro di cinema puro: venticinque minuti di silenzio assoluto, in cui l’unica colonna sonora è il ticchettio degli strumenti e il suono dei corpi che si muovono con precisione millimetrica. Non è solo suspense, è una meditazione sulla perizia come forma di esistenza. Il film incarna la filosofia di Melville secondo cui tutti gli uomini, che siano dalla parte della legge o contro di essa, sono prigionieri dello stesso destino, intrappolati in un cerchio da cui non c’è via d’uscita.

Bande à part (1964)

Due amici spensierati e cinefili, Franz e Arthur, incontrano la timida Odile, che rivela loro con noncuranza che una grossa somma di denaro è nascosta nella villa dove vive con la zia. Ispirati dai film gangster che amano, i due improvvisano un piano per rubare i soldi, trascinando Odile nella loro maldestra avventura. Tra corse al Louvre, lezioni di inglese e un’iconica coreografia in un caffè, il loro gioco criminale si scontra con la dura realtà.

Mentre Melville perfezionava il genere heist, Jean-Luc Godard si divertiva a smontarlo pezzo per pezzo. Bande à part è l’antitesi della precisione di Rififi o Le Cercle Rouge. È una decostruzione giocosa e anarcoide, in cui i protagonisti non sono professionisti del crimine, ma sognatori che “giocano a fare i gangster”, imitando le pose e i dialoghi visti al cinema. Il colpo in sé è quasi un pretesto, un MacGuffin che permette a Godard di esplorare i suoi temi preferiti: l’amore, la giovinezza, la libertà e il cinema stesso.

Il film sovverte ogni convenzione narrativa. La trama si ferma per lasciare spazio a digressioni poetiche e momenti di pura gioia cinematografica, come la celebre scena del ballo “Madison” o la corsa da record attraverso le sale del Louvre. Godard interrompe il flusso, si rivolge allo spettatore, gioca con il suono e l’immagine, ricordandoci costantemente che stiamo guardando un film. È un’opera che celebra l’improvvisazione e la spontaneità, trasformando una storia di rapina in un inno malinconico e affascinante alla Nouvelle Vague e alla sua irrefrenabile voglia di reinventare il cinema.

L’Ironia Britannica: Commedia Nera e Realismo Spietato

Il cinema britannico ha sempre affrontato il genere della rapina con un approccio distintivo, oscillando tra due estremi apparentemente inconciliabili. Da un lato, le commedie raffinate degli Ealing Studios, che usano il crimine come pretesto per una satira arguta sulla lotta di classe e l’eccentricità nazionale. Dall’altro, un filone di thriller crudi e violenti che dipingono un quadro spietato del sottobosco criminale, dove l’onore è una parola vuota e la sopravvivenza l’unico codice. Questa dualità riflette le tensioni di una nazione, tra il mito del “piccolo uomo” che sfida il sistema e la dura realtà di una società divisa.

The Lavender Hill Mob (La banda di Lavender Hill) (1951)

Henry Holland è un impiegato di banca timido e meticoloso che da vent’anni supervisiona trasferimenti di lingotti d’oro, sognando segretamente il colpo perfetto. L’occasione si presenta quando incontra Alfred Pendlebury, un artista che produce souvenir di metallo, tra cui repliche della Torre Eiffel. Insieme, architettano un piano geniale: rubare l’oro, fonderlo e contrabbandarlo in Francia sotto forma di innocui souvenir turistici.

Questo film è l’essenza della commedia Ealing, un capolavoro di umorismo sottile e satira sociale. La rapina non è un atto di violenza, ma un’impresa quasi artigianale, un’espressione di creatività e ribellione contro la monotonia della vita borghese. Il film celebra l’ingegno del “piccolo uomo” contro il potere impersonale delle istituzioni. La comicità nasce dal contrasto tra l’audacia del piano e la natura assolutamente inadeguata dei suoi artefici, un gruppo di dilettanti che riescono nell’impresa più per fortuna che per abilità.

The Lavender Hill Mob ha stabilito un modello per la commedia-heist, dimostrando che la suspense può convivere con la leggerezza. La sua influenza è enorme, non solo per aver codificato i cliché del “colpo all’inglese”, ma per aver catturato un’attitudine nazionale: quella di affrontare le avversità con un misto di ingegnosità, eccentricità e un’incrollabile tazza di tè. È un film che trova l’oro non nel caveau di una banca, ma nell’ironia della vita.

The League of Gentlemen (La lega dei gentiluomini) (1960)

Un colonnello dell’esercito britannico, costretto al pensionamento anticipato, cova un profondo risentimento verso il sistema che lo ha scartato. Per vendetta, recluta una squadra di ex ufficiali, tutti caduti in disgrazia per vari motivi, per compiere una rapina in banca con la precisione di un’operazione militare. Sfruttando le loro competenze specifiche, il gruppo pianifica un colpo audace e complesso, ma le loro personalità eccentriche e i vecchi vizi minacciano di compromettere la missione.

Questo film segna un punto di svolta nel cinema di rapina britannico, fungendo da ponte tra la commedia garbata degli Ealing Studios e i thriller più cinici che seguiranno. La pellicola utilizza la struttura del colpo per esplorare la disillusione della classe militare nel mondo civile del dopoguerra. Questi “gentiluomini” non sono criminali nati, ma uomini addestrati per servire un paese che ora non ha più bisogno di loro, e la rapina diventa la loro ultima, disperata campagna militare.

Lo stile del film è un affascinante ibrido di suspense e umorismo nero. La pianificazione del colpo è descritta con un rigore quasi documentaristico, mettendo in mostra tattiche e strategie militari applicate al crimine. L’interazione tra i membri della squadra, un campionario di eccentrici gentiluomini britannici, fornisce un contrappunto comico alla tensione della missione. È un film che analizza con arguzia il concetto di “onore” e la rigidità del sistema di classi britannico.

Lock, Stock and Two Smoking Barrels (Lock & Stock – Pazzi scatenati) (1998)

Quattro amici londinesi del East End investono i loro risparmi in una partita di poker truccata e si ritrovano con un debito di mezzo milione di sterline verso un boss locale. Con una settimana di tempo per trovare i soldi, decidono di rapinare una banda di criminali da strapazzo che opera nell’appartamento accanto. Questa decisione innesca una reazione a catena caotica che coinvolge gangster psicopatici, coltivatori di marijuana, strozzini violenti e due antichi fucili di grande valore.

Con il suo esordio fulminante, Guy Ritchie non ha solo diretto un film, ha dato fuoco al cinema criminale britannico. Lock, Stock è un’esplosione di energia postmoderna, un cocktail adrenalinico di dialoghi fulminanti, montaggio ipercinetico e una trama a incastri che si avvita su se stessa come un serpente. Il film ha ridefinito l’estetica del gangster movie per una nuova generazione, mescolando la tradizione del crimine londinese con l’influenza di Tarantino e un’iniezione di umorismo nero puramente britannico.

La rapina, o meglio, la serie di rapine e contro-rapine, non è il centro del film, ma solo l’innesco di un domino impazzito. Ritchie è più interessato a osservare come i piani, anche i più semplici, vengano demoliti dal caso, dalla stupidità e dall’intervento di personaggi sempre più assurdi. È un universo criminale che assomiglia più a una farsa degli equivoci che a un dramma noir, dove la violenza è tanto brutale quanto comica. Un’opera seminale che ha lanciato carriere e definito uno stile inconfondibile.

Sexy Beast (2000)

Gal Dove, un ex scassinatore, si gode una pensione dorata e pacifica nella sua villa sulla costa spagnola, crogiolandosi al sole e all’amore della moglie. Questa idilliaca tranquillità viene fatta a pezzi dall’arrivo di Don Logan, un suo vecchio socio. Logan non è un semplice gangster, ma una forza della natura, un sociopatico terrificante che pretende, con una violenza psicologica inaudita, che Gal torni a Londra per un ultimo, complesso colpo in banca.

Sexy Beast è un film di rapina solo in superficie. Nel suo nucleo, è un thriller psicologico che sconfina nell’horror, un’opera sull’impossibilità di sfuggire al proprio passato. La vera rapina non è quella al caveau, ma quella perpetrata da Don Logan all’anima e alla pace di Gal. La performance di Ben Kingsley, candidato all’Oscar, è una delle più spaventose della storia del cinema: il suo Don è un vulcano di rabbia e volgarità, un mostro in abiti umani la cui sola presenza contamina l’atmosfera solare del film.

Il regista Jonathan Glazer, al suo esordio, utilizza uno stile visivo surreale e onirico che eleva la narrazione ben al di sopra del tipico gangster movie britannico. Sequenze da incubo, come quella dell’uomo-coniglio armato, trasformano la Costa del Sol in un paesaggio della mente, dove i demoni del passato di Gal prendono forma. La rapina a Londra, sebbene tesa e ben girata, è quasi un intermezzo prima del vero confronto, quello interiore. Un film brutale e stilisticamente audace che usa il genere per esplorare la bestia che si nasconde sotto la pelle della civiltà.

The Bank Job (2008)

Londra, 1971. Terry, un venditore di auto con un passato di piccoli crimini, viene avvicinato da una sua vecchia fiamma, Martine, con una proposta irrinunciabile: rapinare una banca in Baker Street il cui sistema di allarme sarà temporaneamente disattivato. Terry assembla una squadra di ladri non proprio professionisti e, scavando un tunnel, riescono a entrare nel caveau. Scopriranno presto che il loro vero obiettivo non erano i soldi, ma il contenuto compromettente di una cassetta di sicurezza che lega la malavita, la polizia e persino un membro della famiglia reale.

Ispirato a una storia vera e a lungo avvolta nel mistero, The Bank Job è un ritorno al realismo crudo e polveroso del cinema criminale britannico degli anni ’70. Il film ricostruisce con meticolosa attenzione al dettaglio un’epoca di corruzione dilagante, dove i confini tra criminali, forze dell’ordine e potere politico erano pericolosamente labili. La rapina, sebbene ingegnosa e ricca di suspense, funge da catalizzatore per svelare un vaso di Pandora di segreti e scandali.

A differenza dei film di rapina più stilizzati, qui il focus è sulla vulnerabilità dei personaggi. La banda di Terry non è composta da geni del crimine, ma da uomini comuni che si trovano invischiati in un gioco molto più grande di loro. La tensione non deriva solo dal rischio di essere catturati, ma dalla consapevolezza di essere diventati pedine in una partita giocata da poteri invisibili. È un thriller solido e avvincente che usa un evento di cronaca per dipingere un ritratto amaro e disincantato di un’intera nazione.

Anima Italiana: Dalla Commedia al Poliziottesco

Il cinema italiano ha interpretato il genere della rapina attraverso le lenti della sua storia sociale e culturale, producendo risultati unici e profondamente radicati nel contesto nazionale. Si parte dalla Commedia all’italiana, che con I soliti ignoti ha creato l’antitesi perfetta del colpo perfetto, trasformando la disperazione della povertà in una farsa esilarante. Si passa poi all’estetica pop e colorata degli anni ’60, per approdare infine alla violenza brutale e nichilista del poliziottesco degli anni ’70, un genere che rifletteva le tensioni e le paure dei turbolenti “Anni di Piombo”.

I soliti ignoti (1958)

A Roma, un gruppo di ladruncoli disperati e male in arnese si unisce per tentare il colpo che dovrebbe sistemarli per la vita: svaligiare il Monte di Pietà. Guidati dalle istruzioni di un anziano scassinatore in pensione, studiano un piano “scientifico” che fa acqua da tutte le parti. Tra incomprensioni, errori madornali e una sfortuna cosmica, la loro impresa si trasforma in una catena di fallimenti comici e patetici.

Capolavoro assoluto di Mario Monicelli e pietra miliare della Commedia all’italiana, I soliti ignoti è il più grande anti-heist movie mai realizzato. Nato come una parodia esplicita del serissimo Rififi, il film ne ribalta ogni singolo cliché. Alla professionalità dei criminali francesi sostituisce l’inettitudine cronica dei suoi protagonisti; alla tensione silenziosa, il chiasso di dialoghi memorabili; al colpo perfetto, il fallimento più totale e glorioso.

Il genio del film sta nel suo perfetto equilibrio tra comicità e realismo sociale. I personaggi di Gassman, Mastroianni e Totò sono maschere comiche indimenticabili, ma la loro fame e la loro disperazione sono reali, radicate nell’Italia povera ma piena di speranze del dopoguerra. La rapina non è un atto di sfida, ma un tentativo goffo e quasi infantile di sfuggire alla miseria. Il finale, con la banda che finisce per mangiare pasta e ceci nella cucina sbagliata, è una delle scene più iconiche del cinema italiano, un’amara e tenera celebrazione della sconfitta.

Sette uomini d’oro (1965)

Un geniale e impassibile professore inglese, Albert, orchestra da una lussuosa suite d’albergo a Roma una delle rapine più audaci mai concepite. Il suo obiettivo sono le sette tonnellate d’oro custodite nel caveau della Banca di Svizzera a Ginevra. Utilizzando una squadra di sei specialisti e sfruttando i lavori per la costruzione di una nuova rete fognaria, il piano prevede di perforare il pavimento del caveau dal basso e sottrarre l’oro sotto gli occhi di tutti.

In netto contrasto con la poetica neorealista de I soliti ignoti, Sette uomini d’oro è un’esplosione di stile pop, un’ode alla tecnologia, all’eleganza e all’azione tipica degli anni ’60. Il film di Marco Vicario è un caper movie coloratissimo e dinamico, più vicino allo spirito di James Bond che a quello del cinema d’autore italiano. La rapina è un congegno a orologeria perfetto, un balletto tecnologico fatto di gadget avveniristici, tute gialle e una pianificazione impeccabile.

Il film si distingue per il suo ritmo incalzante e per un’ironia sofisticata, incarnata dalla relazione tra il freddo Professore (Philippe Leroy) and la sua splendida e infedele complice Giorgia (Rossana Podestà). Il loro rapporto, un continuo gioco di seduzione e doppio gioco, aggiunge un ulteriore livello di suspense alla trama, dimostrando che anche nel piano più perfetto, la variabile umana è sempre la più pericolosa. Un cult che ha anticipato l’estetica di molte produzioni internazionali a venire.

Milano calibro 9 (1972)

Ugo Piazza, un piccolo criminale, esce di prigione dopo tre anni. Ad attenderlo non c’è la libertà, ma il suo vecchio boss, l’Americano, un paranoico e sadico capo della mala milanese. L’Americano è convinto che Ugo gli abbia rubato 300.000 dollari prima di essere arrestato e vuole i suoi soldi indietro, a ogni costo. Inizia così una caccia all’uomo spietata, in una Milano grigia e violenta, dove nessuno è chi sembra e la fiducia è un lusso che non ci si può permettere.

Con Milano calibro 9, Fernando Di Leo firma uno dei vertici assoluti del poliziottesco, il genere che ha raccontato la violenza e le tensioni sociali dell’Italia degli Anni di Piombo. Questo non è un film su una rapina, ma sulle sue conseguenze, un’opera nichilista e brutale in cui il crimine del passato è un’ombra che divora il presente. La sceneggiatura, ispirata ai racconti di Giorgio Scerbanenco, è un meccanismo a orologeria che costruisce una tensione insostenibile.

Il film è un ritratto spietato di un mondo criminale senza onore né redenzione, popolato da personaggi memorabili come il laconico Ugo Piazza (Gastone Moschin), il nevrotico Rocco (Mario Adorf) e il gelido Chino (Philippe Leroy). La regia di Di Leo è secca, violenta e incredibilmente moderna, e la colonna sonora progressive rock degli Osanna, unita alle musiche di Luis Bacalov, crea un’atmosfera unica e allucinata. Un capolavoro del noir italiano, crudo e senza compromessi.

La pagella (1980)

Salvatore, un onesto camionista napoletano, viene costretto da un boss locale a fare da autista per una serie di rapine. Quando cerca di tirarsi indietro per amore della sua famiglia, il boss fa rapire suo figlio Gennarino per costringerlo a partecipare a un ultimo, grande colpo. Per Salvatore inizia una disperata lotta su due fronti: sopravvivere nel mondo criminale e fare di tutto per salvare il figlio.

La pagella è un esempio unico e affascinante di ibridazione di generi, un film che fonde la violenza del poliziottesco con la tradizione melodrammatica della sceneggiata napoletana. Diretto da Ninì Grassia e interpretato dalla star della canzone napoletana Mario Trevi, il film è un’opera profondamente radicata nella cultura partenopea, dove i temi della famiglia, dell’onore e del sacrificio sono centrali quanto le sparatorie e gli inseguimenti.

L’estetica è grezza, quasi documentaristica, e cattura l’atmosfera delle periferie napoletane di quegli anni. La rapina non è qui una scelta di vita o un’impresa audace, ma una costrizione, una violazione dell’ordine familiare che scatena una reazione tragica e violenta. Le canzoni di Mario Trevi non sono un semplice intermezzo, ma parte integrante della narrazione, esprimendo il dolore e la determinazione del protagonista. Un cult regionale che mostra un volto diverso e sorprendentemente emotivo del cinema criminale italiano.

L’Incubo Americano: Il Colpo come Atto di Disperazione

Nel cinema indipendente americano, la rapina raramente è una scorciatoia per il lusso. Più spesso, è l’ultima fermata di un treno deragliato, un atto disperato compiuto da uomini e donne messi all’angolo dalla vita, dal sistema o dalle proprie debolezze. Lontano dal glamour di Hollywood, questi film esplorano il lato oscuro del Sogno Americano, dove il colpo non è un’opportunità, ma una conseguenza. Da Kubrick ai fratelli Safdie, il cinema indie ha usato il genere per raccontare storie di fallimento, alienazione e violenza, trasformando il caveau della banca in un simbolo delle promesse non mantenute della nazione.

The Killing (Rapina a mano armata) (1956)

Johnny Clay, un criminale di lungo corso appena uscito di prigione, assembla una squadra eterogenea per un colpo apparentemente infallibile: rapinare l’incasso di un ippodromo durante una corsa. Il piano è un congegno perfetto, con ogni uomo che deve eseguire un compito preciso a un’ora esatta. Ma basta un anello debole, un matrimonio fallito e l’avidità di una donna, per trasformare un’operazione chirurgica in un bagno di sangue e in un beffardo trionfo del caos.

Prima di rivoluzionare la fantascienza e il cinema di guerra, un giovane Stanley Kubrick ha firmato uno dei noir più influenti e strutturalmente audaci di sempre. The Killing è un gelido e pessimistico studio sul fallimento, in cui la perfezione del piano si scontra con l’imperfezione della natura umana. La regia di Kubrick è già quella di un maestro: precisa, controllata, quasi clinica nel descrivere la meccanica del colpo e l’inesorabile disintegrazione dei suoi protagonisti.

La vera innovazione del film risiede nella sua narrazione non lineare. Kubrick frammenta la cronologia, mostrandoci gli stessi eventi da punti di vista diversi, costruendo un puzzle temporale che aumenta la suspense e sottolinea la natura fatalista della storia. Ogni pezzo del piano si incastra alla perfezione, ma il destino, sotto forma di un barboncino e di una valigia di scarsa qualità, ha l’ultima, ironica parola. Un’opera fondamentale che ha ispirato generazioni di registi, da Melville a Tarantino.

Thief (Strade violente) (1981)

Frank è uno scassinatore professionista, un maestro nel suo campo con un codice rigoroso e un’abilità quasi artistica. Gestisce attività di facciata e sogna una vita normale: una casa, una moglie, una famiglia. Per raggiungere il suo obiettivo, accetta di fare un ultimo, grosso lavoro per un potente boss della mafia. Ma scoprirà presto che entrare nel mondo del crimine organizzato è facile, mentre uscirne è impossibile. La sua ricerca di indipendenza si trasforma in una brutale lotta per la sopravvivenza.

Con il suo esordio cinematografico, Michael Mann ha ridefinito il neo-noir, creando un’opera di un realismo quasi documentaristico e di una profonda malinconia esistenziale. Thief è un ritratto incredibilmente dettagliato della vita di un criminale professionista. Mann immerge lo spettatore nel processo, mostrando con una precisione quasi ossessiva gli strumenti, le tecniche e la mentalità necessarie per aprire una cassaforte. La celebre sequenza del colpo è un capolavoro di tensione procedurale.

Ma il cuore del film è il personaggio di Frank, interpretato da un magnifico James Caan. È un uomo intrappolato tra il desiderio di una vita borghese e la natura solitaria della sua professione. La sua tragedia è quella di un artigiano che cerca di applicare un codice personale a un mondo che non ne ha. La fotografia notturna di Chicago, con le sue strade bagnate di pioggia e le luci al neon, e l’ipnotica colonna sonora dei Tangerine Dream, creano un’atmosfera unica, un paesaggio urbano che è sia bellissimo che minaccioso.

House of Games (La casa dei giochi) (1987)

Margaret Ford, una psichiatra di successo e autrice di un bestseller sulla compulsione, si avventura nel mondo dei bari e dei truffatori per aiutare un suo paziente indebitato. Incontra Mike, un affascinante maestro della truffa che la introduce nel suo universo fatto di inganni e raggiri. Attratta dal pericolo e dalla psicologia del gioco, Margaret si lascia coinvolgere sempre di più, senza rendersi conto di essere diventata lei stessa il bersaglio di una complessa e spietata partita.

L’esordio alla regia del drammaturgo David Mamet non è un heist movie tradizionale, ma una sua variazione più subdola e intellettuale: un “con movie”. Non si rubano soldi da un caveau, ma la fiducia da una persona. Il film è un labirinto psicologico, una partita a scacchi verbale in cui ogni dialogo è una mossa, ogni frase nasconde un doppio fondo. Mamet applica al cinema il suo stile teatrale inconfondibile: dialoghi affilati, ritmici, quasi innaturali, che trasformano il linguaggio in un’arma.

La regia è fredda, precisa, quasi clinica, e crea un’atmosfera di suspense intellettuale più che fisica. House of Games esplora i temi della fiducia, del tradimento e della natura della verità in un mondo dove nulla è come sembra. È un film che smonta i meccanismi dell’inganno, mostrando come la più grande truffa non sia quella che svuota il portafoglio, ma quella che manipola la mente e il cuore. Un thriller psicologico di rara intelligenza e crudeltà.

Reservoir Dogs (Le iene) (1992)

Dopo una rapina in una gioielleria finita disastrosamente in un bagno di sangue, i criminali sopravvissuti si ritrovano in un magazzino abbandonato. Con uno di loro gravemente ferito e la polizia alle calcagna, la tensione sale alle stelle. I sospetti si insinuano: il colpo era una trappola, e tra loro si nasconde un informatore. La lealtà si sgretola, le accuse volano e la situazione precipita in una spirale di paranoia e violenza.

Il film che ha fatto esplodere il cinema indipendente degli anni ’90 e ha consacrato Quentin Tarantino come una delle voci più originali della sua generazione. Reservoir Dogs è un heist movie che, genialmente, non mostra mai la rapina. Tarantino sovverte le regole del genere concentrandosi esclusivamente sul prima e, soprattutto, sul dopo. Il magazzino diventa un palcoscenico teatrale, un’arena claustrofobica dove i personaggi si confrontano in un crescendo di dialoghi fulminanti e tensione insostenibile.

Lo stile di Tarantino è già tutto qui: la narrazione non lineare che frammenta la storia, i dialoghi torrenziali infarciti di cultura pop, la violenza stilizzata e improvvisa, e una colonna sonora anni ’70 che fa da ironico contrappunto alla brutalità degli eventi. Più che un film d’azione, è un’opera sulla lealtà, il tradimento e la mascolinità tossica, un thriller psicologico che ha dimostrato come, con un budget ridotto e un’idea geniale, si potesse reinventare un intero genere.

Bottle Rocket (1996)

Dignan, un giovane entusiasta e senza speranza, “libera” il suo amico Anthony da un ospedale psichiatrico volontario con un piano infallibile: un programma di 75 anni per diventare criminali di successo. Insieme al loro vicino Bob, un autista riluttante, formano una sgangherata banda. Dopo una “rapina di prova” tragicomica a casa dei genitori di Anthony, i tre si lanciano in un colpo a una libreria, per poi darsi alla fuga in un motel dove l’amore complica ulteriormente i loro piani.

L’esordio di Wes Anderson è una delle più dolci e malinconiche decostruzioni del genere heist. Lontano dalla violenza e dal cinismo, Bottle Rocket è una commedia bizzarra e tenera su tre amici che giocano a fare i criminali con la serietà di bambini che organizzano una recita. La rapina non è un atto di ribellione, ma un disperato tentativo di dare un senso e una struttura alle loro vite vuote, un modo per creare un’avventura in un mondo che non ne offre.

Lo stile di Anderson è già riconoscibile: la composizione simmetrica delle inquadrature, i dialoghi stravaganti e l’umorismo impassibile. Il film trova la sua comicità nell’assoluta serietà con cui i personaggi affrontano i loro piani assurdi. È un film che parla di amicizia, sogni infranti e della difficoltà di diventare adulti. La rapina, goffa e fallimentare, diventa una metafora della loro incapacità di adattarsi al mondo reale, rendendo Bottle Rocket un heist movie unico nel suo genere, pieno di cuore e di un’adorabile incompetenza.

Before the Devil Knows You’re Dead (Onora il padre e la madre) (2007)

Due fratelli si trovano in disperate difficoltà economiche. Andy, un dirigente immobiliare con un vizio per la droga e un’indagine per frode alle porte, convince il fratello minore Hank, un uomo debole che fatica a pagare gli alimenti, a partecipare a un piano apparentemente semplice e senza rischi: rapinare la gioielleria dei loro stessi genitori. Ma quando il colpo finisce in tragedia, il fragile equilibrio della famiglia va in frantumi, scatenando una catena di eventi inarrestabile e devastante.

L’ultimo, magnifico film di un maestro come Sidney Lumet è un’opera di una cupezza e di un pessimismo quasi insopportabili. Questo non è un film sul crimine, ma sulla disintegrazione totale della famiglia, un noir greco in cui la rapina è solo il catalizzatore che fa emergere decenni di risentimenti, invidie e segreti. Lumet dirige con una lucidità spietata, sezionando i suoi personaggi e le loro motivazioni senza mai giudicarli, ma mostrandone tutta la patetica e tragica umanità.

La struttura narrativa non lineare, che salta avanti e indietro nel tempo mostrando gli eventi da diverse prospettive, è fondamentale. Non è un semplice vezzo stilistico, ma un modo per intrappolare lo spettatore in un labirinto di colpa e conseguenze, dove ogni nuova rivelazione aggiunge un altro strato di orrore alla storia. È un heist movie spogliato di ogni romanticismo, ridotto al suo nucleo più oscuro: un atto di egoismo che, come un cancro, divora tutto ciò che tocca.

Good Time (2017)

Dopo una rapina in banca andata male, Nick, un giovane con disabilità mentali, viene arrestato, mentre suo fratello Connie riesce a fuggire. Ossessionato dal senso di colpa e determinato a far uscire Nick di prigione prima che gli accada qualcosa di terribile, Connie si lancia in una disperata e caotica odissea notturna attraverso i bassifondi del Queens. In una corsa contro il tempo, si troverà a mentire, manipolare e correre, in un vortice di decisioni sbagliate che lo spingeranno sempre più a fondo nell’abisso.

I fratelli Safdie creano un’esperienza cinematografica totalizzante, un thriller adrenalinico e ansiogeno che ti afferra alla gola e non ti lascia più. Good Time è un’immersione totale nel caos, un film che pulsa al ritmo frenetico della fuga del suo protagonista. La regia è nervosa, quasi documentaristica, con la macchina da presa incollata al volto sudato di Robert Pattinson, in una delle sue migliori interpretazioni. La fotografia al neon e la colonna sonora elettronica martellante di Oneohtrix Point Never contribuiscono a creare un’atmosfera allucinata e opprimente.

Il film è la rappresentazione perfetta del colpo andato storto e delle sue conseguenze a cascata. A differenza dei classici del genere, qui non c’è pianificazione né professionalità, solo improvvisazione e disperazione. Ogni tentativo di Connie di risolvere un problema ne crea uno peggiore, in una spirale discendente che è tanto avvincente quanto straziante. È un ritratto potente e senza filtri dell’amore fraterno tossico e della vita ai margini, un pugno nello stomaco che ridefinisce il thriller urbano per il XXI secolo.

American Animals (2018)

Quattro giovani studenti universitari del Kentucky, annoiati dalla loro vita ordinaria e in cerca di un’esperienza che dia un senso alla loro esistenza, decidono di compiere una rapina audace. Il loro obiettivo è la collezione di libri rari della biblioteca della loro università, tra cui un preziosissimo esemplare di “Birds of America” di Audubon. Ispirati dai film di rapina, pianificano meticolosamente il colpo, ma la loro fantasia cinematografica si scontrerà brutalmente con la goffa e terrificante realtà del crimine.

American Animals è uno dei film di rapina più originali e intelligenti degli ultimi anni, un’opera ibrida che mescola la finzione cinematografica con interviste reali ai veri protagonisti della storia. Il regista Bart Layton non si limita a raccontare una rapina, ma interroga la natura stessa del racconto e il motivo per cui siamo così affascinati dalle storie criminali. Il film esplora il confine labile tra realtà e finzione, mostrando come la cultura pop e il cinema possano plasmare le nostre aspirazioni e distorcere la nostra percezione della realtà.

La struttura del film è geniale: le scene della rapina, interpretate da attori, sono costantemente interrotte e commentate dai veri ladri, che spesso si contraddicono a vicenda, mettendo in discussione l’oggettività della memoria. Questo crea un effetto straniante e profondamente riflessivo. La rapina, goffa e piena di errori, diventa una critica potente alla glorificazione del crimine, mostrando il divario incolmabile tra l’elegante fantasia di un colpo alla Ocean’s Eleven e la sua squallida, spaventosa e traumatica esecuzione.

Voci dal Mondo: Il Crimine come Linguaggio Universale

La struttura del film di rapina — pianificazione, esecuzione, conseguenze — si è dimostrata un modello narrativo incredibilmente versatile, adottato e adattato da cinematografie di tutto il mondo. Ogni cultura ha infuso nel genere le proprie specificità, usando il crimine come una lente per esaminare questioni locali, tensioni sociali e tradizioni cinematografiche. Questa sezione è un viaggio attraverso le diverse interpretazioni globali del colpo, dimostrando come un’idea universale possa dare vita a storie profondamente uniche e radicate nel loro contesto.

Atraco a las tres (1962)

Galindo, un umile impiegato di banca, stanco di una vita di duro lavoro e magre soddisfazioni, convince i suoi colleghi a compiere una rapina nella loro stessa filiale. Ispirandosi ai film che ha visto al cinema, elabora un piano dettagliato e apparentemente perfetto. Il gruppo di impiegati, trasformati in improbabili criminali, si prepara al colpo con un misto di entusiasmo e terrore, ma il giorno della rapina scopriranno che la realtà è molto più imprevedibile della finzione.

Questa brillante commedia spagnola è una risposta diretta e altrettanto geniale a I soliti ignoti. Come il suo predecessore italiano, Atraco a las tres utilizza il genere della rapina per creare una satira sociale acuta e divertente. Il film prende in giro l’ossessione per il crimine cinematografico e il desiderio di evasione dalla monotonia della vita quotidiana. I protagonisti non sono veri criminali, ma persone comuni che sognano di diventare i protagonisti di un film.

La comicità nasce dal contrasto tra la serietà quasi militare con cui pianificano il colpo e la loro totale inadeguatezza per il mondo del crimine. Il film è un ritratto affettuoso e ironico della Spagna dei primi anni ’60, un paese ancora sotto la dittatura franchista ma che iniziava a sognare la modernità e il benessere visti nei film stranieri. Il finale, con un colpo di scena delizioso, ribadisce la morale del film: a volte, la più grande rapina è quella che non si commette.

Deprisa, deprisa (1981)

Nelle periferie di Madrid, all’alba della democrazia spagnola, un gruppo di giovani disillusi vive alla giornata, tra furti d’auto e piccole rapine. Pablo, il leader del gruppo, si innamora di Ángela, una cameriera che viene rapidamente assorbita nel loro mondo criminale. Insieme, la banda alza il tiro, pianificando colpi sempre più audaci per finanziare una vita fatta di emozioni immediate e droga. Ma la loro corsa disperata verso la libertà si scontra con la violenza della strada e l’inevitabilità della tragedia.

Diretto da un maestro come Carlos Saura, Deprisa, deprisa è uno dei film più rappresentativi del Cine Quinqui, un genere che ha raccontato la delinquenza giovanile nella Spagna post-franchista. Lontano da ogni romanticismo, il film è un ritratto crudo, quasi documentaristico, di una generazione perduta, cresciuta ai margini di una società in rapida trasformazione. La rapina non è un’impresa eroica, ma un sintomo di un malessere sociale profondo, l’unico modo per sentirsi vivi in un mondo senza futuro.

Saura dirige con uno stile realistico e non giudicante, utilizzando attori non professionisti presi dalla strada per aumentare l’autenticità. Il film cattura l’energia e la disperazione di questi giovani, la loro fame di vita e la loro attrazione per l’autodistruzione. Le scene delle rapine sono tese e caotiche, prive di qualsiasi spettacolarità, e mostrano la violenza nella sua banalità. Un’opera potente e struggente, che ha vinto l’Orso d’Oro al Festival di Berlino.

Nine Queens (Nove regine) (2000)

In una Buenos Aires sull’orlo del collasso economico, due truffatori si incontrano per caso. Marcos è un veterano cinico e senza scrupoli, Juan un giovane idealista e alle prime armi. Dopo un piccolo raggiro, Marcos invita Juan a fargli da socio per un giorno. L’occasione della vita si presenta quando si imbattono in un affare colossale: vendere una serie di francobolli falsi, le “Nove Regine”, a un ricco collezionista disposto a pagare una fortuna. Inizia così una giornata di inganni, doppi giochi e colpi di scena.

Nine Queens è un capolavoro di sceneggiatura, un film di truffa così perfettamente costruito che lo spettatore si sente costantemente un passo indietro rispetto ai suoi protagonisti. Il regista Fabián Bielinsky crea un labirinto di inganni in cui nulla è come sembra e la fiducia è la merce più rara. Il film non è un heist movie classico, ma un “con movie” che si svolge interamente per le strade, nei caffè e negli hotel di una Buenos Aires vibrante e corrotta.

Il vero colpo non è quello che si vede, ma quello che si nasconde dietro le apparenze. Il film è un’analisi magistrale della psicologia dell’inganno, ma anche un potente ritratto della società argentina alla vigilia della grande crisi economica del 2001. La disonestà dei protagonisti riflette quella di un intero sistema sull’orlo del baratro. Il finale, con il suo colpo di scena multiplo, non è solo un virtuosismo narrativo, ma una beffarda metafora di un paese dove tutti, dal più piccolo truffatore al più grande banchiere, stanno giocando una partita truccata.

El robo del siglo (La rapina del secolo) (2020)

Ispirato a una delle rapine più famose e creative della storia argentina, il film racconta la storia di un gruppo di ladri che nel 2006 svaligiò una filiale del Banco Río ad Acassuso. Guidati da un artista carismatico e da un ladro professionista, la banda prese in ostaggio 23 persone, ma usò solo armi giocattolo. Mentre la polizia circondava l’edificio e negoziava con i rapinatori, questi svuotavano le cassette di sicurezza e fuggivano attraverso un tunnel sotterraneo, lasciandosi alle spalle un messaggio beffardo.

El robo del siglo è un heist movie che riesce a essere allo stesso tempo un thriller avvincente e una commedia brillante. Il regista Ariel Winograd cattura perfettamente lo spirito quasi surreale della vera rapina, soprannominata “la rapina del buon umore” per il suo approccio non violento e l’ingegnosità quasi artistica. Il film si concentra sulla pianificazione e sull’esecuzione del colpo, celebrando l’intelligenza e la creatività dei suoi protagonisti, che vengono ritratti più come artisti della truffa che come criminali violenti.

Il film è un perfetto equilibrio tra tensione e umorismo, sostenuto dalle magnifiche interpretazioni di Guillermo Francella e Diego Peretti. È un racconto che esplora il mito del ladro-gentiluomo, il criminale che sfida il sistema non con la brutalità, ma con l’astuzia. La rapina diventa una performance, un’opera d’arte concettuale che espone la vulnerabilità delle istituzioni e cattura l’immaginazione popolare, trasformando i ladri in improbabili eroi folk.

Los delincuentes (The Delinquents) (2023)

Morán, un impiegato di banca di Buenos Aires, stanco della sua vita monotona, decide di rubare una somma di denaro esatta: l’equivalente di tutti gli stipendi che guadagnerebbe fino alla pensione. Dopo il furto, si costituisce, pianificando di scontare tre anni di prigione per poi godersi il bottino. Coinvolge nel suo piano un collega, Román, a cui affida i soldi, promettendogliene una parte. Mentre Morán è in carcere, Román, oppresso dal peso del segreto e del denaro, inizia un viaggio che lo porterà a riconsiderare la sua stessa idea di libertà.

Los delincuentes è un heist movie filosofico, un’opera di tre ore che usa la rapina come punto di partenza per una meditazione esistenziale sulla libertà, il lavoro e il senso della vita. Il regista Rodrigo Moreno decostruisce il genere, allontanandosi dalla suspense e dall’azione per esplorare le conseguenze interiori del crimine. Il film è diviso in due parti, seguendo parallelamente le vite dei due protagonisti, e si trasforma lentamente da un thriller urbano a un racconto quasi bucolico e sognante.

Il vero furto, suggerisce il film, non è quello del denaro, ma quello del tempo che il lavoro alienante sottrae alle nostre vite. La rapina di Morán è un atto radicale, un tentativo di riappropriarsi del proprio futuro. Moreno dirige con uno stile contemplativo e un umorismo sottile, creando un’opera unica e imprevedibile, che sfida le aspettative dello spettatore a ogni svolta. È un film che pone una domanda fondamentale: cosa significa essere veramente liberi? E la risposta, forse, non ha nulla a che fare con i soldi.

Branded to Kill (La farfalla sul mirino) (1967)

Goro Hanada è il killer numero tre della malavita giapponese, un professionista infallibile con un’ossessione per l’odore del riso bollito. La sua vita, fatta di incarichi precisi e violenza stilizzata, viene sconvolta quando una farfalla si posa sul suo mirino durante un’esecuzione, facendogli mancare il bersaglio. Questo singolo errore lo trasforma da cacciatore a preda, costringendolo a una fuga disperata e surreale, braccato dal leggendario e fantomatico killer “Numero Uno”.

Seijun Suzuki, un prolifico regista di B-movie per lo studio Nikkatsu, ha trasformato i limiti di budget in un’opportunità per una sperimentazione visiva sfrenata. Branded to Kill è il suo capolavoro, un yakuza-movie che demolisce le convenzioni del genere per diventare un’opera pop-art, anarcoide e assurdista. La trama, già di per sé bizzarra, è solo un pretesto per un’esplosione di invenzioni stilistiche: inquadrature sghembe, montaggio discontinuo, scenografie surreali e un’estetica in bianco e nero ultra-contrastata.

Il film è così radicale e incomprensibile per gli standard dell’epoca che costò a Suzuki il licenziamento dalla Nikkatsu, ma lo consacrò come un’icona del cinema di culto. La sua influenza su registi come Quentin Tarantino, Jim Jarmusch e John Woo è incalcolabile. Non è un heist movie in senso stretto, ma il suo approccio decostruttivo al genere criminale, la sua enfasi sullo stile e la sua narrazione frammentata lo rendono un’opera fondamentale per comprendere l’evoluzione del cinema d’azione e del thriller moderno.

Sonatine (1993)

Murakawa, un anziano e stanco boss della yakuza di Tokyo, viene inviato dal suo capo a Okinawa per mediare una disputa tra clan alleati. Sospettando che si tratti di una trappola per eliminarlo, parte controvoglia con i suoi uomini. Una volta a Okinawa, la situazione precipita rapidamente in un’imboscata. I sopravvissuti si rifugiano in una casa sulla spiaggia, dove, in attesa di un destino incerto, passano il tempo con giochi infantili e violenti, riscoprendo un’innocenza perduta prima del sanguinoso epilogo.

Takeshi Kitano reinventa il film di yakuza, trasformandolo da un racconto di violenza e onore a una meditazione malinconica e quasi filosofica sulla morte. Sonatine è un’opera spiazzante, che alterna momenti di quiete contemplativa a esplosioni di violenza improvvisa e brutale. La rapina e le dinamiche di potere tra gangster sono solo il pretesto per un film che parla di stanchezza esistenziale, della noia della violenza e del desiderio di fuga.

Lo stile di Kitano è unico: inquadrature fisse e lunghe, dialoghi minimalisti e un umorismo impassibile e surreale. La lunga parentesi sulla spiaggia è il cuore del film, una pausa onirica in cui questi uomini violenti regrediscono a uno stato infantile, giocando come bambini prima di affrontare la morte. Il blu del mare e del cielo di Okinawa contrasta con il rosso del sangue, creando un’estetica di una bellezza struggente. È un film che svuota il genere criminale dall’interno, lasciando solo un silenzio profondo e un senso di ineluttabile tragedia.

Time to Hunt (2020)

In una Corea del Sud distopica e in piena crisi economica, quattro giovani amici, appena usciti di prigione, sognano di fuggire dalla loro vita senza speranza per trasferirsi in un paradiso tropicale. Per finanziare la loro fuga, decidono di compiere un’ultima, audace rapina: svaligiare una casa da gioco illegale. Il colpo riesce, ma rubano qualcosa che non avrebbero dovuto, attirando l’attenzione di un killer spietato e inarrestabile che inizia a dar loro la caccia.

Time to Hunt fonde il genere heist con il thriller survivalista, creando un’opera tesa, cupa e adrenalinica. La prima parte del film segue i canoni del colpo, con la pianificazione e l’esecuzione della rapina in un’atmosfera opprimente e quasi post-apocalittica. Ma una volta commesso il crimine, il film cambia pelle e si trasforma in un incubo. La rapina non è la fine, ma l’inizio di una caccia all’uomo senza tregua.

Il regista Yoon Sung-hyun crea un mondo visivamente impressionante, una città fantasma illuminata da luci al neon e avvolta in una nebbia perenne, che riflette lo stato d’animo dei protagonisti. La vera forza del film è la figura del killer, un antagonista quasi soprannaturale, una macchina di morte che incarna l’ineluttabilità delle conseguenze. La suspense non deriva dal rischio di essere catturati dalla polizia, ma dalla paura primordiale di essere braccati da un predatore implacabile.

The Hard Word (2002)

Tre fratelli, rapinatori di banche tanto abili quanto diversi tra loro, vengono incastrati dal loro stesso avvocato corrotto. Mentre sono in prigione, lo stesso avvocato offre loro un’opportunità: partecipare alla rapina più grande della storia australiana, il colpo alle scommesse della Melbourne Cup. I fratelli accettano, ma si ritrovano invischiati in un gioco mortale di tradimenti, doppi giochi e violenza, complicato dal fatto che la moglie del leader della banda ha una relazione con l’avvocato.

The Hard Word è un perfetto esempio di crime-comedy australiana, un film che mescola con disinvoltura umorismo nero, violenza brutale e personaggi eccentrici. Il film ha un tono cinico e irriverente, e si diverte a giocare con i cliché del genere heist, aggiungendo un sapore decisamente “aussie”. La dinamica tra i tre fratelli, interpretati da Guy Pearce, Joel Edgerton e Damien Richardson, è il cuore pulsante del film, un misto di affetto fraterno e rivalità esplosiva.

Lo stile è crudo e realistico, ma allo stesso tempo pieno di trovate surreali e dialoghi taglienti. La rapina alla Melbourne Cup è una sequenza tesa e sanguinosa, che contrasta con i momenti più leggeri e comici del film. È un’opera che esplora i temi della lealtà e del tradimento in un mondo criminale dove l’unica regola è non fidarsi di nessuno, nemmeno del proprio avvocato o della propria moglie. Un gioiello di genere, intelligente e spietato.

The Silent Partner (1978)

Miles, un timido e annoiato cassiere di banca a Toronto, trova un biglietto di minaccia e capisce che la sua filiale sta per essere rapinata. Invece di avvertire la polizia, escogita un piano astuto: quando il rapinatore, un sadico criminale travestito da Babbo Natale, entra in azione, Miles gli consegna solo una piccola parte del denaro, nascondendo il resto per sé. Il rapinatore, però, si accorge dell’inganno e inizia a perseguitare Miles, dando il via a un mortale e perverso gioco psicologico del gatto e del topo.

The Silent Partner è un thriller canadese teso e intelligente, un gioiello nascosto degli anni ’70 che merita di essere riscoperto. Scritto da un futuro regista di talento come Curtis Hanson, il film è un duello psicologico magistrale, sostenuto dalle straordinarie interpretazioni di Elliott Gould e Christopher Plummer. Plummer, in particolare, è terrificante nel ruolo del rapinatore, un cattivo carismatico e spietato che trasforma la vita di Miles in un incubo.

Il film sovverte le convenzioni del genere heist. La rapina avviene all’inizio e in modo quasi secondario; il vero fulcro della narrazione è la battaglia di ingegno e nervi che ne consegue. È un’opera che esplora la metamorfosi di un uomo comune che, messo alle strette, scopre un lato oscuro e calcolatore che non pensava di possedere. La suspense non è data dall’azione, ma dalla tensione psicologica, dalla paura costante e dalla consapevolezza che ogni mossa potrebbe essere l’ultima.

The General (1998)

Basato sulla vita del famigerato criminale irlandese Martin Cahill, il film ne ripercorre l’ascesa e la caduta. Dalle umili origini nei quartieri poveri di Dublino, Cahill diventa uno dei più audaci e carismatici boss della malavita, noto per i suoi colpi spettacolari e per la sua sfacciata sfida all’autorità. La sua carriera criminale lo porta a scontrarsi non solo con la polizia, ma anche con l’IRA e con i paramilitari lealisti, fino al suo inevitabile e violento epilogo.

Diretto da John Boorman, che fu egli stesso una delle vittime di Cahill, The General è un biopic criminale di straordinaria potenza e complessità. Girato in un magnifico bianco e nero che conferisce alla storia una dimensione mitica e quasi da noir classico, il film evita di glorificare il suo protagonista. Al contrario, ne offre un ritratto a tutto tondo, mostrando sia il suo carisma e la sua intelligenza, sia la sua brutalità e la sua natura sadica.

La performance di Brendan Gleeson nel ruolo di Cahill è monumentale. Il suo “Generale” è un moderno Robin Hood e allo stesso tempo un mostro, un uomo che ruba ai ricchi ma che non esita a crocifiggere un suo uomo su un tavolo da biliardo. Le rapine, come il furto dei dipinti della Beit Collection, sono rappresentate come atti di sfida quasi artistica contro lo stato. È un film che esplora la natura del crimine in un contesto politico e sociale complesso come quello dell’Irlanda dei “Troubles”.

That Sinking Feeling (1979)

In una Glasgow grigia e afflitta dalla disoccupazione, un gruppo di adolescenti annoiati e senza prospettive decide di dare una svolta alla propria vita. La loro idea geniale? Rubare un carico di lavelli in acciaio inossidabile da un magazzino. Il loro piano, tanto assurdo quanto dettagliato, prevede travestimenti da donna, tranquillanti e un furgone del pane. L’impresa, contro ogni previsione, riesce, ma vendere centinaia di lavelli si rivela più complicato del previsto.

L’esordio alla regia di Bill Forsyth è una commedia deliziosamente bizzarra e malinconica, un precursore dello stile che lo renderà famoso con film come Gregory’s Girl e Local Hero. Realizzato con un budget irrisorio e attori non professionisti del Glasgow Youth Theatre, That Sinking Feeling è un heist movie che celebra l’assurdità e il fallimento con un umorismo tenero e surreale. La rapina è un atto di ribellione contro la noia, un gioco per sentirsi vivi in una città che sembra non offrire nulla.

Il film cattura perfettamente l’atmosfera della Glasgow di fine anni ’70, ma la trasfigura con uno sguardo poetico e sognante. La comicità nasce dalla serietà con cui questi ragazzi affrontano un piano completamente idiota. Forsyth dimostra un affetto sincero per i suoi personaggi, perdenti pieni di immaginazione che cercano di trovare un po’ di magia in un mondo desolante. Un piccolo cult che è un inno alla creatività e all’amicizia.

Victoria (2015)

Victoria, una ragazza spagnola che vive a Berlino, esce da un club e incontra un gruppo di quattro ragazzi del posto. Inizia a scherzare con loro e, in un impeto di spontaneità, decide di seguirli in giro per la città. Quella che sembra una notte di avventura e flirt si trasforma rapidamente in un incubo quando uno dei ragazzi le rivela di dover saldare un debito con un criminale, e che per farlo devono rapinare una banca. Improvvisamente, Victoria si ritrova a essere la loro autista.

Victoria è un tour de force tecnico e narrativo, un’esperienza cinematografica unica e immersiva. Il regista Sebastian Schipper ha girato l’intero film, lungo più di due ore, in un unico, ininterrotto piano sequenza. Non ci sono tagli, non ci sono trucchi: lo spettatore vive la vicenda in tempo reale, seguendo Victoria in una discesa agli inferi senza via d’uscita. Questa scelta stilistica radicale non è un semplice virtuosismo, ma è funzionale a creare un livello di tensione e immedesimazione senza precedenti.

Il film trasforma una semplice storia di rapina in un’odissea urbana da batticuore. La prima parte è quasi un film romantico, che cattura l’euforia di un incontro notturno, ma l’atmosfera cambia bruscamente, diventando un thriller adrenalinico. La performance di Laia Costa è straordinaria, e la sceneggiatura, in gran parte improvvisata, conferisce al tutto un realismo sconvolgente. Un esperimento cinematografico audace e perfettamente riuscito.